演奏器乐时的困难及解决方法

1. 戏曲打击乐器的演奏方法

戏曲打击乐器的演奏方法

中国戏曲打击乐器，基本上可分为中国民族打击乐器和西洋打击乐器。民族打击乐器在我国民族音乐和戏曲音乐中起到了不可替代的重要作用。下面我为大家整理了戏曲打击乐器的演奏方法，希望能帮到大家!

中国戏曲打击乐器，基本上可分为中国民族打击乐器和西洋打击乐器。民族打击乐器在我国民族音乐和戏曲音乐中起到了不可替代的重要作用。中国民族打击乐器不仅是节奏性乐器，而且每组打击乐群都能独立演奏。它还运用独特的音乐语言和多种编配技法，复杂的演奏技巧，对烘托气氛，表现音乐内容、戏剧情节的变化和加重音乐的表现力都具有非常重要的作用。大多数打击乐器发音响亮，声音的空透力强，是一种色彩性的乐器。

一、戏曲乐器的性能及演奏方 法

戏曲打击乐器有：鼓、板、锣、钹、木鱼、梆子等等。

鼓又包括单皮鼓、堂鼓、缸鼓、腰鼓等。

单皮鼓：打击乐和管弦乐的指挥乐器，鼓面蒙以猪皮，中间为空心，演奏时置于木架上，用两根细竹(通称鼓楗子、鼓签)，打击鼓空心位置而发声。声音清脆，双健滚奏时如珠落花流水玉盘。用底鼓指挥，有时配合手势，各种乐器都随着它的指挥来演奏。指挥的方法靠音响领奏。语言丰富多变，称谓形象准确。如：单鼓健重击谓之“打”。双鼓楗同击谓之“八”。双鼓楗滚击谓之“嘟”……将上述称谓加以组合，便成为“簧头”，也称“底鼓”。它预示着内容、速度和力度。如“底鼓”强击或快击，即预示着刚强、急促。如“底鼓”轻击或慢击，即象征着柔和、轻快。如“底鼓”突然改变节奏，即提示鼓点转换或结束。

司鼓的指挥动作既规范又规律。两手的举动都起着开、领、转、收的作用。将其动作加以归纳，可概括为指、挥、抛、领、棒、抱、按、分、放等。演奏司鼓的人称为鼓师。

板：亦名拍板。由三块宽约6公分，长约20公分的红木或杨木板制成的打击乐器。分二组，前组两块木板，用弦缚紧，后组一块，二者以绳联结，撞击发音，主要用于歌唱和演奏乐曲时打节奏，有时也配合司鼓来领奏鼓点和指挥其它乐器，于司鼓一起合成板鼓，由司鼓者兼管。

堂鼓：以木为框，两面蒙以牛皮，形似腰鼓，演奏时置于木架上，用木槌敲击发声，堂鼓鼓面较大，从鼓心到鼓边可发出不同的音高、音色。一般是鼓心的音较低沉，愈向鼓边则声音愈高。击奏时，音量能从很弱到很强，力度变化较大，可敲击复杂的花点，对情绪气氛的渲染能起较大的作用，是现代民间器乐合奏及戏曲音乐中常用的一种乐器。戏曲中常用于战争、升帐、升堂、刑场，起更等场面，以及唢呐吹打等。除了战争场面以外，都由司鼓兼管。

大堂鼓(又称缸鼓)：木制鼓框，面大底小，两面蒙皮，形似花盆，所以又称花盆鼓。演奏技巧与堂鼓基本相同，用木槌敲击，声音较堂鼓低沉雄壮，用于战争场面，能加重气氛。常用于戏曲伴奏，器乐合奏，有时也能独奏。

大锣：用铜制成，圆形，直径约30公分，中间锣心约10公分，演奏时，左手持锣强，使锣面垂直，右手持槌，以槌头(用布裹成)击打锣心而发声，锣音高亢。多用于武将及袍带人物的上下场或战争战面，也常用于欢乐的器乐合奏，演奏方法有重击、轻击、闷音、掩音、打边等。

小锣：打击乐器。形同大锣(直径约20公分)演奏时左手食指和拇指挑锣边，右手持锣板(长约17公分的竹片)击打锣心，发音清朗，多用于戏曲表演中文人、女性和丑角人物的上下场，和配合各种表演上的小动作。由于塑造人物形象及心理活动的不同。打击方法有重击、轻击、闷音、打边等。号称打击乐的

钹(又名铙钹)：铜制圆形，中部隆起如半球状，隆起部分中间有孔，穿系绸条或布带条，以两片为一副，相击发音，有大小不同的多种形制，在大锣和小锣中间加强节奏，音色尖噪，具有不稳定的特点和动力较强的性能，并起联系作用，有时也单独使用塑造人物形象。

木鱼：木鱼最初是佛教的法器，用于伴奏寺经(即宗教歌曲)，后来逐渐用于民间器乐合奏。为木制，用小槌敲击，木鱼大小不一，音高不同，在合奏中常用两个或采用一组，能奏出模仿马蹄等多种欢快的节奏型。

梆子：大约公元17世纪左右，随着梆子腔的兴起而流行。木制，为两根长短不一硬木棒，长的一根为圆型，稍粗、短的一根稍细，演奏时，左手持圆形木棒，右手持短木棒，敲击发音，音色高亢、坚实，是梆子戏的主要伴奏乐器之一。

二、戏曲打击乐器的组合

根据各种打击乐器的性能和特点，进行不同形式的组合与匹配，使其发音更规范，节奏更丰富，音色更鲜明，形象更准确，意境更深远。使其更充分地表现人物身份的高低、动作的大小、语言的轻重、感情的变化和配合舞蹈、开打、亮相，以及烘托、渲染环境气氛。不同形式的组合，谓之“锣鼓经”。我国的戏曲多达300余种，唱腔各异，风格不同。就在同一种戏曲中，又有风格各异的不同唱腔流派。但惟独“锣鼓经”能够混合使用。虽然所用乐器不多，但“锣鼓经”却很丰富，多达70多个。如[长锤]、[四击头]、[紧急风]、[凤点头]、[望家乡]等等。组合的形式，可概括为如下几类：

(1)按音色组合。其间还可细分为各种不同的色彩型。如：a、单一色彩型，即用一种音色的乐器演奏。b、混合色彩型，即两件以上的不同色彩的乐器齐奏。c、对比色彩型，即两种以上音色的乐器合奏。上列中的大锣、手钹、小锣三种乐器之间都形成了鲜明的色彩对比。

(2)按时值组合。即打击乐的各种节奏按击打的次数划分。或者说，戏岖打击乐节奏时值组合，是若干“数式”的基础，即：一、三、五、七。这种分类的方法与我们民族的审美特点是一致的。就是在时值长度上的等值性，即每种数式的最后一音的时值为前两音的时值总和。也就是说，一数式的时值等于一拍，三数式的时值等于两拍。戏曲打击乐节奏组合的多样性，都是在此基础上变化发展的。如通过“加花”发展出与此对仗的二、四、六、八的四种节奏数式。同时，也可在此基础上发展各种不同的节奏形态。

三、戏曲打击乐器的功能

打击乐的功能是通过节奏、力度、速度、音色、音响的细微变化和鲜明的对比，来表现人物的思想感情、美化演员的表演形式、强化戏剧的矛盾冲突、渲染舞台的环境气氛、摹拟特定的音响效果的。它所以被称为综合戏曲诸多艺术因素的纽带，统领全局的核心，演员艺术活动的支柱，就在于它完成了戏曲整个结构和整个舞台节奏的统一性。具体地说，不仅表演、念白、唱腔、开打、舞蹈依靠它，而且连演员内心独白的表达也要依靠它。如豫剧《拾玉镯》中，孙玉姣拾玉镯时的一段表演：孙玉姣拾情人丢下的玉镯，但又怕被人发现，于是急忙向外跑去窥视。此时打击乐紧紧伴随着她轻盈、敏捷的小台步，打出“○大大大大大大乙大乙台”，节奏由快到慢、力度由强到弱的效果。而小锣的“台”音正好打在孙玉姣窥视的眼神上。当孙玉姣发现无人时，掩饰不住内心的喜悦，于是手舞足蹈，左手一指玉镯，此时打击乐紧伴之以“乙大乙台”;右手一指玉镯，又伴之以“乙大乙台”：孙玉姣急不可耐地跑向玉镯时，小锣连续击打“台台台台……”;当孙玉姣将要拾起玉镯时，突然发现动静，打击乐急忙伴之以“大大”短促有力的鼓点，淋漓尽致地表达出了孙玉姣此时惊慌、羞涩的复杂心情。

仅鼓和小锣通过不同的力度、速度和色彩，就把孙玉姣拾玉镯的纯朴形象作出了生动的刻画、准确的表现、有效的模拟、适度的夸张。同时，也使孙玉姣的优美表演更加音乐化了。

孙玉姣的表演所以能够使人得到满足，就在于我们充分运用了击乐的特点，刻画了人物的内心活动，通过听觉节奏与内心节奏的谐调统一，获得了传神的艺术效果。可以这样说，打击乐的锣鼓节奏，是“打”演员的，也是“打”观众的，把演戏和看戏“打”在一起，才能完成完整的艺术创造。

打击乐在许多民乐中的运用，都发挥了很好的作用。如聂耳的《金蛇狂舞》，主旋律具有鲜明的节奏特点，这一富于弹性的节奏贯穿了全曲。乐曲中加上打击乐的热烈。它象征着光明，象征着未来的新生活，给人们以强有力的鼓舞，使民间的喜庆节日气氛得到充分体现，使原曲欢腾的情绪得以进一步发挥。

乐曲大量运用了锣、鼓、钹、木鱼等打击乐器，它不仅加强了乐曲的节奏，而且在烘托热烈的气氛上起了重要作用。打击乐在这首乐曲中成为整个作品不可分割的一部分，它使乐曲的民族特色更加鲜明。

中国民族打击乐器在长期的历史流迁演变过程中，依托于中国古典哲学和传统文化的深厚背景，逐渐形成了独特的艺术风格和完整的表现体系。不仅强化了戏曲立于世界戏剧之林的地位，丰富了戏曲音乐自身的表现能力，同时，对我国民族音乐发展的许多方式，都产生了极为重要的影响。因此，研究、总结中国民族打击乐的特殊功能，不仅是戏曲音乐自身发展的需要，也是我国民族音乐事业发展的需要。

打击乐器种类

打击乐之一—爵士鼓

我们知道节奏是构成音乐的基本骨骼，要了解音乐、听懂音乐，必须从节奏入手，而且节奏比音高更容易被幼儿接受。

现在喜欢爵士鼓的孩子和家长都很多，每个孩子都喜欢敲敲打打，对声音具有一种天生的敏感性，打击乐就很适合幼儿这种与生俱来的本能。几乎每个孩子都会抓住什么就打什么，这是一种天性。青少年喜欢爵士鼓最主要的原因还是爵士鼓的激情四射和自由，特别是能宣泄内心的情感。

流行音乐的风行带动一大批年轻人的参与原因之一，目前国内不缺钢琴手不缺吉他手，却很缺鼓手，因为鼓手想要达到一定高度还是比较难的，它是一种易学难精的乐器。

爵士鼓学习需要手脚都用上了，对身体的协调、平衡、和谐发展有着重大的作用与影响，这种促进与开发，还表现在平衡协调能力，也表现在灵敏的反应、开阔的思想、敏锐的观察力、丰富的想象力和创造力等方面。

爵士鼓的学习还是有一定的难度，初学者要协调好四肢才能演奏它，练习的时候也是相当枯燥的事情。

学爵士鼓的年龄相对大一些会更好，以前会是要求9周岁开始，现在5周岁就开始学也很多。

学习爵士鼓的孩子要求节奏感要好，要有激情，

性格过于内向的孩子不容易投入学习爵士鼓的氛围里，甚至会感觉太吵太闹了。如果家长希望自己的孩子变得更开朗一些，学习爵士鼓的过程能够比较好的改变他。

爵士鼓学习还有一个场地的要求问题，隔音要好，不然你隔壁邻居要跟你拼命了，这是爵士鼓学习的人相对会比较少最主要的因素之一。

解决的方法有很多，租用场地，到培训中心那边去练习，当然这个会造成另外一个麻烦，接送时间问题。

最佳的办法

一、还是在家里做一个隔音好的房间提供给孩子练习，

二、现在还有很多种在爵士鼓上做手脚的方法来降低鼓的声音，保证声音传递出去比较小，不影响邻居(比如在鼓面上装置哑鼓垫，或是在鼓桶里放置海绵降低声音等等，现在都证明是很有效果的方法)。

三、目前国内外都为了更好地解决这个练习影响邻居的问题而研制出电子鼓，电子鼓的所有功能都跟真鼓一模一样，然而在不开启音箱的情况下它是不会发出声音的，开启声音后的音量也是根据你自己的要求可以调节。

电子鼓优点是有很真实的音色，跟录制好CD里面多音色一样，让孩子有比较大的满足感。还有拥有一个庞大的音色库，里面包括了目前国际上各种知名鼓点音色(如康佳鼓、非洲鼓、邦戈鼓……)。但是电子鼓的缺点也很明显，它只是模拟了音色，打击电子鼓的手感和打击真鼓点感觉还非常不一样的。真鼓它是有灵性，会对你的情绪回应，对你的情感回应，对你的表达做出最正确展示。

很多人都认为学鼓会影响到孩子的耳朵。其实这个大家倒不用担心，可以用很多方法来保护你孩子的耳朵，比如带隔音耳机，在鼓里放置弱音设备等。

爵士鼓的资金投入也相当不菲，普通一些的要2000左右了，好的鼓一般都需要5000—20000左右，而且鼓棒、鼓皮都是消耗品。

打击乐之——马林巴

马林巴是这些打击乐器里唯一有世界级比赛的'乐器

学习马林巴的年龄8周岁左右，马林巴是站着演奏的乐器，孩子太小身高够不着是不能很好掌握。

马林巴的学习比较难，但也是最好听的旋律打击乐器了。

学习马林巴的要求孩子对节奏感要好，旋律感要强，需要一定的耐心。

马林巴被称为打击乐中的钢琴，它是一种旋律打击乐器，音域非常的宽广，可以独奏，也可以由几个人组成重奏小组，还可以组成马林巴合奏团。另外与其它打击乐器的合作效果堪与大乐队媲美。目前世界上有无数个马林巴合奏团和打击乐团，可以说马林巴在打击乐领域里属领先地位。

目前国内马林巴还没有被完全认识，经过一段时间的推广以后应该也会被大家所接受而追捧。国内着名音乐院校上海音乐学院就曾经把四届世界马林巴比赛暨2005上海国际打击乐周在上海音乐学院举行，肖邦国际钢琴比赛和柴可夫斯基国际钢琴比赛同一等量级的世界马林巴比赛，堪称打击乐界的“F1”或“大师杯”。(这是世界最高规格的演奏赛事首次落户上海。上海音乐学院打击乐专业学科带头人杨茹文表示，上音准备借助这项赛事力争在五到十年内，将上海打造成亚洲乃至世界打击乐新的中心。)

马林巴的制作被认为是乐器制造中最难的一项，它不仅要求制作者有良好的技术和丰富的经验，而且非常了解选材的知识。制作马林巴需要优质红木，在木材的选择上十分苛刻，目前，全世界能够制作马林巴的树木很少，分布范围也很窄。

1874年演出“死神的舞蹈”时首次在管弦乐中使用马林巴。在当时它也被被马戏和音乐厅作为独奏乐器使用。随着马林巴地位的不断上升和自身的不断完善，它的应用场合和演奏曲目也日趋广泛。如今的马林巴主要用于音乐会的演奏，在管弦乐队、军乐队及各种乐队中都有马林巴的存在，有许多作曲家为马林巴谱曲，其中包括乐队协奏曲。更重要的是马林巴可以独奏，也可以由几个人组成重奏小组，还可以组成马林巴合奏团。另外与其它打击乐器的合作效果堪与大乐队媲美。目前世界上有无数个马林巴合奏团和打击乐团，可以说马林巴在打击乐领域里属领先地位。

马林巴与木琴(xylophone)同属一个家族，木琴的音域窄，音区高，音色清脆明亮，而马林巴的音域十分宽广，音色圆润浑厚，延续音长。最大的马林巴有近6组音域，有3米多长，一台马林巴可最多可由4人同时演奏。要使马林巴发出好听的音色，槌非常重要，没有好的槌也就没有马林巴迷人的音色。如今用于马林巴演奏的槌有几十种，槌的圆头使用树脂和橡胶制成的，并用丝线和毛线在圆头上缠绕成球状，其软硬程度有很大区别。因此，演奏者要根据作品的表现内容和声部分配来严格选用。

马林巴的价格很高，普通的一架也需要3万人民币左右，好的一般都需要10--20万左右。

民族乐器总类之繁多可不是几句话能说完的，反正只要是在我们民族发扬光大的乐器都统称为民族乐器~!!民族乐器主要这么分类，主要分为弹奏乐器(琵琶、古筝、柳琴、阮等)、拉奏乐器(二胡、京胡、高胡、马头琴、等)吹奏乐器(唢呐、笙、笛子、葫芦丝等)和打击乐器(扬琴、排鼓、堂鼓、等)。

打击乐之——非洲鼓

爵士鼓学习还是有一定的难度，相比较非洲鼓的学习就简单的多了，可以让孩子感受到很多的快乐。

年龄的要求也没有太大的限制，3周岁左右就开始学习了，只是相对小的孩子他们的接受能力非常弱，集中精力的时间也很短，刚开始的学习只能是说对他们有一个引导的作用，在游戏中潜移默化的学习到了节奏和旋律。最主要的功能还是培养孩子们的协作能力和协调左右手和身体。

学习的要求是有一定的节奏感会比较好一些，热情些的孩子更好，非洲鼓对孩子协作精神的培养有非常大的优势，如果孩子比较内向在结交朋友的过程比较拘谨的话，来学习非洲鼓会有很大的帮助。

非洲鼓是一件独奏乐器也是一件合奏乐器，它可以一个人单独的表现，也可以跟另外的非洲鼓一起玩对抗，还可以和康佳鼓、爵士鼓、邦戈鼓等一起组成打击乐团，还能跟吉他一起组成小乐队进行演出。

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2. 如何增强学生器乐演奏的自信心

赵晓玲现在新的课程标准要求初中阶段的学生到了毕业时，要会演奏一样乐器，课堂上需要每个学生发挥自我能动性表现音乐，在艺术节或文化节期间我也希望每个学生都能在不同音乐舞台上表现一下。但后来我发现这不仅一个巨大的挑战，对学生似乎也是过高的要求。因为很多学生没有表现音乐的自信心，所以我开始分析总结，经过几年时间 我认为，可以从以下几方面入手，帮助学生 增强表现器乐的自信心。一、激发兴趣培养能力自信心是指一个人对其自身能力、自我发展的肯定。自信心强的人对自己的能力充满信心，相信自己的存在价值，相信自己能获得成功，哪怕遇到困难，也能直面困难，迎刃而上。 然而我校的孩子从预初进来时学习基础就比较落后，音乐方面每个年级至多有三个学生有器乐方面的特长，为数很少的学生，学习过乐理并会运用。这些情况让很多学生不太会表现音乐，所以我觉得先要学生喜欢音乐，激发他们的学习兴趣，培养他们的学习能力，由此使他们建立器乐表现的信心。 1、把握心理培养能力 作为一名中学音乐教师，不但要钻研教材，认真上好每一节课，同时还要了解社会上的流行音乐及其在学生中的影响等情况，以便有的放矢地发挥学校音乐教育的特殊功能，引导和培养学生健康的音乐审美情趣和审美意识。所以根据不同年级，我采取不同的能力培养。 预初年级的心里还处于小学高年级阶段，这时的学生还处于幼稚、具有依赖性的时期，感觉能力进一步成熟，理性能力还不发达，而他们的语言能力、身体活动能力都较发达，因而这个年级的器乐教学的形式必须积极，应当鼓励学生多运用肢体、歌声、语言等尽情的抒发对音乐的感受，在感受最强烈时，引导学生用乐器演奏。由于我校的预初学生90%以上没有学习过口琴（课堂器乐是口琴为主），所以要从认识口琴开始，培养学生吹奏能力。在这里我运用演示教学法——学生随便唱一首曲子，老师马上吹奏出来等；欣赏教学法——欣赏几首流行歌手吹奏口琴（一般是流行歌曲中的间奏片段）；发现教学法——由老师点出口琴一格吹一格吸的演奏特征后，请学生们自己从第九格开始吹，第十格吸……依此类推听听是什么音（提示第九格是do音）。在这个阶段学生主要掌握口琴的基本吹奏，乐曲也要相对简单，通过各种方法熟练音阶，熟悉每个音的吹吸、每个音的位置，所以音域范围也要小，最高不超过高音do ，最低不超过低音la 。而器乐教学的课时应增加至两课时。 进入初一，学生身体发育处于高峰期，此时他们兴趣广泛，成人感强，自尊心、荣誉感和好胜心强。意志品质有了突出表现，自我意识有明显发展，抽象逻辑思维能力 逐渐占优势。这一时期学生心理发展表现的主要特点是：好争论、好怀疑、情感变化决而不稳定等等。所以此时可以加强它们的欣赏能力、创造能力以及自我学习能力。口琴曲老师可以示范或不示范，由学生自己去预习，而曲目方面的选择可以扩大，可以不仅是书上要求的，学生可以将自己喜欢的乐曲用口琴吹奏，这点是年级约高我越鼓励的。但根据课堂时间的限制， 课堂上练习的曲目是以书上的为主，同学们自选的也是以大部分人都喜欢的曲目为主。最吹奏过程中寻找难点，通过解决难点，扩大学生的吹奏音域，提高学生的吹奏技巧，加强学生音准、节奏的把握。有了灵活吹奏口琴的能力，学生就会增强表现的信心，同时有了大量乐曲的积累，学生也就会有了表现的欲望，到了初三，其自主性更强，此时吹奏口琴就完全是他们兴趣的延续，所以兴趣在器乐表现的信心方面也十分重要。 2、创设情景激发兴趣音乐课有其自身的特点，每首乐曲更有其自身的音乐情境。教师应根据教学需要，创设合乎实际的教学情境，通过语言描绘，图画再现，音响渲染，扮演体会，设悬置疑等多种途径，引导不同层次的学生积极参与教学过程，使学生饶有兴趣地学习吹奏乐曲。另外还可以为他们开创想象的空间，如单单用口琴吹奏比较单调，是否可以增加乐器表现，或改变表现形式，这些都有学生自己琢磨讨论，以小组为单位，获自由组合进行展示。由此激发学生继续学习的兴趣，同时也让一些在课上忘记带口琴，或是口琴吹得比太好的学生与其他人一样保持对器乐的兴趣。展示中多有比赛味道，以次同学们可以相互切磋表现方式，当单调的旋律经过不同组合，编排变得丰富悦耳时，同学们也激发探究的兴趣，增强了表现的信心。 3、开展游戏竞争比赛 游戏是教学过程中最普遍使用的一种手法，在心里成长中，游戏也是最好的投射心理过程的手段，学生也最喜欢在课上做游戏，在游戏中表现自我。因而游戏面对任何年龄层都是非常适用的。如初二教材中《巡逻兵进行曲》就是边吹边巡游，看谁能一直保持腿和音乐的协调；再如预初教材《秧歌调》中，大家一起跳秧歌，看跳舞的同学是否能按照吹奏同学的节奏来变化舞蹈的速度；初一教材中《八只小鹅》，伴随音乐看谁扮演的小鸭嘴符合音乐……这些都大大提高同学们的表现欲。 在众多游戏中很多时候都避免不了要竞争、要比赛，经常会看看谁最好、最快、最准、最像等等。一开始我担心会让失败的同学减退对音乐对器乐的学习兴趣，进而丧失表现的信心。但通过实践后，我感到竞争比赛可以让学生增强表现信心。如预初、初一学生表现欲强，就多开展竞争类的游戏活动， 可以是男、女生之间的比拼，也可以是各小组之间的竞争。这些竞赛以独奏、齐奏、合奏的形式进行，在其中还可以融入其他艺术表现如：舞蹈、唱歌、体操等。而初二、初三的表现欲相对减弱，但荣誉感增强、个性容易张扬，可以变化比赛种类和形式。如一节课结束时请大家评出最佳演奏奖、最佳台风奖、最佳语言奖、最佳艺术创作奖、最佳合作奖等等；在课上可以针对乐曲本身进行创作改编，请大家为乐曲填词，改变速度、力度等进行时尚演绎，或是一个小组创编服装展示主题，另一小组就要根据主题改编乐曲（反之也可），更加可以是师生之间的挑战。总之，老师要根据具体乐曲巧妙设计符合学生特征、容易被学生接受的竞赛活动，让学生从心底喜爱音乐，喜爱用乐器表现音乐。 4、因材施教体验成功 在展示、游戏和比赛的过程中，学生自然而然会体会到成功表现音乐的快乐，这种成功的体验也会让学生不断增强他们的信心。但针对每个性格不同的学生，老师还是要始终保持耐心，可以根据学习主体——学生的兴趣和学习愿望来设计不同层次的教学目标，真正做到因材施教，因人施教，让所有的学生都体验成功的乐趣。如对于能自信演奏器乐的学生，要求他们富有感情，速度适中的吹奏；对于一些对独立吹奏感到紧张的学生，可以要求他们背奏乐曲；而对于一些对自己没有信心、惧怕吹奏的学生则只要求他们吹准乐曲的节奏和音高；最后对于个别没带口琴或是对口琴根本没有任何兴趣的学生，则鼓励他们演奏打击乐器，或是由音乐特长的可以将自己的乐器带来与大家配合演奏。总之，让学生通过实现不同的目标展示自我，从中体验成功的喜悦，最大限度地发挥不同层次学生的潜能，使他们减少对器乐演奏的恐惧，树立起自信心。二、发挥情感培养信心情感是人们对客观事物的内心体验和态度。在教学活动中，情感直接影响着学生对教学活动的参与及内化。可以说情感是教学成功的催化剂，它具有引发、定向、激励和强化的作用。教学过程是师生情感和学生之间情感交流的过程，老师要充分发挥情感的疏导功能，激发学生的学习情感，让自信扎根于学生的心灵。 1、营造和谐加强交流 在课堂中营造和谐就要创造平等，当每个孩子都被公平对待，大家公平竞争，那样相互之间的交流就会亲密无间。这对老师来说是很大的挑战，也是很高的要求，但以民主平等的态度与学生保持同一水平线上的心理接触这是基本。在课堂上也要尽量保持微笑娓娓道来，学生也会心情舒畅。这样可消除学生对老师的惧怕感，增强信心，由此缩短师生之间的距离，让老师更容易走进学生心中，让学生更喜欢上音乐课，喜欢吹奏口琴。不过，我本人觉得老师的威信也要在学生中树立起来，但不是靠严声厉色，而是通过自己的专业演奏，美的表现，简练的语言、化难为易的本领让学生逐渐佩服老师，尊敬老师，甚至是崇拜老师，这些也都会使学生愿意和老师主动交流，相互研讨，进而喜欢老师所传授的器乐，增强演奏的信心。 2、面前全体细致入微 新课程理念指出：义务教育阶段音乐课的任务不是为了培养音乐的专门人才，而应面向全体学生，使每一个学生的音乐潜能得到开发并从中收益。但往往在教学中，老师往往会情不自禁的关注一些“特长生”，不仅是课堂上，在众多的课外活动，或是艺术比赛训练中，也会先想到这些特长生。那些胆小、怕羞、性格内向、不爱表露自己的学生则常常被遗忘。记得我刚踏进校门从事教育工作时，对于吹奏不太好的学生没有耐心，也不能细心体会这些学生的心情，就简单的以“笨”来安慰自己，最后这些学生到初二就彻底不愿带口琴，甚至产生厌恶情绪。所以在后来的教学过程中我对一些内向、胆怯的学生尤为关心，从鼓励他们回答问题，肯定他们的想法，赞美他们的歌声、肢体动作或是绘画作品，到相互成为朋友，努力学习器乐，鼓励积极参加课外活动。到了初三面临升学重大压力，很多学生还找我商量，等毕业以后想学其它乐器能不能帮她找老师，或是商量他这个人还可以学习什么乐器。这些都让我非常有成就感，也同时感到责任之重。 3、集体活动寻找自信 众所周知，同龄人之间的沟通比不同龄人之间的沟通更容易，他们之间的心灵界限很少设防。一些学生在教师面前、在舞台上面很胆小，很拘紧，很自卑，但在台下、在同学面前却很大胆，很活泼，很自信。教师完全可以利用学生之间的特殊情感经常组织学生开展好朋友合作学习、小组合作表演等集体活动，努力为学生搭建充分展示自己的集体大舞台，让学生在集体活动中尽情地唱、忘情地奏、入情地演。引导学生，让学生学会相互鼓励，提出建议，共同努力，尤其是每次小组表演或是个人表演，作为听众都要细心欣赏，同学表演完，一定要鼓掌鼓励，同时也是表达自己对他人的鼓励。而老师要用细心和耐心找出学生的“闪光点” ，多一些表扬，多一些鼓励，让一些自卑的学生觉得自己并不是一无是处，让他们从中找到自信的支撑点，让自信的光照亮每个学生的心灵，使他们由衷地、自信地演奏乐曲！

3. 唢呐教学基本功及技巧

唢呐教学基本功及技巧

唢呐教学基本功及技巧，现在不少人都是喜欢学习唢呐的吹法的，唢呐，中国传统双簧木管乐器，拥有其独特的气质与音色，是我国具有代表性的民族管乐器，以下看看唢呐教学基本功及技巧。

唢呐教学基本功及技巧1

吹奏唢呐，需要一-些技巧， 要用手指把音孔完全按满。倘若音孔按不严，往往发出的音就不准。

演奏唢呐往往比较费气,音越高耗的气量也就越大。- 般吹奏起来，不能无间歇地

长时间表演，但经过训练的演奏者,尤其是民间艺人，吹起唢呐来，互相比着较劲的就是持久的耐力。"循环换气法"是最常见的演奏方法,这样的吹奏能使得气息总是饱满不息，可以使乐音不间断地长时间延续，甚至全曲一e 气呵成，令听众大为过瘾。

最好的含哨片位置是上唇靠近哨面的根部，约在全哨片长度的四分之- -处， 下唇，一般情况下含哨片约三分之- -的位置为适宜。

只有正确的掌握了双唇的含哨位置，才能发出所需要的音响效果。

按上述位置吹奏唢呐会使音色集中、洪亮、含蓄、音质纯厚。

装上哨片,如果是初学者,那么哨片最好薄- -点， 太厚是吹不动的，还有要练手型,每天练把唢呐放下拿起多次，直到能在拿起后迅速就能够将所有孔按严，

在吹的时候要注意将所有的孔堵严，可以自己检查，或对着镜子看，也可以叫别人帮忙纠正，因为不把孔盖严的话会吹不响或破音的。

唢呐教学基本功及技巧2

唢呐学习者的基本条件

（1 )唢呐学习者应具有良好的音乐天赋与良好的记忆力；

（2 )对音的快慢、高低、节奏要有敏锐的听觉判断力；

（3 )舌叶过厚或者过大，很难发挥唢呐正常的吹奏技能；

（4 )学习者若唇部过厚，会影响口风的控制能力；

（5 )天生体质欠佳或者一些患有呼吸器官疾患的人也不宜学习唢呐这件器乐；

(一)持法：

唢呐的八个音孔都需要用手指按满，如果音孔不严实，吹时容易出噪音或者出音不准。怎样才能把八个音孔都按严实呢?正确的持法是：两手手指自然伸直按满八个音孔

上把四指是前三后一(一般用左手)，小指不按音孔，即用大拇指按后面一孔(即第七孔)，其它三指依次按第八、六、五三个孔；下把四指(一般用右手)拇指不按音孔，其它四指依次将第四、三、二、一音孔按满。

(二)口形：

吹唢呐最讲究口形，它对音准的控制，音量的变化以及演奏技巧的发挥，起着十分重要的作用。如果口形不对，不但音色不美还会影响音准。正确的口形应是：在未吹奏时口腔满实，毫无间隙，唇肌和颊肌处于松弛状态。

吹奏时，唇肌以哨片为中心收缩、靠拢，此时口腔内空呈椭圆形，但嘴不可太往前撅，也就是说上下唇自然、松弛、美观地搭于哨片之上，含哨位置应于双唇正中，基本不接触气盘，唇边与哨座相齐，两唇对哨片的控制力度应与吹气的流量控制配合

并根据音高、音量、音色以及某种技巧的不同要求，决定唇控力度的大小和吹气流量的多少。在演奏乐曲的过程中，每个音的发音音头对音质优劣，起着决定性的作用。

(三)呼吸法：

掌握好呼吸是吹管乐的基本功。一般常说：“气足音满”，这就是说足够的气息是“音满”的基础。比较好的呼吸方法是“丹田呼吸法”

即“胸腹式呼吸法”，在吸气时，小腹向里收缩，胸部和肋骨向外扩张；呼气时，不是像平时只用肺部的呼气那样动作，而基本上是用小腹的动作来控制呼气的急缓。

练习呼吸要注意三点：

1、呼吸时，全身与呼吸无关的部分都要放松，吸气要多要快；吐气要少要慢。

2、要保持呼气与吸气的连贯性，不要等第一口气完全呼完后才开始吸第二口气，而应在第一口气未完全呼尽之前就开始吸第二口气，这样才能连贯不断地进行下去。

3、一般情况都用鼻子吸气，只有在抢气或者用鼻子吸气还不够时，才用口、鼻同吸。

(四)口风：

口风就是通过哨口的气流。唢呐发音强弱主要通过口风来控制：口风急，出音就强；口风缓，出音就弱。吹奏高低不同的音时，口风也有所不同。吹高音，口风要急些；吹低音，口风要缓些。

口风对音准有很大影响，口风的急缓掌握不好，能使出音偏离正确的音高，如偏高、偏低半音甚至达一个全音。所以口风很重要，它是吹唢呐的基本功之一。长时期的训练，方能达到能强能弱，能柔能刚。

(五)换气法：

换气法有两种，即“自然换气法”和“循环换气法”(也称鼓腮换气法)。自然换气法这种方法好比说话、唱歌时一句结束或中间停顿需要换口气时所用的自然的换气一样。

不过吹唢呐用气要多，因为没有足够的气就吹不出声音，尤其是吹高音时耗气更多，所以吸气要足。根据乐曲的需要有时要在短促的间隙中换气，这叫做“抢气”。只有多吹多练，才会熟练地掌握。

(六)全音和半音的吹法：

唢呐将八孔都按住，吹出来的是筒音，筒音=5，放开第一孔(即最下端的一个孔)，吹出的音比简音高一个全音6音。再放开第二孔，吹出的音又会升高一个全音7音。如果再将第三孔也放开，所得的音却只能升高半音l音。

这是因为按照规格制成的唢呐A个音孔之间的距离不是均等的，第二、第三孔和第六、七孔之间的距离比较小些(相当于半音)，按上述顺序连续地吹出一系列音时，正符合大音阶所需要的音程关系，排列起来就是大音阶中的�这九个音。除此之外还有气息控制的方法。

如加力或减力吹都可以使音升高或降低半音。在快速吹甚至根本来不及时，就只能靠气息控制了。

(七)平吹与超吹：

口风缓些，吹较低的音，这种吹法叫“平吹”；口风急些，吹较高的音，通常最易吹出的是比它高八度的音，这样吹法叫做“超吹”。如果超吹和平时吹出的音相隔小八度就叫做“借孔吹”，这只是偶尔需要特殊效果时才用的指法，一般不多用。

综上所述，唢呐控制技术只有在掌握理论的基础上，在吹奏实践中加以苦练，并逐渐认识体会，才能最终熟练掌握。

唢呐教学基本功及技巧3

一、唢呐呼吸训练

正确的呼吸方法是唢呐发声的关键所在，腹式呼吸法是胸壁与肺部的张合，腹肌与横膈膜的扩张收缩来进行控制；

胸式呼吸方法是使肋间肌的收缩从而肋骨上移，扩大胸腔将气吸入，反之，将气呼出；胸腹式呼吸方法是在腹式呼吸的基础上调动胸廓部的肌肉来增加肺活量；目前而言，胸腹式呼吸方法是比较科学的吹奏方法。

二、吐音的发声

针对唢呐初学者而言，舌头放置的具体位置因人而异，吐音还要根据不同乐曲的风格采用不同的方式去吹奏，运用正确的口型（注意，唢呐初学者口型一定要运用正确）将气息均匀地运输到唢呐的管体内

在此同时运用舌尖均匀而有弹性地接触哨片的上端部分，正确的吐音方法是运用舌尖轻轻地点在舌头的上端振动位置；吐音的产生不能影响舌头与吹奏口型的动作，同时也不能影响唢呐的音准效果。

三：唢呐的吐音方法

唢呐的吐音种类比较多，不同的吐音技能而产生的音响效果也有不同；吐音效果的特点在于舌头吐出的强弱的不同；唯有正确地运用姿势、气息、口型，才能将唢呐的吐音技能运用的淋漓尽致

运用舌头去触碰所按哨片的上端时，此时舌尖触碰唢呐哨片的面积要小，舌尖伸向哨片与离开哨片的速度要轻、速度要迅速；注意，因为唇部含了唢呐的一部分，要用舌尖去碰哨片上端，必须将舌头往后伸缩。

四、影响吐音发音的因素

（1 )气息

气息与舌头的动作有着相当紧密的关系，练习运用气息的方法可通过练习长音来达到，进而对每个音形成准确、稳定音响效果。

（2）舌头的运用

舌头的根部要保持不动，吐音时用舌尖有弹性轻轻地去碰哨片的上端，吐音时舌尖触碰唢呐哨片的面积要小，保持舌尖与唢呐哨片之间有着较短距离为宜。

(3)舌指配合的运用

舌指结合的运用是唢呐演奏当中比较难掌握的一门技能，单独做舌头动作比较容易，在与指法的结合上，注意吐音、节奏的.准确性；手指的配合往往出现时间差的问题上，演奏时手指的动作要平衡均匀为宜。

4. 古筝的演奏技巧及欣赏方法

古筝的演奏技巧及欣赏方法

古筝是一件古老的中国民族乐器，一共10级。下面我来给大家介绍古筝的演奏技巧及欣赏方法，希望对大家有帮助!

一、关于古筝演奏的一般技巧

在古筝演奏中，肩、臂、腕、指是主要运动部位，本文将上述部位的肌肉在演奏中的作用以及伸、缩原理，演奏姿式与演奏方法分别简述如下：

1、肩部弹筝时的肩部运动，主要由肩关节外面的三角肌，胸部的胸大肌、胸小肌;肩胛上方的斜方肌;背部的背阔肌、菱形肌、斜方肌等作用下实现，初学弹筝的同学，由于方法掌握不当，这些肌肉容易过分紧张，时间稍长，即感到疲劳，如果不及时把这些部位的肌肉放松下来，就会出现背部、肩部酸痛症状。所以肩部的放松是个很重要的问题。只有肩部高度放松，才能使上臂、前臂、手部处于放松状态，能以较少力量获得较好的演奏效果。

2、上臂弹奏中上臂经常需做外展、内收和屈伸等动作。上臂向外上方和内上方抬起，分别叫外展和内收。上臂向前方运动叫屈臂，向后方叫伸臂。这些动作都是在胸部的胸大肌、胸小肌，背部的背阔肌、萎形肌、斜方肌，肩部的三角肌等肌肉群协同作用下实现的。演奏时这些部位的肌肉放松、紧张程度直接影响上臂动作，只有在大脑支配下，才能使演奏动作舒松自然，协调一致。

在实际演奏中，不要把上臂和肘抬得过高，一般以上臂外展与侧胸壁成45°角左右为宜。如果上臂过于外展，肘必然支起太高，致使上臂始终处以紧张状态，反之，上臂挟得过紧，也会造成上臂的紧张、影响上臂和前臂动作的灵活。

3、肘上臂屈肌(肱二头肌和肱肌) 和伸肌(肱三头肌) 的起点在肩，止点在前臂，中间跨越肘关节。因而它们的伸缩能使肘关节产生运动。当屈肘时，屈肌收缩，伸肌则适当放松，但仍保持一定的紧张度，从而保证肘关节屈曲适度，移弦动作准确。如果伸肌绝对放松，屈收缩程度过大，那么屈肘程度则大，使屈肘超过预定位置;如果伸肌放松程度小，那么，屈肌收缩程度必不能大，则屈肘程度也小，使屈肘达不到预定的位置。可见，弹奏动作的准确程度是由屈、伸肌群控制的，只有屈伸肌群收缩、舒长适度才能达到动作准确。要想达到这个目的，必须经过长时期艰苦的练习，使肌体受到充分的训练，提高其动作的准确性。

4、前臂前臂屈肌群可屈前臂，使前臂旋前，屈腕，使手内收，屈近侧指关节，掌指关节，屈拇指关节。前臂伸群可伸腕、使手外展、伸指、使前臂施后，外展拇指，伸拇指掌关节。伸拇指指间关节。因此上臂肌内群的放松与否直接影响前臂，前臂肌肉群放松与否直接影响腕和手。

5、手腕手腔的屈伸动作以腕关节为枢纽。腕关节由八块小骨组成，便于上、下、左、右和旋转运动。在演奏中，手腔的松驰、灵活与否，直接影响手指弹奏，因而是个非常关键的问题。如果手腕不灵活，必然导致前臂过多参加运动，使力臂加长，演奏动作加大，造成动作迟缓，发音生硬，呆板。

一般手腕常见毛病有以下几种：

(1) 手腕过于屈曲。由于前臂屈肌群的紧张(即收缩) 使手腕屈曲，屈肌群紧张度越大，手腕屈曲程度则越大。前臂屈肌群的过分紧张，造成手腕过于屈曲，从而使手指缺乏力度和弹性，手指运动发生困难，影响弹奏。

(2) 手腕过于后伸。这种错误姿势使上臂过分抬高，前臂和手部肌肉一直处于紧张状态，从而造成抬指和弹弦的困难，在臂力下达指尖过程中，由于腕部塌陷使臂力失去一部分。

(3) 手腕过于平板。由于手腕姿势过于平板，手指必然散开，因而在弹奏手中指动作加大。同时导致各指弹弦点和弹弦方向不一致，影响音色和力度。

(4) 手腕向右歪扭。手腕的歪扭必然造成掌与前臂肌肉过分紧张，如果长时间采用这种不正确姿势，不但影响手指的弹弦方向和运指的灵活性，而且腕部肌肉亦易劳损。

(5) 手腕僵死。控制手腕运动的屈肌群和伸肌群完全处于紧张、僵持状态，使手腕屈伸发生困难。

上面列举的五种常见毛病，是指在一般演奏情况下和在中音区演奏位置上不应有的手形，由于受筝面板弧度的限制，手腕的屈曲程度应随着弹奏音区的变化而调整。在低音区，手腕屈曲程度大一些，而在高音区的演奏，尤其是在右手弹奏旋律和“摇”奏法时;由于面板弧宽的变化和距上体过近，手腕不但不能屈曲，有时还要向下塌陷一些才能演奏好。

演奏颤音技术，左臂和腕部紧张是常见的毛病，为了克服它，要象初学者那样，先学会左臂放松，然且再学颤音技术。

在演奏颤音技术时，左臂始终要具有肌肉的“恒常性紧张”和“支撑性紧张”，使左臂保持颤弦姿势。在手指下压琴弦时，手臂又具有“功能性紧张”。手腕桡侧屈腕肌和尺侧屈腕肌同时收缩，使手腕坚强有力。臂、手成一整体，指关节立住，不要塌陷。利用整个手臂的重量下压筝弦，使弦音升高。然后控制前臂提起的肌肉群及时把前臂手提起，同时腕和手部肌肉放松，使弦音复原。在手臂放松后，上臂和前臂仍保持“支撑性紧张”和“恒常性紧张”，从而实现一次颤弦动作。按照这一方面，在一定的速度中连续动作若干次，即形成颤弦技法。

6、手指控制手指运动的肌肉在弹弦的瞬间，屈肌要迅速收缩，伸肌要迅速放松、完成弹奏动作后，屈和伸肌同时放松，但仍保持一定紧张度(恒常性紧张) ，以备下一个演奏动作的进行。手部肌内在整个演奏中，一直处于这种张与弛的无限反复状态。

弹弦时，应以掌指关节带动手指关节运动为主的运指方法。指尖动作要灵活主动。各指的弹弦点应基本保持在与前梁相平行的一条线上。手型始终成漫圆型。各指指关节和掌指关节不要塌陷，否则手臂力量不能直接下达指尖，没有进行弹奏的各指要自然下垂，不要翘起来，有人不自觉的把小指翅起，这是小指肌肉紧张所致，即不美观，又影响其它各指的放松和用力。弹奏时要训练指尖弹奏瞬间的爆发力，如果爆发力大，出音才能坚实响亮。在弹奏抒情慢速乐曲时，虽然手指动作相对减慢，也要注意手指触弦瞬间的爆发力。后者与前者对比，只是爆发力大小不同而已。即使用扶弦演奏方法也不能用指尖轻飘飘的去抹弦，否则会使声音轻弱无力，不能给人以清心透明之感。

弹筝运指技巧的关键，在于手指动作的准确与速度。筝的发音是靠手指弹弦而发出，手指的弹弦动作极度准确是靠日积月累、艰苦的训练而获得。如果能把乐曲中最困难的技巧用正确演奏方法反复训练几十次乃至几百次，使有关肌肉得到充分训练，那么，将必然精通这一技巧，达到极度准确的程度。

二、关于古筝独奏曲的欣赏

民族器乐曲，是浩瀚如烟海，灿烂若繁星，琳琅满目，美不胜收。

古曲《古江花月夜》是一首优美动听的民族器乐曲，是我国音乐宝库中的瑰宝。它籍以山水之巍峨洋溢，花木之幽芳荣华。水光云影奇诡变幻。这一情状皆可宣之于乐，以传其神，而合其志精湛音乐诗画，深刻形象地反映了我国各族人民，广阔胸襟和刚直不阿的高尚情操。本文以《春江花月夜》为例，对欣赏方法作如下解说：

(一) 乐曲源流

春江花月夜是一首着名的琵琶独奏曲，原名叫《夕阳筲鼓》，见于已故琵琶演奏家吴婉卿1875年的'手抄本。至1895 年平湖派琵琶演奏家李芳国收入所编《南北派十三套大曲琵琶新谱》(工尺谱本) 中，更名为《浔阳琵琶》，这时乐曲已发展为十段，由李芳国分段标以夕阳筲鼓、花蕊布迥风，关山临却月、临山斜阳、枫荻秋声、巫峡干寻、筲声红树里、临江晚眺、渔舟唱晚、夕阳影里一归舟等十个词藻华丽的小标题。以后又有人将曲名改为《浔阳月夜》、《浔阳曲》。

乐曲以唐朝诗人白居易的长篇叙事诗《琵琶行》的诗意：“寻阳江头夜送客，枫叶芦花秋瑟瑟”相联系而成曲的。虽然标题与《琵琶行》中诗句：“春江花朝秋月夜，往往取洒还独倾”相似。但乐曲情趣已超脱“枫叶芦花秋瑟瑟”的秋意晚江别，而强调了“春江花月夜”的春意江夜美。

(二) 意诗意趣

《春江花月夜》的旋律大多较为典雅、轻快、细腻、流畅，并具有绵延起伏和级进等特点。

全曲由引子，主题乐段，主题的八次变奏及尾声构成，是一道独具特色的变奏曲。这种曲式由一个音乐主题乐段作基础，其它各乐段运用各种变奏的手法加以变化，丰富了音乐表现力，推进了音乐发展。这种手法善于细腻，深刻地从不同的意境和角度，去揭示乐曲主题内容，塑造音乐形象。乐曲通过优美质朴的抒情旋律，流畅而富于变化的节奏，丰富多彩的各种演奏技法，有如一幅动人的长卷山水画，贴切地表现了乐曲的诗情画意。下面就曲中的几段音乐做简要的介绍：

引子部分，乐曲第一段江楼钟鼓，是引子及主题显示部分，由清脆嘹亮的古筝滚指连重奏法起奏开始，形象的模拟鼓声由慢渐快。接着引出具有江南风格的音乐主题，抒情、优美、婉转如歌。句尾的大鼓滚奏音形，描绘出夕阳西下，泛舟江上，游船筲鼓齐鸣的动人情景。紧接着音乐进入主题做“接头合尾”式的变奏，即变奏部分集中在每个乐段的前半部，而后半部则基本相同，也就是前变后同，故有变化对比，又有重复统一，不断推进音乐几前发展。

(三) 筝曲移植

古筝独奏曲《春江花月夜》的移植，是以琵琶独奏曲《夕阳筲鼓》为依据，先从曲调入手，在取其精化的原则下集中发展。在继承发扬古筝传统技法的基础上，着意在音质、音色、力度，速度的对比变化等方面下功夫，同时又较好地刻划调度了古筝的托、擘、抹、挑、连重托、大小勾搭、套指、滚、拂、拨、摇、撮、及压、按、滑、吟、点、空、走、弱、音、制音、“流水”等不可取代的艺术特色，使诸种手法之间，能相互巧妙地的配合，承接自如，为演奏者提供发挥艺术才华的可塑性，使乐曲增加了色彩，丰富了表现力。在曲调的进行中，各种技巧的施展，往往在节奏上形成对比，大有“你简我繁”， 我简你繁”和向更高一层，深一层的“由简入繁，繁又简，简中尽是精华点”的艺术情趣发展，听起来“慢得情联而不绝，紧得意蓄而断。”做到取意干净利落“， 绝无客声”(浊清) ，对比流畅而多变(滑、奇) ;节奏“急而不乱，缓而不断”(疾、徐) ;音质“响如金石”“， 轻而不浮”(脆、轻) ，力求圆、润、甜、脆的美声，弦必匹配、指必抓尖，因曲求音，优选弹点。运用刚柔虚实，脆中之力，明确轻、松、脆、滑、高、洁、清、虚、幽、奇、古、淡、中、和、疾、徐的要求，着意高洁雄美。在练习过程中百练知其妙趣(觉得好听) ，千练习得其趣妙， (理解它的用意) 万练则忘其为古筝之声， (化为自己情感的再现) 。

古曲《春江花月夜》气韵优雅，刻画入微，既有继承，又有出新，于悠扬秀美中见气势，于优美抒情中见豪放，音乐丰满，起伏有致，富于形象，耐人寻味。不愧为万世流芳之本。

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5. 浅谈初中音乐器乐教学论文

一、音乐课堂器乐教学基本方法

器乐是音乐的重要表现形式。尽管我们了解到音乐课的器乐教学现状不容乐观，但是随着新一轮课程改革的全面展开，让学生在音乐课上可以获得更多知识和技能已引起广大音乐教师的关注。在近年来的音乐课堂教学中，笔者也进行了一些实践和采取了相应行动，为了最大程度上激发学生的兴趣，把器乐演奏，歌唱和音乐赏析等音乐知识结合起来，逐渐弥补以往的种种不足。以下为笔者在进行器乐教学过程中采取的一些基本教学方法。

（一）激发学生的器乐学习动机，以兴趣为动力

在器乐教学中，教从而激发学生的学习兴趣，使他们主动学习音乐。如在学习竖笛时，如果教师在教学时先示范演奏一曲，然后让学生马上吹，吹不会反复教，直到吹会为止。长此以往，学生日益觉得乏味，失去信心。教师也不能从教学中收获教学的乐趣滑正此。而我先调查一下当下学生比较喜欢的曲目，然后吹奏这些他们感兴趣的曲目让他们欣赏，使他们一开始就对这种乐器产生浓厚的兴趣，然后在这个基础上简介竖笛的结构、发声原理、演奏方法和音阶指法，紧接着就可以让学生练习一些简单的基本功，通过这些简单的基本功练习来鼓励学生学习竖笛，给予他们信心。这种方式不但突出学生的主体地位，而且调动了学生的学习兴趣。

（二）精选乐器及练习曲目，使学生享受到学习音乐的快乐

教师应根据学生的年龄特点选用合适的乐器。对于初中生来说首先是培养学生对音乐的学习欲望，最终达到通过演奏来表达情感的教育目的。同时，我们要结合课本但不拘泥于课本，精选接近学生的生活实际和认知水平的练习曲目，这样他们才倍感亲切和真实。还有一些经典名曲如《欢乐颂》《梁祝》《彩云追月》等，通过重新编配也是很受欢迎的。

（三）培养学生良好的学习习惯，根据学生能力进行指导

器乐学习是一个由浅入深、由简到繁循序渐进的过程。因此，我们首先要有一个具体的器乐教学计划，从整体上把握好学习进度与节奏，根据学生的实际能力加以分析，适时调节进度。同时，不同的学习阶段应有不同的'侧重点，使学生逐步吸收各种演奏技巧。再者，培养良好的音乐学习习惯也是非常必要的，例如爱护乐器，轻拿轻放，学会看指挥排练等。

二、音乐课堂器乐教学可行性建议

既然器乐教学存在诸多限制因素，我们是否怀疑它的价值，或将其摈弃呢？答案显然是否定的。器乐进课堂的必要性已得到专家的充分论证，音乐教师该如何应对，如何切实提高器乐课的效率，使学生的综合素质得到提高。笔者认为现应做好以下四个方面的工作。

（一）教师对器乐教学应充满热情及保持积极态度态度决定一切！面对现有困难应态度先行，进而采用正确方法，才可取得良好效果。对器乐教学，教师应时时拥有饱满热情，慢慢感染学生，带动课堂气氛。

（二）灵活运用教材，给器乐教学留有充足时间在传统的器乐教学模式下，教师往往是一种死板生硬的教学方式，不能带动学生的积极性。经过新课程改革的不断信迅变化，对于教师的教学模式起了很大的改变，新课改不仅要求教师参与课程资源的开发，也应适时研究，敢于调整教材，为教学增添更多色彩。当然，这种调整也应在合理范围内，确保相应教学目标的完成。

（三）充分发挥教研组集体智慧，清激制定规范适用的器乐教学安排目前，器乐教学随意性较严重，即使同一学校，各个音乐教师器乐教学的进度、要求、评价方式也不统一。某些音乐教师在器乐教学上没有计划，这使得器乐教学很大程度上成为一种摆设。这时必须充分发挥教研组的集体智慧，结合本校学生的总体素质和需求等实际情况，统一器乐教学的目标，制定相关教学计划，真正使器乐教学走上统一，切实提高教学效能。

（四）加强学习，注重交流，更新观念，激发学生兴趣音乐教育是一种审美教育，引进器乐教学的真正目的并不在于培养演奏家，而在于提高学生的综合素质，使学生感受到演奏乐器时的快乐和美。因此，在课堂上教师应以学生的兴趣为主，选取更为灵活多样的教学方法，尽量缩短枯燥的练习基本功的时间，留有更多时间相互交流。首先，在学生刚会演奏几个简单音符时，教师可以演奏只包含这几个音符的简单乐曲。这些乐曲可以是现成的，也可是教师自己编创的，从而让学生从一开始就能享受其中的乐趣。其次，把乏味的音阶循环练习改编成有趣味的节奏来进行演奏。最后，在课堂上带动气氛，组织学生进行自编自演的器乐“吹奏”“问答”“接龙”“音乐火车”等游戏。

总之，教师只有积极大胆地寻求并采用各种新颖方法，才能激发学生学习器乐的兴趣，从而取得事半功倍的效果。