舞台拍摄技巧方法

A. 舞台的摄影技巧

舞台的摄影技巧

演员舞者歌星们为了重大节日已经进入了如火如荼的排练当中，作为摄影师的你又怎么能错过如此精彩的拍摄机会呢? 有什么技巧呢?下面是我分享的的相关内容，欢迎阅读，仅供参考!

舞台摄影技巧1、器材的选择

舞台表演的形式比较多样，各种表演的动作幅度和方式都截然不同，如话剧、朗诵、音乐和器乐等表演几乎没有什么大动作，可以使用比较低的快门速度而有些表演如舞蹈、戏剧中的武打场景等动作迅速，疾如雷霆，拍摄时有很大难度，它几乎和体育摄影没有多少差别。所以就器材选择来说，舞台摄影最好使用反应灵敏的单镜头反光数码相机，以便抓瞬间，如果使用便携式数码相机，最好选择那些时滞较小的相机，否则拍摄话剧等还勉强可以，拍摄节奏欢快的舞蹈显然成功率就很低了。

舞台摄影技巧2、关于白平衡

舞台灯光丰富多变，强度和色温的变换也相当大，这些不同颜色、小同强度的光线也是舞台艺术语言的一个重要组成部分，一般在拍摄时候能准确反映原有的色彩关系比较好。所以除了少数需将人物皮肤作良好色彩还原而光线变化不大的场景可采用手动白平衡模式外，在许多不同效果灯光下拍摄，要纠正某些偏色不但不可能，也没有必要。因此一般情况下可采用“自动白平衡”模式，让相机自行处理。这样做一来可留有适当的现场气氛，二来即使有少量的偏色，也可在后期稍作调整。

舞台摄影技巧3、关于准确曝光

由于舞台灯光在安排和设计上具有很强的艺术效果，有专业的灯光师来操作，只有准确曝光才能够显示出原有的效果。在拍摄时一般可以采用两种测光方式，如果舞台亮度相对均匀，可以使用偏重中央重点测光功能。如果是拍摄追光灯等或以暗背景为主场景时，就需要使用点测光，以避免环境亮度影响，切实根据重要对象实际亮度来确定曝光量。所以在拍摄像独唱、独舞、独自等环境大主体小的场景时就需要采用点测光;而在拍摄大场面众多演员同时表演时，只要主体集中在相对中心部位或占了较大比率，就可采用中央重点测光或较平均测光模式，这样反而容易得到准确曝光。

舞台摄影技巧4、关于抓瞬间

舞台摄影主要有两种拍摄内容，一种是拍摄相对静止的对象，比如说像一般的歌唱表演或者乐器表演等等，还有一些是像舞蹈表演之类动作比较快速，变化多端的`内容。拍摄后者时不但对器材响应时间有一定要求，而且对摄影师的临场反应也是一个考验。在拍摄动作幅度大的舞台摄影时，一定要预先对焦或者确定大致的焦点，然后半按快门，留有提前量，不然很难抓拍到动作的高潮，甚至常常会出现你打算拍摄正面最后却拍摄到背面的尴尬情况。尽管有些便携式数码相机也有连续拍摄功能，但是在作连续拍摄时快门响应和图像处理都需要时间，对抓瞬间而言，未必真正有显着效果。而数码单镜头反光相机，由于动作过程比较迅速，使用连拍的成功率也将提高许多。如果可能的话可以参加彩排活动，看看演员们的走向，没有这个机会的话，就要寻找规律对于演员的下一个动作具有一定的预测性。

舞台摄影技巧5、选择合适的快门速度

快门速度对舞台上人物动作的反映具有重要作用，快门速度高，快速运动的对象被凝固，人物显得清晰;快门速度低于被摄体的运动速度，即使原来动作很缓慢的对象也呈现虚化的影像。所以，为了达到不同的拍摄目的，要选择不同的快门速度。数码相机与传统相机比较，在选择快门速度方面有一定优势，因为感光度可以调节，需要提高快门速度时可选择较高的感光度，反之亦然。一般拍摄舞台动作剧烈变化的旋转、跳跃等动作，如需将对象的瞬间凝固在空间，可以参照体育摄影的快门速度，最好使用不低于1/250s的快门速度。要是开足光圈仍然难以满足需要，就可采用提高感光度来相应提局快门速度。要是仍然不够，就可以借助闪光灯作主光源凝固瞬间。

舞台摄影技源局巧6、如何获得虚实相间的人物形象

通过闪光灯和自然的结合，可以得到一种动静结合、虚实相间的特桐裂薯别效法。如前所说，快门速度低于被摄体运动速度，即使原来动作缓慢的对象也会呈现虚化的影像。而电子闪光灯的闪光时间短，往往在1/1000s左右甚至更短。因此闪光灯可将被摄对象活动的瞬间凝固，形成极其清晰的实像。而将闪光局者灯和低速快门结合曝光后就可获得很特别的虚实相间成像效果。比如说使用1/15s的快门速度，同时使用闪光灯(可以是相机内置的闪光灯，也可以是外置式闪光灯)，这样快门速度和光圈的组合可获得自然感光，但由于曝光时间长，活动的影像将成虚像，从而形成一定的动感。而闪光灯又将活动的对象凝固成极清晰的实像，就构成了虚实相间的人物形象。

;

B. 舞台摄影怎么拍摄，拍摄舞台摄影有哪些技巧

舞台演出的拍摄方法，一种是专门组织下的拍摄。二是在观看彩排或正式演出时抓拍。

下面要谈的是演出中的现场抓拍，这种拍法，虽然受光线、角度以及由于剧情发展不容停顿等条件的限制，会给拍摄带来一些不便，但却能拍出真切、自然的效果和现场特有的气氛，如能利用台下不同的角度，取观众的背影与侧身为画面近景时，则更能增添画面的现场感。

选用快门速度时，对动作大，距拍摄主体近，节奏快的动体，应使1/250秒的快门速度，但为了表现动感，拍出局部虚化时，快门速度可适当放慢。一般情况下，摄距为8-10米时，用1/125秒即可，对节奏较慢的动作，也可用1/60秒，或1/30秒的快门速度。

C. 舞台摄影拍摄方法技巧

舞台摄影拍摄方法技巧

舞台摄影有着区别于其他类别摄影的特点，比如地点相对固定，灯光变化多样，演员的动作不可重复等等。在摄影器材的选择上，最好还是选择数码单反相机，比起卡片式数码相机，数码单反拥有更大面积的感光元件，在使用高感光度时也可以得到相对细腻的影像。那么，下面是由我为大家分享舞台摄影拍摄方法技巧，欢迎大家阅读浏览。

技巧1：手动关闭闪光灯

舞台的灯光经过精心设计，亮度也都较高，通过提高感光度可以获得一组良好的拍摄参数，无需闪灯也可以手持拍出清晰的影像。笔者使用的是佳能EOS 400D数码单反相机和EF 70-200 F2.8镜头，常用的拍摄参数是ISO400，F2.8，快门速度可以达到1/100s以上。

当然，舞台的灯光不会像影室的灯光亮度保持不变，多变的色彩与亮度才是舞台灯光的魅力所在。使用消费级数码相机的朋友也宴粗不必紧张，现在的数码相机在ISO400时的图像质量也还是可以接受的，用稍差的图像质量换来相对清晰的影像还是值得的。

技巧2：选择偏一些的拍摄角度

舞台摄影在很大程度上还是以拍摄人物为主，因此从侧面一些的角度拍摄会获得较悦目的照片。通常我们选择正面侧30°～60°的角度进行拍摄。大部分演员习惯用右手拿麦克风，所以在演员的左侧方进行拍摄可以更好的防止麦克风挡住面部。

技巧3：选择适合的拍摄角度

并不是所有的画面都适合侧面角度拍摄，一些庄重或对称性的场景还是适合正面拍摄的，以背景光或大型LED做映衬可以拍出气势恢弘之感。在拍摄演唱会时，歌手与舞者也会有互动，最后的集体造型也适合在正面拍摄。

技巧4：注意瞬间的把握

舞台表演的特点之一就是“动静结合”，就算是再动感的武术表演，也要有亮相的短暂静止瞬间，这些瞬间都是节目的精华，也是最值得拍摄的画面之一。短暂的静止更有利于我们使用稍慢的快门拍摄获得清晰的影像。

姿判技巧5：适当使用广角

很多朋友拍摄舞台人像时尤其是在拍摄自己的偶像时，总喜欢使用镜头的最长焦端拍摄。在光线条件好，快门速度设定较高时这样当然没有问题，但当光线不好时，手持相机拍摄很容易造成照片模糊，一张模糊的照片留给人的只有遗憾。与其这样，还不如晌册镇使用广角端，虽然人物占照片比例缩小，但在电脑上观看时影像相对清晰。如果方便在会场中移动，选择远一点距离拍摄也是可以尝试的。

技巧6：预测节目提前占位

在一些大型晚会的结尾，主持人都会邀请所有演员再次上台并与嘉宾们握手合影，这几乎成了一条不成文的规定。当你听到主持人邀请所有演员登台时再开始抢占有利地形，为时已晚，一些有经验的摄影师早已占据了最有利的地形并已架好了长炮短枪。是他们看了节目单?也许他们只是凭经验，一般大型晚会的最后一个节目都会以合唱做结尾，看到庄重的合唱时你就应该准备抢占位置了。

总结：

舞台摄影以其多彩的灯光，烟雾与场景的营造，演员精彩的表演等众多魅力吸引着无数摄影师和粉丝们的'镜头，为他们心中的偶像或精彩的表演留下珍贵的瞬间。为了获得较高质量的照片，我们可以使用一些技术性或经验性的技巧：

1.为了获得良好的现场感，闪光灯是应该关闭的，即使使用闪灯，一般因为距离较远也很难起到作用。

2.使用较高感光度。不要再为了获得细腻的影像而使用ISO100或者更低了，高感光度此时不用更待何时。要知道，一张画质粗糙而影像清晰的照片比一张画质细腻却影像模糊的照片有价值得多!

3.根据被摄体选择拍摄角度，可以在侧角度多拍摄一些特写，正面舞台的角度多拍摄一些舞台全景或比较稳重的照片。

4.手持相机拍摄时，在同样快门速度下广角镜头比长焦镜头更容易获得稳定的影像，在光线条件不好时可以使用相机的广角段拍摄。

5.占一个好位置，有时比摄影技术更重要。

;

D. 舞台摄影技巧方法

舞台摄影实用技巧方法

舞台摄影中，首先要了解不同慎败类型的艺术表演的规律和特点;其次要了解主要“剧中人”在某一位置所构成的代表性场面，制定相应的拍摄计划。下面是由我为大家分享舞台摄影实用技巧方法，欢迎大家阅读浏览。

应用好拍摄位置

可以想见，普通舞台摄影最佳的拍摄位置自然是第一排正中，由于前面没有其他障碍，而且可以统筹到整个舞台。在这个位置上，可以拍摄一些话剧或演唱会的多人局面。但我们终究不是专业摄影师，也往往没有财力和权利往取得那个黄金位置，因而就要做好预备，应用好自己现成的座位。与前排相比，后排基本只能使用中焦到长焦镜头，普通变焦DC在这种场所是很难派上用场的。不过这也可以让摄影者愈加集中在追踪、拍摄最好的瞬间，而不用老想着变换焦距和构图。此外，到现场后的第一件事就是要细心观察场地，基本锁定自己的拍摄焦距段和角度。

对付光线困难

舞台和大型广场演出的照明基本是地道的人工光线，这给白平衡和曝光带来了不少困难。我们可以把相似光源分为两种，一是动摇的光源，如固定照明灯等，在整场演出时期都不会有大的变化的光源。这种状况下，可以在演出正式末尾行停止试拍，看看相机的自动白平衡能否可以有效校正低色温。假设自动白平衡形式不行，最好采用自定义白平衡自行设定。

另一类是不动摇光源，如效果灯和追光灯。深圳婚纱摄影在这种环境下，光源的强度和色温变化多样，难以控制。无妨干脆把相机设置到自动白平衡形式，由相机来完成复杂的光线判别;或许干脆使用日光白平衡，以完全恢复现场虚孝运气氛。

光线困难还在于演出人物和背景的`照明往往差异极大，很随便形成曝光失误。首先，舞台灯光的亮度通常不太高，使用大光圈的镜头配合数码单反相机是一种选择，可以取得足够高的快门速度。在非单反相机中，具有初等效感光度和高成像质量的产品同样可以胜任。

此外，面对的是布克复杂，明暗区域单一甚至光线强度和角度均不时变换的舞台，相机自动曝光很难保证正确。这时通常要求摄影者依据自己的阅历灵敏运用曝光补偿、点测光、曝光锁定等功用。

在设备日益先进的状况下，如今拍摄舞台照也有捷径可走，那就是应用人脸识别功用。在目前很多机型中，系统可以在取景的同时判定出画面中的人脸，并以人脸为基础停止对焦和测光。这样，舞台摄影就可以少了很多顾忌，画面中人物的曝光和清楚度基本可以差梁失掉保证，就具有了一张优秀舞台摄影图片的基础。

捉住最美的瞬间

在观众的眼中，舞台上的每个瞬间都那么优美，但在摄影者的快门中就不一样了。特别是拍摄演出者时，她能够闭眼、皱眉，能够在舞蹈的高速旋转中我们拍到的只是一个背影，能够我们试图拍摄一个伸展的弹跳，但最后留下的是一个落地的瞬间。

舞台摄影对瞬间抓拍才干的考验不逊于体育摄影，他们都要求摄影者在眼明手快之外，最好能对演出的内容有所了解，对其举措有一定的猜想才干。同时，无论那种相机，都存在从按下快门按钮到快门释放的延时，只有提前按下快门才干捉住最美的瞬间。

关于初学者，这当然有些难度，我们可以充沛观察，争取发现其举措的规律。使用连拍功用也是有效手段，例如，一个舞蹈演员的弹跳进程，我们拍下3到5张照片，其中出现最伸展姿势的概率自然比单张拍摄高了很多。不过，大少数消费级数码相机的连拍才干都有限，假设在出色瞬间到来之前把连拍才干糜费掉就会遗憾了。

但如今在很多机型上装备了共同的“循环连拍”方式，只需用户按下快门钮，就末尾不停连拍，但只有松开快门钮前拍摄的3张被存储上去。假设你对演员的举措没有掌握，无妨用这种方式，看到出色瞬间完毕就松快门钮，基本可以万无一失。所以，熟悉自己的机器是拍摄出好照片的条件。

舞台摄影留意事项

在停止舞台摄影时，肯定会对四周的观众形成一定影响。您也不希看自己前面总有一个伸着脖子举着相机晃来晃往的人存在，因而摄影者应尽量留意细节，防止搅扰他人观看演出。

1、 假设有能够，事先联络演出的主办者以取得容许，或失掉一个更适合拍摄的位置;固然这一点在大型演出时很难做到，但假设是有自动反击的时机的，千万不要退缩。

2、 不要使用闪光灯，闪光灯不只会搅扰观众，更会影响演出者，而且破坏了演出的光线环境，拍摄效果也不一定好。

3、 使用单反相机尽量选择快门声响摄影小的，使用便携数码相机则设置为无声外形，并封锁辅佐对焦灯。

4、 拍摄中防止长时间站立以及频繁的移动，那样自己劳累不说，还会招致身后的一堆埋怨。

5、 拍摄前通过节目单了解演出状况，公允布置拍摄，特别是要方案好存储卡和电池的分配，以免到了关键时辰弹尽粮尽。

6、 由于消费级数码相机的功用局限，即使依照以上技巧拍摄，失掉的很多照片依然不是很理想。先不要急于删除，我们还可以使用各种图像软件来停止前期处置，有能够使照片妙手回春。

最后要提示各位的是，依照上述技巧，我们基本可以拍摄到清楚出色的瞬间。但真正舞台摄影的精髓不止是忠实记载舞台上发作的每个场景，而是在照片中融进自己的创作意图。假设看看几十年来舞台摄影作品的开展，我们也会发现从写实到再创作的鲜明趋向。例如，很多摄影师在创作中甚至会故意设置慢速快门，模糊的画面有时会更好地表现动感，而光线和人物运动的轨迹结合会很有创意。另外值得一试的还有前期的叠加处置，多张舞台照拼合起来，往往会更好地表达演出内容。

;

E. 舞台摄影的四个小技巧

导语：在舞台演出中，灯光师会根据不同节奏的需要而采用不同光源的光线，来营造不同的气氛。不仅光线的色光成分变化多端，而且时明时暗，十分难捕捉。这对拍摄工作是一个较大的挑战。如果处理不好，容易出现主体亮、背景暗的情况。这对摄影师是一个不小的考验。

舞台摄影的四个小技巧

舞台摄影的测光与曝光

为了得到相对准确的曝光值，最好采用点测光或者局部测光的方式，尽量对着被摄主体人物测光，缩小测光范围的同时也会减少现场光线对曝光值的影响。由于舞台上的照明光线会随着剧情变化，时而明亮，时而昏暗，人物的动作也时时处于动态之中，因此，使用中央重点测光模式并结合光圈优先或快门优先等自动曝光功能，就能免去频繁的测量、调整等工作，因而可以极大地提高拍摄成功率。为了避免失误，可采用包围曝光的方式来拍摄，从中选取曝光相对准确的画面。

▲光圈 F5.6，快门 1/250s，焦距 400mm，ISO 400。

拍摄舞台照片时，尽量选择人物为基准点来进行测光。

利用现场光展现真实效果

由于演出场所内大部分是观众，应尽量避免因为拍摄而影响观众的权益。拍摄中还要注意，通常舞台是禁止使用闪光灯的，因为闪灯的瞬间高光会影响到演员的发挥。实际上由于拍摄距离较远，闪灯也失去了使用意义，反而会破坏舞台上的现场灯光气氛，所以一般多利用舞台和剧场的现场灯光拍摄。大多数情况下，现场光都比较复杂，因此对于曝光来说难度较大。如果现场的灯光明亮、照射均匀，相机的测光系统可以得到相对准确的曝光值。如果主体光强，背景过暗时，要对着被摄主体测光，否则会出现被摄主体曝光过度的现象。若果有条件，使用具有点测光功能的相机拍摄，并采用长焦镜头测光，这样可以减小测光的误差。拍摄时要以主要人物为曝光标准，随时注意现场灯光变化，并及时调整光圈、快门数值。利用现场光的同时，还要注意相机白平衡的调节。舞台一般多使用白炽灯或者聚光灯照明，因此要选择相应的白平衡模式。白平衡使用不当，也会减弱现场感，甚至会改变画面的色彩表现。

▲光圈 F5，快门 1/30s，焦距 235 mm，ISO 400。现场光拍摄的自然效果。

舞台摄影的快门调整

拍摄舞台照片，要根据自己的拍摄意图以及现场光线的强弱来控制快门速度。快门速度对于舞台上搏稿档人物动作的抓取具有重要作用。我们既可以用较快的`速度将舞台上的情景定格，也可以用慢速快门表现一种虚幻缥缈的感觉，制造一种虚实相生、动静结合的视觉效果。快门速度控制在 1/60s 上下时，呈现在舞台上的主体该动的能动起来、该静的也静得下去，使拍出来的照片既有清晰的主体形象，又使画面具有流动感。为了达到不同的拍摄效果，我们要选择不同的快门速度。数位相机与传统相机相比，在快门速度方面有一定的优势，由于数位相机的感光度可以调节，需要较高的快门速度时可以提高感光度，反之亦然。

▲光圈 F5.6，快门 1/8s，焦距 285mm，ISO 400。慢速度虚化影像。

三脚架的应用

舞台的灯光色彩绚丽，但往往是明度较低，在拍摄时手持相机很难稳定，有时为了追求动静结合的画面效果还要采用慢速快门来拍摄，因此在舞台摄影中三脚架是必不可少的。

如果单纯地拍摄舞台效果，可以把三脚架固基乱定在某一位置。现在的碳素三脚架稳定性都非常好，而且重量也非常轻，如果需要变换拍摄角度，移动起来敬睁也非常方便。

▲光圈 F5.6，快门 1/30s，焦距 275mm，ISO 400。

利用三脚架拍摄也是画面影像品质的一种保证。

F. 分享舞台拍摄技巧

怎么拍舞台照片舞台摄影包括的范围很广，有戏剧、舞蹈、音乐、曲艺、杂技等多方面内容。舞台演出的形式又是丰富多样、风格各异。所以在拍摄前，要熟悉各种艺术的特点，便于拍摄到理想的画面。下面是我为大家整理的分答辩享舞台拍摄技巧，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

分享舞台拍摄技巧

舞台摄影有以下几个特点：

1、光线较暗变化大。舞台摄影的照明主要来自舞台灯光，它比外界自然光要暗得多。而各个剧场的灯光情况并不一样，因而亮度也不同。有些剧种如京剧、地方戏、曲艺、音乐等清笑缺，光线比较明亮，变化不大，而话剧、歌剧舞蹈等光线亮度变化大，因为它常常需要随着剧情的发展而变化。有时，灯光渐变时，因人眼有适应能力，常常觉察不到光线的细微变化，以致造成曝光的失误。

2、 拍摄的位置与拍摄的角度受限制。在剧场拍摄时，除了特殊情况允许随意更换位置外，一般都只能是坐在固定的位置上拍摄。因而，在选择拍摄角度时受到很大的限制。

3、 从演出效果考虑，舞台灯光一般多照射在主要演员身上。所以，在主角与配角、主角与背景之间都会出现明显的亮度差，拍出的底片反差大。

拍摄时，要注意以下几点：

1、 掌握正确的曝光。拍舞台照片时，用闪光灯拍摄比较方便，但使用闪光灯会影响观众。另外，闪光灯正面照射，也会破坏舞台上的现场灯光气氛，所以一般多利用舞台的灯光。拍摄前，要用测光表测出准确的曝光数字。从台下向舞台上测光时，如果舞台上的灯光明亮、均匀，可以得到准确的数字。如果主体光强，背景天幕过暗时，按测光表测出的平均光值曝光，常常会出现主体感光过度的现象。所以应选用小角度测光的测光表或镜头后的中央重点测光表为好。测出光值后，还要根据整个舞台的光线情况加以调正。拍摄时要以主要人物为感光标准，随时注意灯光变化，相对固定，所以应在事先选择好拍摄点。一般以侧面位置较好，因为正中位置拍摄，前后人物容易重叠，又不容易拍摄到演员进出场的画面。在第一排的位置上拍摄时，角度容易过仰，以四、五排至十排位置为好。如需要拍摄大场面全景时，可坐在楼上第一排，或爬上舞台一侧的灯光调动工作台来俯拍。

3、 拍摄舞台照片，多选用400度以上的高速度的感光度。

4、 使用120单镜头反光相机时，因为按快门与快门实际打开有一段时间，所以在拍摄极快的舞蹈动作时，必须考虑到这一实际情况。拍摄时要掌握"提前量"，提前按动快门。这样，快门实际打开时，才能抓取到理想的拍摄时机。

5、 拍摄舞台照片时，有时为了表现演员的动态，常常要保留一定的模糊感。所以在选择快门时，不可一味追求高速度。

6、 因为光线暗，使用大光圈，景深短，所以一定要准确的对焦。在演出前，可先测量出舞台两边、中间以及背景的距离数字，作到心中有数。拍摄时，即可根据人物的活动，以已知的距离数字作为使用时的参考。

风景摄影拍摄技巧

秋天给大地披上了五彩斑斓的盛装，秋风给天空涂抹上清澈的湛蓝色，又洒上缕缕白云。又是满山红叶时。醉人的美景中，涌现出摄影人的身影，他们要把美景凝固在胶片上，让美景永驻人间。希望这里介绍的5则红叶摄影技法，能够对摄影人有所启发和帮助。

1、灵升键活运用逆光和透射光

光线是上帝赐给摄影人的艺术刻刀。对于表现红叶这类色彩鲜明的题材，光线的运用是创作个性作品的关键因素。光线的微妙变化，可以让红叶表现出完全不同的色彩。即使在同一地点，随着时间的不同，光线照射角度发生变化，红叶会呈现出不同的表情变换。特别是顺光和逆光的改变，能够使红叶的色彩饱和度发生强烈的变化。

拍摄红叶，偏振镜是常用的滤镜。因为它可以有效抑制红叶表面的反光，让人们看到红叶本来的色彩，尤其是在顺光和侧光时效果明显。

在逆光和透射光的条件下，我们看到的是光线透过叶子的透射光效果，比顺光时候看到的反射光效果更纯粹、更鲜艳。即使顺光的时候看上去很普通的红叶，当我们改变角度的时候，可能会看到有透明感的鲜艳的红叶。

晴天的时候拍摄，有利于获得反差大的作品，但是这时候叶子的影调比较硬，如果想表现红叶柔美的一面，那么多云天气可能更适合。对于光线的把握和运用，反映了摄影师的风格和特点。

2、巧妙安排背景

红叶固然是红叶摄影中的无可非议的主题，色彩鲜艳的红叶也的确是最容易吸引目光的对象，但是如果忽略了背景的选择，再美丽的红叶也会失去光彩。即使是拍摄红叶特写，背景的因素也不容小觑，拍摄红叶风光作品，就更应该注意背景环境的选择和安排。

首先背景的选择应该突出红叶主题，不能喧宾夺主。通过巧妙选取红叶所处的环境，不但有利于衬托红叶，还可以表现红叶与周围环境的有机联系。按照这样的原则选择和安排背景的色彩和明暗，可以创作出戏剧性的红叶作品。

根据选定的背景，适当增减曝光补偿是非常重要的。如果背景是比较明亮的雾气，就应该增加曝光补偿，如果是山谷或者岩石等比较晦暗的背景，就应该适当减少曝光补偿。增减补偿的量，取决于红叶与背景的明暗对比和比例分配，使用较大幅度的包围曝光，是获得成功作品的有效手段。

俗话说“草木一秋”。曾经生机勃勃3。和谐的色彩赋予作品生命力的树叶，在它们即将凋零之际，燃烧着它们的生命，把最后的辉煌奉献给人们。红叶除了给世界带来了美丽，还总给人们带来无尽的思考。所以，我们在拍摄红叶的时候，往往不满足于平铺直叙地表现它们，而是让它们更加美丽、更加令人感动。

巧妙的色彩搭配，是突出红叶的色彩魅力的有效办法。一般来说，选择与红叶颜色相容性和协调性好的颜色，可以令红叶的色彩更艳丽。为避免喧宾夺主，削弱对红叶主体的表现力，搭配的颜色应该柔和平淡色彩，通常黄色、绿色、白色或淡粉色等颜色都能够与红叶形成很好的搭配效果。尤其是黄色，黄色也是秋天的色彩，黄叶与红叶共生共长的景色非常多见，因此红黄搭配是个不错的选择。黑色也能够使红叶看上去更醒目，以树木、山峰或者阴暗的天空为背景，都有可能创作出激动人心的作品。

无论选择什么样的搭配色彩，关键是使其处在虚焦状态，形成虚化的背景或前景。通常使用长焦镜头，采用较大光圈，焦点落实在红叶的局部之上。还有一点必须注意，那就是避免杂乱的色彩出现在画面之中，选择长焦镜头也同样基于这样的考虑。

4、妥善处理天空的表现

秋季天空清澄透彻，即使有云，也多是高空出现的卷云和层积云，所以人们才有了对秋天的特定感受，“秋高气爽”、“天高云淡”等词语就是这种感受的概括。拍摄红叶的时候，把明显具有秋季特征的天空也融进画面，可以创作出独特秋天风情的风光作品。

恰当的天空表现，可以积极地衬托红叶主题。比如晴朗的蓝天与红叶的反差强烈，可以使红叶看上去更加艳丽，是拍摄红叶时经常选择的天空背景。画面中蓝天所占的比例，往往决定着作品的成败。

晴朗的秋日里，红叶和天空都呈现出极佳的色彩，两者相得益彰，固然可以获得色彩鲜明的作品。如果巧妙地选择秋天特点明显的高空卷云或层积云，则可以拍摄出感情色彩浓烈的红叶作品。

5、数码摄影注意要点

由于数码摄影可以非常方便地进行后期调整，所以在拍摄过程中的曝光控制就容易处理得比较随意。事实上，只有曝光准确的图像，后期处理才能获得比较理想的效果，如果曝光控制过于宽泛，尤其是曝光过度比较严重的话，后期处理技巧无论如何出色，也很难补救。

拍摄红叶的时候，如果曝光过渡，就会出现饱和度降低、阶调层次欠缺的现象。一般顺光情况下，并不需要特别的曝光补偿，但是逆光的时候就需要根据实际情况进行必要的曝光补偿。尤其是从红叶的树干下仰拍的时候，画面中心部位的`亮度直接影响曝光，需要特别注意。一般可以采用手动曝光模式，而不依靠相机的自动模式。使用手动模式还有一个好处是，可以比较方便地调整构图。

拍摄红叶远景场面的时候，一般需要较大的景深，但是切忌光圈收缩过小。如果过度收缩光圈，就会出现光衍射现象，降低画面质量。由于数码相机的成像元件的尺寸较小，其景深要比35毫米胶片大，即使是采用类似APS—C画幅尺寸的成像元件，其景深也要比35毫米胶片大一档。因此，必须注意景深控制。使用景深较小的望远镜头或微距镜头也许是个不错的选择。

使用胶片相机拍摄的时候，摄影往往会根据不同型号胶卷的特性，有针对性地选择胶卷，以使色彩、反差等符合创作意图。数码相机通过图像处理，可以很方便地按照创作意图进行调整。通过色阶和色彩饱和度的调整就可以获得比较满意的作品。后期调整是数码摄影创作的一个环节，所以应该积极面对图像的处理，就像选择胶片一样对待图像的处理。

秋色撩人，秋叶迷人，看到北方的秋叶，令人心旷神怡，更有种刹那间头晕目眩的震撼的喜悦，为了她，我们一辈子努力去寻找也值得，闲话扯远了，言归正传说摄影。

北方山区的秋色是漫山遍野，色彩一片，看着激动不已，拍下来除了色彩外，却没有了亲眼所见赏心悦目的感觉。或许会有人感叹，我亲临现场，怎么没有看到这般美景呢？这是摄影师的审美、机会的把握和摄影技术方法应用所致。

经过几次秋叶的拍摄，慢慢悟出一些方法，班门弄斧，说说拍秋叶的体会。

满树的秋叶，片片簇簇，在风中摇弋，很难捕捉、把握最美的一霎那，也不容易看到晶莹剔透的叶脉枝理，经过几次实践，我的体会是：拍摄美丽的秋叶关键在表现力。

(6)舞台拍摄技巧方法扩展阅读：

静物的拍摄技巧

1. 排列和组合

说到静物摄影，构图是关键。摄影师在拍摄前应该把被拍物体的位置都精心安排好。整体的画面要平衡，让观看的人有足够的喘息空间。不论是在图库中购买照片还是自行拍摄，都要注意，影像画面需要让人看得舒服，而且没多余对象。有一种很流行的排列方式叫作 “Knolling”，这是一种整齐排列对象，并从正上方拍摄、能够非常清楚地看到各个对象的拍摄方法。该方法最初是用作纪录对象、辅助研究等，现今变成一种整理，展示物品的拍摄摆放方式。

2. 利用负空间(留白)

虽然看静物照片时，大多的注意力都会放在主体上，但它们周围的空间，也会产生重大的作用。强调负空间，照片会展示出完全不一样的气氛。而留出的空间，在设计或是排版时，也能够方便设计师把文字加进去。

3. 通过细节讲故事

拍摄静物时，如果确定主题之后，应该想想你想通过照片传达的讯息。例如，以上的照片以食物为题，一些小配件，可以让人联想到曲奇的制作方法或是口味等。因为我们拍摄照片是要通过它与观赏者对话，这就需要考虑拍摄的画面，是不是配合产品或主题的气氛?应该是充满活力的，还是严肃庄重的?拍摄的准备过程中，应多考虑照片的叙事性。

像的拍摄技巧

一、用更多元素来烘托照片氛围

在人像照片里能看到的东西，可远远不止人脸而已。常见的人像照片分为脸部照片、半身照片和全身照片三种。拍摄人像照片时，摄影者大多不会把其他的东西摄入照片，比如在摄影棚里拍摄时，摄影者通常会选择一个很简单的背景。对人像摄影而言在于塑造主题的典型特征，给某个人拍照很简单，但刻画人物的特质就困难多了。所以我们利用环境、道具、表情等更多元素来烘托照片的氛围。

二、不要让你的照片太过程序化

从拍摄简单的面部照片，到富有表现力的人像照片，这个过程通常是相当漫长的。许多人都不喜欢拍照或者当他们发现有人拿相机对着自己时，会立马换一个表情，摆出摄影专用的咧嘴笑容。而那些有经验的模特则会马上摆出典型的拍照姿态，通常这些姿态看上去都很美，但它们和相机的自动程序一样，非常格式化。

三、摄影师和模特想表达的创意

那么，真正意义上比较好的人像照片应该是什么样的呢?这个问题很难回答，因为这要取决于摄影师和模特想要表达的东西。即使某幅照片很大众化、有很多人喜欢，也不能证明它的质量就好，这或许只能证明照片里的模特很受欢迎。比如，你给某个你觉得很有意思的人拍摄了一组超专业的照片，但几乎不会有人会对这些照片感兴趣;如果你能将知名人士请到镜头前，那就算是用手机拍摄的照片，也能发表在某个八卦杂志上。如果你只是纯粹地喜欢摄影，并且想不断提高自己的技术，那就可以把镜头前的每一个人都当做自己的模特—很多专业的摄影师就是这么训练出来的。

G. 如何拍摄舞台照

1、选相机

目的：高感好，画质好

舞台上经常是光线不足的（除非是传统京剧），所以需要提高感光度（增强进光量）来缩短快门时间去凝固舞蹈动作的瞬间性，此时需要更高的感光度。

2、选镜头

目的：掌握更多的主动权（景别）

摄影席的位置距舞台中区的距离决定着选择什么焦段的变焦镜头更为有利 ，舞者活动的范围在中区居多（除非特殊情况），参照是舞者在舞台中区表演时我们用长焦端拍下的舞者依然能分清舞者的五官而选择。

舞者站在后去溢出了取景器为参照，舞台底线7m左右选择24mm——70mm镜头，舞台底线15m左右选择70mm——200mm镜头，舞台底线25m左右选择100mm——300mm镜头。

3、选位置

目的：获取理想的视域

首先用取景器观察，尽可能把舞台平面安放在舞者膝盖以下到脚面以上的中间位置而坐，因为舞台平面在构图时会平分舞者的身体以及和画框的关系。

如果选的位置具地面过高1.舞台平面就会平分舞者的身体造成比例呆板再者如果舞台平面超过舞者腰部之上舞者的身体比例上，多少情况下这样会显得地面很脏（俯拍），但是可以做为第二视角进行复拍。

舞台摄影一般分三种情形：

1、在演出现场抓拍2、在彩排时拍照3、专门组织拍照。

无论何种情形，都要做到：在拍摄前熟悉剧情，了解演出高潮；了解表演者的风格和表现特征；拍摄时要抓住重要情节或表演的瞬间或相对静止的一刹那。这样才能得到真实生动的艺术照片。

因此，舞台摄影中，首先要了解不同类型的艺术表演的规律和特点；其次要了解主要“剧中人”在某一位置所构成的代表性场面，制定相应的拍摄计划；

第三是准备必要的摄影器材，如小型相机、交焦镜头及各种附加镜、高速胶片等；第四是适应剧情选择好拍摄方位和角度，掌握好拍摄“瞬间”。