音乐演奏方法与技巧

⑴ 小提琴演奏技巧与方法

小提琴演奏技巧与方法

小提琴家所追求的目标是能毫不费力地演奏出好听的声音，有成就的小提家认为能演奏纯净、优美的声音是取得最高成就的标志之一。那么小提琴演奏技巧与方法有哪些?下面是我为大家带来的小提琴演奏技巧与方法，欢迎阅读。

呼吸：

呼吸在任何活动和任何音乐艺术中是首要的，小提琴也不例外。良好的呼吸要求具有均匀吸气和呼气的能力，即吸气和呼气的时间是同样的。每次呼吸的周期应尽可能地长。在小提琴演奏中，需要不断地呼吸，而且绝不要屏住呼吸。

初步练习是盘腿坐在地上，双手(掌心向上)放在膝盖上，脊椎伸直，脖子和双肩放松，挺胸拔背来开始呼吸。用表的秒针来帮助计算每次吸气和呼气的时间。在不间断呼吸的情况下，努力去延长每次呼吸的长度。

进一步练习是把右手放在鼻子的上面，用拇指的指尖堵住右鼻孔，用无名指的指尖或指甲堵住左鼻孔放开一点左鼻孔，只让非常稀薄的空气进入即可。

1、用左鼻孔吸气。

2、当用食指堵住左鼻孔时。稍微地放开一点拇 指，用右鼻孔彻底呼气。

3、用右鼻孔吸气。

4、用左鼻孔呼气。

姿势和伸展练习 ：

持琴是小提琴演奏中的最困难点之一，它很容易抑制自如的动作，导致一种不自然的姿势。不断地调整动作的能力正是小提琴演奏的奥秘。良好的姿势基础是从脚趾经过脊椎到头顶的一种垂直伸展姿势。

小提琴演奏者的身体重量落在双脚的大拇趾上的要比落在脚后跟上的稍微多一些，这种前倾的平衡姿势具有更大的活动余地和更多的轻松感，并有利于演奏的稳定性。

(1)在保持脚趾放松的同时，双脚应稍微向外侧移动一点儿，来抬高双脚的'拱面。

(2) 当双脚由于踝骨的内在压力，使它们恢复到自然姿势时，应保持这种抬高双脚拱面的姿势。

(3)双膝应向后。

(4) 当臀部绷紧向前挺身的时候，保持双腿的分开。

(5)收腹并塌腰。

(6) 向前方和斜上方挺胸。

(7) 向后抬头，伸直脖子。

(8)双肩保持平行与完全放松和下垂，与腰椎对称;双臂、双手和手指自然下垂，其它身体部位的伸展感觉就好像试图接触天花板、脚跟、大脚趾和其它脚趾正在试图蹬开地面.这些调整无论多么仔细，应该在一次吸气中做完，如果没有训练过呼吸，做这些调整占时间过长的话，可用几次吸气来做完。

准备活动的基础姿势：

a：姿势一：双腿弯曲在躯干的下面，臀部落在双脚后跟上，小臂和双肘挨着双膝，额头放在地面上。这种姿势，身体像准备弹起的动作。双肩向前下部伸展，背部拱起，头朝下，脖梗伸直，重心前移，小臂和小腿不要从地面上抬起。

b：姿势二：后背挺直，双臂下垂在两侧，起身成为一个垂直的下跪的动作。头部和肩部向后伸展，塌腰，双手握住双脚的后跟时挺胸向前。

连续的系列伸展练习：

从身体放松，低头弯腰的姿势开始，头部向前方下垂，双手的手背放在地面上。用伸展特定肌肉部位的方法来慢慢感受你身体所有的部位：

向两侧伸展肩胛骨;伸展脊椎骨;感受你双脚内部的拱起;感受你双手的大拇指和其它手指。试着外翻双手，以便使伸开的手掌和手指平放在地面上。用双手握住脚心并用力搬;使后背向前伸展;做几次深呼吸，然后一次呼气，把双腿伸直绷紧;但要保持头部向前下垂，双手接触地面不动。交叉双手手指，然后把交叉的双手放在后脑海的下部，把头往下按。松开双手;再做几次深呼吸，然后，一次吸气成站立姿势。

呼气并检查你的姿势。双脚应是平行的，有拱起脚面的感觉，双膝挺直，收腹，后背挺直，头要抬高。

当再次吸气时，把双臂从两侧抬到你面前的水平姿势。呼气时从双肩和肩胛骨向前伸直双臂。在接下来吸气时，把双臂直举过头顶，一直伸展到脚趾。呼气时，把双掌合在一起。用力合掌，然后把头向后移，争取使双肘内侧挨在一起。再吸气，把双臂向两侧45度斜角伸直。再呼气，让双臂向后落在你的双肩胛骨上。然后重复几次这个向45度角伸出双臂再落回 肩胛骨的动作。

双臂向两侧水平伸直，转动双肘部，在这个动作中，当手臂围绕肩膀转动时，双手掌心向下，保持不动，同时伸直手掌和手指。做这个动作，要结合向前伸展和转动双肩，手臂交替进行，把头转向伸展的手臂;然后做一个补充的转头动作，离开伸直和转动的手臂。接着，同时向前转动双臂和双肩，做环形动作。当双肩向前转动时，头向后伸，当双肩向后转动时，头向前伸。

头部的进一步练习：

a：把头部从一例转到另一侧，并伸开脖子。当你的头部转向右侧时，你可以用右手帮助斜着推你的头后部，反过来也是一样。

b：向前低头，向后仰头。

c：头部下腭保持水平方向，把头部从脖子部位向前伸和向后缩。

d：按顺时针方向和逆时针方向大圈地转动头部。

F：平衡练习： 左脚站立，右手握住右脚的踝骨，把腿搬成弯曲的姿势，用搬脚踝骨的方式伸展手臂，同时，左手臂水平伸开。

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⑵ 小提琴演奏技巧方法

小提琴演奏技巧方法

小提琴属于歌唱性的旋律乐器。因此，如何在小提琴上发出歌唱般的丰满、动听的声音，是小提琴演奏中最为重要的问题。那么，下面是由我为大家整理的小提琴演奏技巧方法，欢迎大家阅读浏览。

握弓

右手握弓，拇指尖须紧靠螺旋套(弓根)，其他手指执住弓杆，使手背成自然弧形。手指需要柔软的弯曲。弓杆位于食指、中指、无名指的末节中(即指端)，拇指恰与中指相对，小指的指尖，轻松的放在弓杆上，使易于适应需要，向前或向后移动(上弓时向前移动，下弓时向后移动)。四指之间，略须靠拢，不可单独分开，否则显得笨拙而不雅观。

运弓

优秀的演奏家能在小提琴上发出千变万化的声音，就运弓而言，取决于运弓的速度、弓在弦上的压力以及弓和旋的接触点这3种因素的不同结合。

小提琴的弓法繁多，就其主要的'有以下几种：

1、分弓：一弓演奏一个音，音要拉的干净，清楚;

2、连弓：一弓演奏许多音，在很多乐曲中都会用到，是最常用的弓法之一;

3、顿弓：音与音之间断开;

4、跳弓：弓毛离开琴弦。

这4类弓法是最基本的，在20世纪中期，连顿弓，即在一弓中连续快速演奏许多音与音之间是断开的音，被人视为绝技，随后又出现了“自然跳弓”，即弓毛在琴弦上，而听起来或看起来像跳弓一样。所以人们把小提琴演奏艺术称之为“运弓的艺术”。

音准

歌唱和乐器演奏中所发的音高，能与一定律制的音高相符，称为音准。有些乐器在制造或调音时就有音准要求。歌唱和乐器演奏过程中，随时都要通过演唱者和演奏者的控制来解决音准。音准的取得，有赖于敏锐的听觉、优良的乐器、精湛的技巧与适宜的演出环境。乐器的形体结构、音孔位置、张力变化以及空气湿度,包括琴的各个部件的配合.都与音准有关。就弦乐曲讲，长时间演奏及气温上升，均使弦松弛，因此弦乐器音准的突出问题是如何矫正偏低。就管乐器讲，虽然气温上升使管体略微伸长，但同时气压降低，声速提高，频率也随之增高(据实测，气温每升10℃可使管乐器发音升高3音分)，因此管乐器音准的突出问题是如何矫正偏高。歌唱及弦乐器、管乐器的音准，当有钢琴伴奏时，都以平均律为准则;但由于平均律的许多音程听起来并不严格协和，所以在独唱、独奏、重唱、重奏时，常常需要偏离平均律而趋近纯律或五度相生律，才算达到音准要求。

音级

具有七个唱名(do、re、mi、fa、sol、la、si)或音名(C、D、E、F、G、A、B)中任何一个名称的音，每一音级有数种不同的 音高，用变化音记号区别，各音级之间的相互关系为音乐中一切音高关系的基础。

揉弦

揉弦是小提琴，二胡，吉他等弦乐演奏所掌握的最具表现力的演奏技巧之一。在乐句适当的地方加上适当的揉弦，会比没有揉弦的乐句在声音上要生动的多。

揉弦是一个小提琴演奏很有表现力的技巧，用它可以来表现不同风格和特征的每一个音或每一个乐段。揉弦的要点是怎样找到手的最佳动作，用速度快慢、揉弦宽窄来演奏出每一个乐段独特的风格和特征。

肘臂揉弦和手腕揉弦，两者都要练习。以能够表现出最好的音乐特征，来选择揉弦的速度和宽窄。

在手腕前后揉动时，带动手指的关节，手指的触弦点不能随着手腕的揉动而移位。在练习手腕揉弦时，可先从三指开始。因为用三指揉动可以使动作更为宽松，然后再练习二指和一指。而练习四指时，还可将三指紧靠四指帮助揉动。这样的练习会使颤动的效果更为自如。在手腕揉弦练习的基础上也可逐渐学习和熟悉手臂的揉弦和手指的揉弦。目的是为了更好的丰富演奏上的表现力，适应于各种力度和情绪变化的需要。

把位

左手手指在指板上的位置，称之为把位。靠近琴头的把位为低把，靠近琴马的为高把。从一个把位换到另一个把位，称为换把。换把位的方法有多种，例如空弦换把，同指换把，不同指以及泛音换把等。换把时产生非演奏需要的滑音，是技巧训练不足的标志。部分情况下，滑音可以使音与音之间的连接富于变化，增加一个优美的过度。特别是结合换把使用滑音，是一种富于表现力的演奏手段。

双手技巧

小提琴的左手技巧：音阶、双音、换把、揉弦、泛音、左手拨弦。

右手技巧有：连弓、分弓、顿弓、练顿弓、跳弓、波弓、击弓、碎弓、拨弦、右手拨弦。

注：在不拉小提琴的时候，一定要把琴弓松开。长期紧绷会缩短使用寿命。

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⑶ 浅谈钢琴曲彩云追月的演奏技巧和方法

钢琴曲《彩云追月》的演奏技巧
钢琴曲《彩云追月》丰富的音乐内涵需要借助精湛的钢琴演奏技巧予以表现，才能够真正传达出《彩云追月》的音乐艺术以及情感背景。
（一）轻柔的呈示段部分。呈示段部分为乐曲的引子部分，能够营造出良好的情景，为乐曲情景的展现和音乐内涵对比表达创建良好的条件。呈示段部分节奏以弱奏为主，运用升A小调和较慢的2/2拍子演绎而出。钢琴曲《彩云追月》的呈示段部分风格较为轻柔，使人能够随着音乐踏入轻盈的云端，展现着朦胧而舒缓的感觉[3]。在对呈示段部分进行钢琴演奏的过程当中，要注意在演奏中保持轻缓、柔和的演奏方式。
首先，是颤音的运用。《彩云追月》一开始便通过探戈式的旋律及富含民族色彩的五声音阶作为装饰音。采用颤音能够更好地演绎出这首乐曲，颤音音乐保持清澈、平衡，指尖集中发力，下键果断而直接。
其次，为连奏技巧的运用。钢琴曲《彩云追月》很多部分都需要使用连奏技巧来完成。以乐曲第3-4小节为例，这个部分出现15连音，则可以借助连奏完成，带来音乐的震撼感受[4]。
（二）轻快的中段部分。钢琴曲《彩云追月》中段部分节奏较为轻快，采用降D大调和3/4拍子进行演奏，在对这个部分进行弹奏的过程当中，要注意使用轻快的演奏技巧[5]。
首先是琵音技巧的应用。在钢琴曲《彩云追月》中段第37小节，可以在左右手交替中使用琵音技巧。弹奏时，左手要用大臂结合重量，运用重心转移，连贯而迅速地弹出琶音；右手则为连续琶音跑动，手腕保持放松状态，可略微抬高手位，注意把位、穿指、跨指及触键的准确性。
其次为和弦技巧的应用。在中段第45小节，则可以在连接句中通过右手使用柱式和弦来增强旋律音程。
（三）激昂的再现段部分。这个部分音程较高，节奏较快，使用升C大调和快速行进的3/3拍子，将整首乐曲推向高潮，对这部分的钢琴演奏技巧要求较高。
首先是八度技巧的应用。在再现段前5小节都是呈示段的变化再现，可以用左手把握好八度音，同时手腕和手臂配合加强弹奏力度，展现出云月相逐的美好、灵动画面。
其次为大跳技巧的应用。以53小节为例，演奏时手指不能距离琴键太远，在演奏ff力度时，加强手腕力度，留意琴谱当中所标记的指法转换部分，展现出云月停留于湖面的场景，为人们带来意犹未尽的感觉。

⑷ 钢琴基础知识入门-演奏钢琴技巧方法

钢琴基础知识入门-演奏钢琴技巧方法

钢琴普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出，作曲和排练音乐十分方便。演奏者通过按下键盘上的琴键，牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌，继而敲击钢丝弦发出声音。钢琴需定时的护理，来保证它的音色不变。下面是我为大家带来的钢琴知识，欢迎阅读。

钢琴基础知识入门

钢琴键盘

对于学习弹钢琴的人来说，恐怕没有比掌握钢琴的键盘更重要的了。从直观上看，钢琴的键盘是由黑色键和白色键共计88个键所组成(少数钢琴只有85个键)。其中黑键36个，白键52个。如果仔细观察黑键和白键就会很容易发现二者的分布和排列呈现的规律性。即：黑键是两个一组和三个一组。 从键盘上很容易发现，整个键盘基本上就是由位于“中央1(C)”的白键上面的“1 2 3 4 5 6

7”这七个阿拉伯数字音构成的。这七个阿拉伯数字又叫做音符。如果我们试着依次弹奏中央的“1 2 3 4 5 6 7”七个音(现在先不用顾及手指的运用)，并试着按照下面标出的方式唱一下每个音符：

1 唱do 2 唱re 3 唱mi 4 唱fa 5 唱so 6 唱la 7 唱xi

弹完“7”音符(xi)后,再弹上面加一个红点的“”音，可以体会出这个上加点的“”音与中央“1”音的音响感觉一致，只是音调高了一些，这既是所谓的“高八度”音。同样，弹奏中央“1”左面下加一点的“”音的音响感觉与不加点的“7”感觉相近，这既是“低八度”音。这样我们可以推断出剩下的那些上下加红点的音符的基本特征了。

现在我们再来看位于键盘“中央1(C)”用黄色圈出七个音的白键和黑键部分。黑键重复出现“b”和“#”这两个符号。“b”是降半音号，“#”是升半音号。它们都是定义其右下方的音符。如“b2”表示“降2”即“2”音降半音;“#1”表示“升1”即“1”音升半音。黑键可以用两个音符标示：如：“1”和“2”之间的黑键可以用“b2”与“#1”这两个个音表示，即：“b2”=“#1”。在本图中只是标出了中央部分的七个音符里的黑键及其相对应的音符。相信您一定能很快说出除中央1外的黑键音符。

如何才能很快记住这88个键盘和与之相对应的音符呢? 记住中央用黄色圈出的标有“中央1(C)”的“1 2 3 4 5 6

7”这七个白键音是非常重要的。要记住两点：

(1)中央“1”位于钢琴键盘盖子上的钥匙孔附近;两个一组的黑键左面的那个白键就是这个中央“1”。无论如何这个中央“1”是一定要牢记的。另外六个音顺序向右方排列而成。

(2)白键和1，3和4之间没有黑键，余下的1和 2;2和3;4和5; 5和6;6和7之间都有黑键。

钢琴踏板

钢琴的踏板(又称做踏瓣)是利用杠杆系统来使音响得到修饰，可以增加和减弱音的大小，使得音乐色彩更加富于变化。由于钢琴踏板是用脚来操纵的故又称脚踏板。一般家庭的钢琴有三个踏板。用的最多的是钢琴的右踏板。欲增强钢琴的音量用右脚踩右踏板，使压在琴弦上的止音器同时抬起来，引起全部琴弦的共鸣而增音。此外，踩下右踏板后，当手指离键时声音得以延续。若想减弱音量用左脚踩左踏版，使击弦的小槌靠近琴弦，缩短小槌的行程，从而减少小槌的敲击力。一般的立式钢琴才配有中央的踏板，这是为了在晚上练琴时不影响别人而采取的措施。把中央踏板踩下后向左边的缝隙移动即可让它长时间保持减弱音量的目的。中央踏板联动一个装有呢毡的木条，踩下踏板时木条下落挡住击弦的小槌不能直接击弦，而是击打在呢毡上，从而使钢琴音量大为减弱。

钢琴踏板的运用千变万化，一般要根据每一首曲子的风格和要求来运用。

钢琴调音

钢琴上的琴弦长时间处于蹦紧的状态，由于小槌不断的击打琴弦，加上外界震动，钢琴机械构造本身的原因，以及气候、温度的变化影响都必然导致琴弦松懈，偏离标准的音律，这样我们弹上去就感觉声音不对，不如刚调好音律时好听。钢琴调律是一个非常专业的工作，不象小提琴和吉他那么容易。所以一定是请专业的钢琴调律师来解决。一般来说，半年左右的时间调一次钢琴比较适当。

钢琴的音越准，弹奏出来的旋律感觉越舒服、和谐，所以有条件的话应该保持音的准确。

钢琴保养

钢琴琴体和钢琴外部的保护

(1)避免阳光照射和靠近暖气、火炉，导致油漆与外壳变形;

(2)注意室内温度和湿度。温度过高或过低，太干燥或太潮湿都对钢琴部件和琴体不利。北方地区通常室内过于干燥，可以在钢琴下部体内放一碗水，任其挥发;

(3)擦拭钢琴表面要用软纱布轻轻擦拭，避免划伤油漆表面;

(4)弹钢琴的手指甲不要过长，以免损伤钢琴键盘(尤其是白键盘);

(5)钢琴有四支脚轮，经常点机油以免锈主;

钢琴内部的保护

(1)钢琴内部机械除琴弦、铁骨外，主要是木质和呢毡的组合体。因此要特别注意防虫蛀。每年放一些樟脑丸即可;

(2)每年打开钢琴琴盖的上门清理灰尘，避免产生蛀虫生长的条件。

钢琴演奏的技巧

成功的音乐作品是作曲家最初的思想动机推动灵感创作，使其作品富有深刻的思想内涵，具有想象力、表现力。通过演奏家十分娴熟的演奏技巧将好的音乐作品传达给观众，其中音乐表现应当由情感来支配，应当是感性与理性的完美结合。一味地炫耀技巧是没有灵魂的音乐，因此两者有机地相容相依才能得到理想的音响效果。因此弹奏钢琴也需要高超的技巧。

音阶：音阶24个大小调是比较重要且有用的。很多大型奏鸣曲、乐曲、协奏曲都有很多地方有音阶，因此需要将音阶掌握好。弹音阶要注意的是让所有音发出来的声音都要一样，不能有轻有重，一定要注意手指的控制能力，如果弹音阶的时候还是有的.重有的轻，控制不好力度，可能演奏不出令你满意的音色和旋律。

琶音：琶音包括24个大小调琶音跟属7减7琶音。这个是建立在音阶之上的东西，主要练习手指之间的扩张和伸缩能力，也是很重要的练习。钢琴曲中琶音部分占很大一部分，各式各样的琶音都会出现，但都是24个大小调属7、减7和弦的琶音变形模式，所以弹好基本琶音是非常有用也是非常必要的。

八度：8度的演奏技巧有两种，第1个只用手腕技巧，第2个用手臂和手腕一起来完成。如果弹篇幅很长的8度片段就需要手腕技巧，如果弹最后结尾那一小部分8度就需要手臂的力量，这样才能弹出气势辉煌的效果。如果是两只手一样的8度片段，就需要手腕和手臂的配合使用，如果只用手腕或手臂就很难弹出ff的力度和很好的跳跃。

轮指：常用的轮指有3个指的，有4个指的。弹的要有较好的颗粒性，不能有任何模糊和混乱的成分在里面。比如说莫扎特的《土耳其进行曲》的开头部分就需要很连贯的轮指。

和弦：和弦方面主要还是练习方法问题。不管是几个音的和弦弹下去都要整齐，不能有前有后，P的和弦演奏要非常轻巧、干净利索， f的和弦要有种金属般的声音，弹下去的音就要沉下去，不能弹下去的和弦给人一种发飘的感觉。

大跳：这个说白了就是很机械的动作，尤其是2个8度以上的大跳纯粹是技巧方面的事情，这个一开始慢练是非常重要的，只有慢练才能让肌肉松弛下来，记住八度演奏琶音的位置，而且慢练的时候需要弧度，这样快弹的时候就不至于错音较多。

手指独立练习：掌握这个技巧需要对钢琴的弹奏有一定的了解之后。什密特钢琴教程是有一定难度的一本钢琴指法练习，但是弹过之后就会发现原来不可解决的技巧问题都不在是困难的了。李斯特的夜莺就是非常好听的一首小乐曲，但是很多人总也弹不利索，就是手指独立问题没有根本解决。

三六度和弦练习：这个是较难的技巧之一，重要是指法跟手指柔韧性，也是一个重要的技巧。对于右手较容易练习，3 、6度音阶还能能弹清楚，速度也没问题，但是对于左手，速度跟清楚只能做到1个，3、6度虽然较难弹，但能坚持练习，会有一定收获。

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⑸ 唢呐吹奏技巧与指法教学

唢呐吹奏技巧与指法教学

唢呐吹奏技巧与指法教学，唢呐这款乐器应该大家都不陌生，在我们很多的影视剧当中也是会出现的，唢呐的整体结构给人很简单的感觉，但想吹好唢呐并不简单，以下唢呐吹奏技巧与指法教学。

唢呐吹奏技巧与指法教学1

唢呐是铜木管结合的乐器，在合奏中既要起到铜管作用又要起到木管作用。

一、演奏姿势

动听的音乐加之优美的演奏姿势，不仅给观众以听觉的享受也可以给观众感官的享受。最主要的是，正确的演奏姿势有利于技巧的充分发挥。因此，演奏姿势是很重要的，良好的演奏姿势不但美观、大方，而且对身体也很有益，在初学唢呐阶段，演奏者要加以重视。

唢呐的演奏姿势又坐、站两种。这两种姿势都要求演奏者做到：身体自然放松、头部端正、两眼平视、头部自然挺起、面部松弛、两手抬起使乐器与身体成75度角、两臂自然架起。

采用坐式演奏时，两腿略微分开，两脚平放地面，腰部挺直，坐椅子的前半部分。

采用站式演奏时，两腿伸直，两脚距离25公分左右，左脚在前、右脚在后，站立成“八”字型。反之也可。在演奏过程中腰注意以下几点：1、不要驼背、眼睛不要斜视，坐式演奏时不要跷二郎腿。2、两肩平行，胳膊也要平行，不要往一端歪。3、动作不要过大，不要做作。总之无论是坐式还是站式演奏都给人以自然、舒适、优美的感觉。

二、持乐器法

手指自然分开，左手在上把、右手在下把（本指法也适合加唢呐的演奏），手指按孔依次为：左手食指放在第八孔，大拇指放在第七孔，中指放在第六孔，无名指放在第五孔，小指自然放松，分开少许放在无名指旁；右手大拇指放在唢呐杆下端三孔与四孔之间（主要是为了掌握乐器平衡），食指放在第四孔，中指放在第三孔，无名指放在第二孔，小指放在第一孔。

在刚开始练习时，手容易控制不住乐器，左手小指可依附于唢呐杆上，但不能养成习惯，以免影响正常运指。手指的基本按孔位置是以右手小指第一指肚按孔位置为标准，其它手指自然放松在乐器上。

演奏时，手指不要过于抬高，抬高手指会影响快速乐曲的演奏。不要用指尖按孔，这样会按孔不严、发音不正确。同时手指按孔时不要伸得过直，过直会运指不灵活，赶不上快速乐曲得速度，正确得运指方法是：手指在按音孔时，少许弯曲、放松，这样才能运指灵活、运用自如。

如何衡量手指基本功过关了呢？那就时空按音孔时（即不吹奏时），手指在音孔上做按闭动作能听出运指得声音，就算基本功过关了（运指得声音决不是故意击打音孔得声音，而是自然发出的声音）。

总之，持乐器时两臂、手指腰尽量放松，否则吹奏时间不长就会感到酸累，更会影响乐曲的演奏。

三、口型

吹奏唢呐时的口型是唢呐演奏中很重要的组成部分。口型就是指在吹奏唢呐时嘴唇的形状、含哨的部位，它关系到在唢呐演奏中的音准、音色、音质、强弱以及其它各种唇部技巧的发挥。

一般吹奏唢呐的口型是：哨片位于双唇中间，上唇靠近哨面根部约哨片的四分之一处，下唇含哨约三分之一或三分之二处（三分之二处多为弱奏），在吹奏过程中，口型的控制力度要随着吹气强弱、音量、音色、技巧的变化而变化。

在初练时嘴和两腮会感到酸并且无力，还会出现发音部正、出现噪音等情况，这都是正常的，经过一段时间练习后，这些现象就会消失（另外。提示初学者在吹奏时不可鼓腮）。嘴上功夫过关的标准是：在吹奏时间长的情况下，控哨自如，嘴唇感到不酸不累，基本功就算过关了。

四、气的运用

吹管乐的呼吸方法有三种：胸式呼吸法、腹式呼吸法、胸腹式呼吸法。吹奏唢呐是用胸腹式呼吸法（俗称丹田气），这是目前被公认为最科学的方法。

下面介绍一下胸腹式呼吸法：

1、 吸气

吸气时，小腹放松，用嘴和鼻子同时快速将空气吸入，气至丹田，即小腹，尽可能多一些，这对腹部和腰部都应有充满气的压力的感觉（民间所说的气到丹田），胸部腰感觉轻松。另外有一种说法，吸气时小腹收缩，这时错误的。因为吹奏唢呐的用气量很大，小腹收缩容气量很小，满足不了唢呐吹奏时的用气量，而且吹奏时间越长对肺伤害越大，所以这种方法时不可取的。

2、 呼气

呼气时（吹奏时），随着吹奏唢呐的用气，小腹逐渐收缩，气有节制、均匀的向外呼出，使唢呐保持音准，音色圆润、优美。

那么怎么才算气功过关呢？每当吸气时，气能迅速到达丹田，而小腹不是故意鼓起，用气自如、长短皆可，就算气功过关了。

五、超吹

超吹高八度时，要求舌、唇、气三个方面结合好，舌轻吐哨片，嘴稍放松，气加足，即可奏出高八度音。高八度音靠气的压力保持稳定，而不是双唇紧夹哨片，这样会使高音不稳定、音色不饱满并且容易破音。

唢呐吹奏技巧与指法教学2

唢呐的吹奏技巧

唢呐，几百年前就在我国民间普遍使用，是用芦苇制成的双筑哨片，它对气息力度的变化，以及嘴唇对它的控制力是非常敏感的，要控制它，应掌握以下几个方面：

(一)持法：

唢呐的八个音孔都需要用手指按满，如果音孔不严实，吹时容易出噪音或者出音不准。怎样才能把八个音孔都按严实呢?正确的持法是：两手手指自然伸直按满八个音孔，上把四指是前三后一(一般用左手)，小指不按音孔，即用大拇指按后面一孔(即第七孔)，其它三指依次按第八、六、五三个孔；下把四指(一般用右手)拇指不按音孔，其它四指依次将第四、三、二、一音孔按满。

(二)口形：

吹唢呐最讲究口形，它对音准的控制，音量的.变化以及演奏技巧的发挥，起着十分重要的作用。如果口形不对，不但音色不美还会影响音准。正确的口形应是：在未吹奏时口腔满实，毫无间隙，唇肌和颊肌处于松弛状态。

吹奏时，唇肌以哨片为中心收缩、靠拢，此时口腔内空呈椭圆形，但嘴不可太往前撅，也就是说上下唇自然、松弛、美观地搭于哨片之上，含哨位置应于双唇正中，基本不接触气盘，唇边与哨座相齐，两唇对哨片的控制力度应与吹气的流量控制配合，并根据音高、音量、音色以及某种技巧的不同要求，决定唇控力度的大小和吹气流量的多少。在演奏乐曲的过程中，每个音的发音音头对音质优劣，起着决定性的作用。

(三)呼吸法：

掌握好呼吸是吹管乐的基本功。一般常说：“气足音满”，这就是说足够的气息是“音满”的基础。比较好的呼吸方法是“丹田呼吸法”，即“胸腹式呼吸法”，在吸气时，小腹向里收缩，胸部和肋骨向外扩张；呼气时，不是像平时只用肺部的呼气那样动作，而基本上是用小腹的动作来控制呼气的急缓。

练习呼吸要注意三点：1、呼吸时，全身与呼吸无关的部分都要放松，吸气要多要快；吐气要少要慢。2、要保持呼气与吸气的连贯性，不要等第一口气完全呼完后才开始吸第二口气，而应在第一口气未完全呼尽之前就开始吸第二口气，这样才能连贯不断地进行下去。3、一般情况都用鼻子吸气，只有在抢气或者用鼻子吸气还不够时，才用口、鼻同吸。

(四)口风：

口风就是通过哨口的气流。唢呐发音强弱主要通过口风来控制：口风急，出音就强；口风缓，出音就弱。吹奏高低不同的音时，口风也有所不同。吹高音，口风要急些；吹低音，口风要缓些。口风对音准有很大影响，口风的急缓掌握不好，能使出音偏离正确的音高，如偏高、偏低半音甚至达一个全音。所以口风很重要，它是吹唢呐的基本功之一。长时期的训练，方能达到能强能弱，能柔能刚。

(五)换气法：

换气法有两种，即“自然换气法”和“循环换气法”(也称鼓腮换气法)。自然换气法这种方法好比说话、唱歌时一句结束或中间停顿需要换口气时所用的自然的换气一样。不过吹唢呐用气要多，因为没有足够的气就吹不出声音，尤其是吹高音时耗气更多，所以吸气要足。根据乐曲的需要有时要在短促的间隙中换气，这叫做“抢气”。只有多吹多练，才会熟练地掌握。

(六)全音和半音的吹法：

唢呐将八孔都按住，吹出来的是筒音，筒音=5，放开第一孔(即最下端的一个孔)，吹出的音比简音高一个全音6音。再放开第二孔，吹出的音又会升高一个全音7音。如果再将第三孔也放开，所得的音却只能升高半音l音。这是因为按照规格制成的唢呐A个音孔之间的距离不是均等的

第二、第三孔和第六、七孔之间的距离比较小些(相当于半音)，按上述顺序连续地吹出一系列音时，正符合大音阶所需要的音程关系，排列起来就是大音阶中的567123456这九个音。除此之外还有气息控制的方法。如加力或减力吹都可以使音升高或降低半音。在快速吹甚至根本来不及时，就只能靠气息控制了。

(七)平吹与超吹：

口风缓些，吹较低的音，这种吹法叫“平吹”；口风急些，吹较高的音，通常最易吹出的是比它高八度的音，这样吹法叫做“超吹”。如果超吹和平时吹出的音相隔小八度就叫做“借孔吹”，这只是偶尔需要特殊效果时才用的指法，一般不多用。

综上所述，唢呐控制技术只有在掌握理论的基础上，在吹奏实践中加以苦练，并逐渐认识体会，才能最终熟练掌握。

唢呐吹奏技巧与指法教学3

如何学习唢呐

初学者是指没有接触过唢呐的人，但是每个人的自身条件不同，比如有人可能以前吹奏过笛子；有人可能弹过电子琴或者别的乐器；这些人本身就懂乐理，学起来也非常快。但是也有的人压根就没接触过任何乐器，甚至啥也不懂，这样学起来就很吃力了。

这部分人怎么办呢？找一首自己熟悉简单的曲子，比如世上只有妈妈好，妈妈的吻等等，照着谱子唱，把它唱熟，做到心中有谱子，你就可以演奏了。有条件的可以上网搜一下简谱的乐理知识，每天学一点，日积月累。

唢呐的指法有几种，对初学者来说学会两种就基本可以了。一个是D调指法，筒音当低音5，一个是G调指法,筒音当2

唢呐的演奏方法

唢呐是双簧乐器，有人说唢呐的灵魂是哨片，但是晓盼老师和赵明老师说气息才是唢呐的灵魂。换句话说，学唢呐就是在练气息和指法。

演奏嘴形：晓盼老师总结六个字，唇肌收，笑肌咧。通俗说就是嘴唇的肌肉收缩，呈微笑状。含哨片三分之一或者三分之二，视情况而定。

气息：气息是唢呐的灵魂，如何正确运用气息演奏唢呐对初学者来说至关重要。常听老师们讲，吹奏唢呐要运用丹田气，才不会感觉胸闷、头晕，唢呐的声音才能圆润、饱满。

吸气：啥叫丹田气？赵明老师讲过，所谓丹田气是民间叫法，是习武之人的一种叫法。其实丹田气就是胸腹式呼吸法，而且每个人都会。我们在正常睡眠时候的呼吸就是胸腹式呼吸，气息是下沉的。所以在练习呼吸的时候可以感觉一下睡觉时的呼吸方法。吸气时要迅速，缓慢呼出。

呼气：深吸一口气，将手掌心或者手背放在嘴前方两三厘米处，来感觉呼出的气息，感觉出呼出的气息是热的，呼气正确；感觉到呼出的气息是凉的是错误的。

练习：初学者没有捷径可走，就是拉长音，每个音能吹多长时间吹多长时间，也可以一开始吹八拍，以后再增加拍数。每天至少半小时，天天坚持。要练到晓盼老师说的，低而不散，高而勿炸。

保养：新唢呐买回来以后，可以用橄榄油擦拭，以免日后开裂。唢呐要经常清洗内膛、钦子，以免有脏东西影响唢呐的音色以及演奏。

高音：高音上不去或者不好上，是初学者常见的问题。在换了好的钦子以后，还需要一定的技巧。在超吹上把音的同时，要用手指带一下。比如筒音做2，在超吹高音1的时候，左手将上把的三个音孔全部盖住，超吹时迅速抬起中指，相当于吹中音6在滑到高音1上。

⑹ 古筝的演奏技巧及欣赏方法

古筝的演奏技巧及欣赏方法

古筝是一件古老的中国民族乐器，一共10级。下面我来给大家介绍古筝的演奏技巧及欣赏方法，希望对大家有帮助!

一、关于古筝演奏的一般技巧

在古筝演奏中，肩、臂、腕、指是主要运动部位，本文将上述部位的肌肉在演奏中的作用以及伸、缩原理，演奏姿式与演奏方法分别简述如下：

1、肩部弹筝时的肩部运动，主要由肩关节外面的三角肌，胸部的胸大肌、胸小肌;肩胛上方的斜方肌;背部的背阔肌、菱形肌、斜方肌等作用下实现，初学弹筝的同学，由于方法掌握不当，这些肌肉容易过分紧张，时间稍长，即感到疲劳，如果不及时把这些部位的肌肉放松下来，就会出现背部、肩部酸痛症状。所以肩部的放松是个很重要的问题。只有肩部高度放松，才能使上臂、前臂、手部处于放松状态，能以较少力量获得较好的演奏效果。

2、上臂弹奏中上臂经常需做外展、内收和屈伸等动作。上臂向外上方和内上方抬起，分别叫外展和内收。上臂向前方运动叫屈臂，向后方叫伸臂。这些动作都是在胸部的胸大肌、胸小肌，背部的背阔肌、萎形肌、斜方肌，肩部的三角肌等肌肉群协同作用下实现的。演奏时这些部位的肌肉放松、紧张程度直接影响上臂动作，只有在大脑支配下，才能使演奏动作舒松自然，协调一致。

在实际演奏中，不要把上臂和肘抬得过高，一般以上臂外展与侧胸壁成45°角左右为宜。如果上臂过于外展，肘必然支起太高，致使上臂始终处以紧张状态，反之，上臂挟得过紧，也会造成上臂的紧张、影响上臂和前臂动作的灵活。

3、肘上臂屈肌(肱二头肌和肱肌) 和伸肌(肱三头肌) 的起点在肩，止点在前臂，中间跨越肘关节。因而它们的伸缩能使肘关节产生运动。当屈肘时，屈肌收缩，伸肌则适当放松，但仍保持一定的紧张度，从而保证肘关节屈曲适度，移弦动作准确。如果伸肌绝对放松，屈收缩程度过大，那么屈肘程度则大，使屈肘超过预定位置;如果伸肌放松程度小，那么，屈肌收缩程度必不能大，则屈肘程度也小，使屈肘达不到预定的位置。可见，弹奏动作的准确程度是由屈、伸肌群控制的，只有屈伸肌群收缩、舒长适度才能达到动作准确。要想达到这个目的，必须经过长时期艰苦的练习，使肌体受到充分的训练，提高其动作的准确性。

4、前臂前臂屈肌群可屈前臂，使前臂旋前，屈腕，使手内收，屈近侧指关节，掌指关节，屈拇指关节。前臂伸群可伸腕、使手外展、伸指、使前臂施后，外展拇指，伸拇指掌关节。伸拇指指间关节。因此上臂肌内群的放松与否直接影响前臂，前臂肌肉群放松与否直接影响腕和手。

5、手腕手腔的屈伸动作以腕关节为枢纽。腕关节由八块小骨组成，便于上、下、左、右和旋转运动。在演奏中，手腔的松驰、灵活与否，直接影响手指弹奏，因而是个非常关键的问题。如果手腕不灵活，必然导致前臂过多参加运动，使力臂加长，演奏动作加大，造成动作迟缓，发音生硬，呆板。

一般手腕常见毛病有以下几种：

(1) 手腕过于屈曲。由于前臂屈肌群的紧张(即收缩) 使手腕屈曲，屈肌群紧张度越大，手腕屈曲程度则越大。前臂屈肌群的过分紧张，造成手腕过于屈曲，从而使手指缺乏力度和弹性，手指运动发生困难，影响弹奏。

(2) 手腕过于后伸。这种错误姿势使上臂过分抬高，前臂和手部肌肉一直处于紧张状态，从而造成抬指和弹弦的困难，在臂力下达指尖过程中，由于腕部塌陷使臂力失去一部分。

(3) 手腕过于平板。由于手腕姿势过于平板，手指必然散开，因而在弹奏手中指动作加大。同时导致各指弹弦点和弹弦方向不一致，影响音色和力度。

(4) 手腕向右歪扭。手腕的歪扭必然造成掌与前臂肌肉过分紧张，如果长时间采用这种不正确姿势，不但影响手指的弹弦方向和运指的灵活性，而且腕部肌肉亦易劳损。

(5) 手腕僵死。控制手腕运动的屈肌群和伸肌群完全处于紧张、僵持状态，使手腕屈伸发生困难。

上面列举的五种常见毛病，是指在一般演奏情况下和在中音区演奏位置上不应有的手形，由于受筝面板弧度的限制，手腕的屈曲程度应随着弹奏音区的变化而调整。在低音区，手腕屈曲程度大一些，而在高音区的演奏，尤其是在右手弹奏旋律和“摇”奏法时;由于面板弧宽的变化和距上体过近，手腕不但不能屈曲，有时还要向下塌陷一些才能演奏好。

演奏颤音技术，左臂和腕部紧张是常见的毛病，为了克服它，要象初学者那样，先学会左臂放松，然且再学颤音技术。

在演奏颤音技术时，左臂始终要具有肌肉的“恒常性紧张”和“支撑性紧张”，使左臂保持颤弦姿势。在手指下压琴弦时，手臂又具有“功能性紧张”。手腕桡侧屈腕肌和尺侧屈腕肌同时收缩，使手腕坚强有力。臂、手成一整体，指关节立住，不要塌陷。利用整个手臂的重量下压筝弦，使弦音升高。然后控制前臂提起的肌肉群及时把前臂手提起，同时腕和手部肌肉放松，使弦音复原。在手臂放松后，上臂和前臂仍保持“支撑性紧张”和“恒常性紧张”，从而实现一次颤弦动作。按照这一方面，在一定的速度中连续动作若干次，即形成颤弦技法。

6、手指控制手指运动的肌肉在弹弦的瞬间，屈肌要迅速收缩，伸肌要迅速放松、完成弹奏动作后，屈和伸肌同时放松，但仍保持一定紧张度(恒常性紧张) ，以备下一个演奏动作的进行。手部肌内在整个演奏中，一直处于这种张与弛的无限反复状态。

弹弦时，应以掌指关节带动手指关节运动为主的运指方法。指尖动作要灵活主动。各指的弹弦点应基本保持在与前梁相平行的一条线上。手型始终成漫圆型。各指指关节和掌指关节不要塌陷，否则手臂力量不能直接下达指尖，没有进行弹奏的各指要自然下垂，不要翘起来，有人不自觉的把小指翅起，这是小指肌肉紧张所致，即不美观，又影响其它各指的放松和用力。弹奏时要训练指尖弹奏瞬间的爆发力，如果爆发力大，出音才能坚实响亮。在弹奏抒情慢速乐曲时，虽然手指动作相对减慢，也要注意手指触弦瞬间的爆发力。后者与前者对比，只是爆发力大小不同而已。即使用扶弦演奏方法也不能用指尖轻飘飘的去抹弦，否则会使声音轻弱无力，不能给人以清心透明之感。

弹筝运指技巧的关键，在于手指动作的准确与速度。筝的发音是靠手指弹弦而发出，手指的弹弦动作极度准确是靠日积月累、艰苦的训练而获得。如果能把乐曲中最困难的技巧用正确演奏方法反复训练几十次乃至几百次，使有关肌肉得到充分训练，那么，将必然精通这一技巧，达到极度准确的程度。

二、关于古筝独奏曲的欣赏

民族器乐曲，是浩瀚如烟海，灿烂若繁星，琳琅满目，美不胜收。

古曲《古江花月夜》是一首优美动听的民族器乐曲，是我国音乐宝库中的瑰宝。它籍以山水之巍峨洋溢，花木之幽芳荣华。水光云影奇诡变幻。这一情状皆可宣之于乐，以传其神，而合其志精湛音乐诗画，深刻形象地反映了我国各族人民，广阔胸襟和刚直不阿的高尚情操。本文以《春江花月夜》为例，对欣赏方法作如下解说：

(一) 乐曲源流

春江花月夜是一首着名的琵琶独奏曲，原名叫《夕阳筲鼓》，见于已故琵琶演奏家吴婉卿1875年的'手抄本。至1895 年平湖派琵琶演奏家李芳国收入所编《南北派十三套大曲琵琶新谱》(工尺谱本) 中，更名为《浔阳琵琶》，这时乐曲已发展为十段，由李芳国分段标以夕阳筲鼓、花蕊布迥风，关山临却月、临山斜阳、枫荻秋声、巫峡干寻、筲声红树里、临江晚眺、渔舟唱晚、夕阳影里一归舟等十个词藻华丽的小标题。以后又有人将曲名改为《浔阳月夜》、《浔阳曲》。

乐曲以唐朝诗人白居易的长篇叙事诗《琵琶行》的诗意：“寻阳江头夜送客，枫叶芦花秋瑟瑟”相联系而成曲的。虽然标题与《琵琶行》中诗句：“春江花朝秋月夜，往往取洒还独倾”相似。但乐曲情趣已超脱“枫叶芦花秋瑟瑟”的秋意晚江别，而强调了“春江花月夜”的春意江夜美。

(二) 意诗意趣

《春江花月夜》的旋律大多较为典雅、轻快、细腻、流畅，并具有绵延起伏和级进等特点。

全曲由引子，主题乐段，主题的八次变奏及尾声构成，是一道独具特色的变奏曲。这种曲式由一个音乐主题乐段作基础，其它各乐段运用各种变奏的手法加以变化，丰富了音乐表现力，推进了音乐发展。这种手法善于细腻，深刻地从不同的意境和角度，去揭示乐曲主题内容，塑造音乐形象。乐曲通过优美质朴的抒情旋律，流畅而富于变化的节奏，丰富多彩的各种演奏技法，有如一幅动人的长卷山水画，贴切地表现了乐曲的诗情画意。下面就曲中的几段音乐做简要的介绍：

引子部分，乐曲第一段江楼钟鼓，是引子及主题显示部分，由清脆嘹亮的古筝滚指连重奏法起奏开始，形象的模拟鼓声由慢渐快。接着引出具有江南风格的音乐主题，抒情、优美、婉转如歌。句尾的大鼓滚奏音形，描绘出夕阳西下，泛舟江上，游船筲鼓齐鸣的动人情景。紧接着音乐进入主题做“接头合尾”式的变奏，即变奏部分集中在每个乐段的前半部，而后半部则基本相同，也就是前变后同，故有变化对比，又有重复统一，不断推进音乐几前发展。

(三) 筝曲移植

古筝独奏曲《春江花月夜》的移植，是以琵琶独奏曲《夕阳筲鼓》为依据，先从曲调入手，在取其精化的原则下集中发展。在继承发扬古筝传统技法的基础上，着意在音质、音色、力度，速度的对比变化等方面下功夫，同时又较好地刻划调度了古筝的托、擘、抹、挑、连重托、大小勾搭、套指、滚、拂、拨、摇、撮、及压、按、滑、吟、点、空、走、弱、音、制音、“流水”等不可取代的艺术特色，使诸种手法之间，能相互巧妙地的配合，承接自如，为演奏者提供发挥艺术才华的可塑性，使乐曲增加了色彩，丰富了表现力。在曲调的进行中，各种技巧的施展，往往在节奏上形成对比，大有“你简我繁”， 我简你繁”和向更高一层，深一层的“由简入繁，繁又简，简中尽是精华点”的艺术情趣发展，听起来“慢得情联而不绝，紧得意蓄而断。”做到取意干净利落“， 绝无客声”(浊清) ，对比流畅而多变(滑、奇) ;节奏“急而不乱，缓而不断”(疾、徐) ;音质“响如金石”“， 轻而不浮”(脆、轻) ，力求圆、润、甜、脆的美声，弦必匹配、指必抓尖，因曲求音，优选弹点。运用刚柔虚实，脆中之力，明确轻、松、脆、滑、高、洁、清、虚、幽、奇、古、淡、中、和、疾、徐的要求，着意高洁雄美。在练习过程中百练知其妙趣(觉得好听) ，千练习得其趣妙， (理解它的用意) 万练则忘其为古筝之声， (化为自己情感的再现) 。

古曲《春江花月夜》气韵优雅，刻画入微，既有继承，又有出新，于悠扬秀美中见气势，于优美抒情中见豪放，音乐丰满，起伏有致，富于形象，耐人寻味。不愧为万世流芳之本。

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⑺ 钢琴弹奏的技巧

钢琴弹奏的实用技巧

熟练掌握、运用钢琴弹奏技巧，是揭示音乐内涵，塑造艺术形象，刻画典型意境的基础。掌握方法，可以让钢琴发出天籁之音，下面我为你整理了钢琴弹奏的既定技巧，可根据自身情况，以作参考，尝试练习!

一、触键方法

钢琴的触键方法直接影响弹奏的音色、音质、音量，实际上就是如何用力的一个问题，触键的用力形式包括两个方面：用力方式和传力方式。

用力方式主要体现于形式不同的触键速度，这是决定击弦速度的关键因素。以下是几种可用作改变触键速度的技术手段：运用手的不同部位，从手指、小臂到肘部、大臂乃至身体，运用不同的重力条件来改变下键速度;通过训练有素的手指肌肉力的运用，以及与重力的恰当配合，自由地控制和改变下键速度，创造出丰富的声音变化。

利用手指离键的不同高度触键，提供改变下键速度的条件，以改变声音效果;变化手指离键速度，对声音的延续及共鸣产生影响，从而带来声音效果的变化;改变触键的用力方向，如垂直纵向、水平横向、斜向、往里推、往外拉等。

手的支撑主要体现于三个方面：触键手指指尖的软硬度，手指各类关节的牢固程度，手腕及用何种方式发挥富有弹性的支撑作用。以下是可操作并可改变支撑的主要技术手段：改变指尖的坚度———从相对放松的指尖到相对牢固的指尖;改变手指触键面———从指尖较直立的形式到指面较平坦的形式，每一变化层次又可以形成指尖坚度的改变。

改变手指第一关节或第三关节的牢固程度———从第一、第三关节较柔顺到较坚挺，改变手指传力的支撑强度;改变手腕的支撑调节———手腕像一支弹簧，其功用是支撑调节，弹簧的软硬度能在不同程度上既发挥支撑作用，又发挥调节作用，从而改变手的支撑传力状态。

二、弹奏方法

钢琴弹奏方法是伴随着钢琴这个乐器自身的进化以及与之相适应的钢琴作品弹奏技巧的需要而发展的。巴洛克时期、古典主义时期未臻完善的钢琴和颗粒晶莹、典雅清秀的钢琴音乐主要采用手指跑动与小臂动作结合的方法弹奏。现代钢琴和气势恢弘、表情丰富的浪漫乐派要求必须采用手臂与躯体重量通达琴键的重量弹奏法来弹奏。

重量弹奏法作为目前钢琴演奏与教学中的基本方法被普遍采用。这种方法的核心是重量通达，即手臂与躯体的自然重量畅通无阻地通过触键手的指尖送至琴键。触键不是手指的独立活动，而是手指、胳膊及躯体共同协调动作的后果，指、掌、腕、肘、肩乃至腰肢各关节在触键时互相关联、互相影响、配合密切、张弛自如。

三、钢琴弹奏技巧的分类

(一)连奏法

连奏是弹奏者应掌握的基本技能之一，其特色是连续绵延，富于歌唱性。必须注意以下几点：1.奏后一音手指落下的同时奏前一音的手指方可抬起，“这一起一落便在同时”。2.手臂与躯体的自然重量必须始终贯于琴键，无论声音强弱必须触键到底。

(二)断奏法

断奏包括非连音、跳音、顿音与半连音等，其共性是各音断开，不可粘连;个性则程度有别，需具体对待。跳音短促而有弹性，奏所标音符时值的1?2;顿音短促而有力，奏所标音符时值的1?4;半连音若断若连，奏所标音符时值的3?4。根据乐曲对速度、力度、风格的要求与活动部位的不同，断奏又分为手指断奏、手腕断奏与肘部断奏。各种奏法对手臂下落触键与抬起离键的动作部位、活动幅度等有着具体的要求

(三)特性奏法

特性奏法主要是针对各种装饰音即倚音、波音、回音、颤音和震音等采用的奏法。装饰音的特点是对本音的装饰作用，弹奏的'时值、力度、均匀度等应从严把握，切忌喧宾夺主;同时装饰音的弹奏还受乐曲速度、力度、风格的制约，不可千篇一律。震音有同音反复、多音反复的震音，此类奏法对掌关节、指关节与腕关节的弹性、灵活性及力度有较高要求。

四、五指组合练习

包括各种音阶、琶音，各种双音、和弦与八度。音阶琶音按种类分大小调式、五声调式及半音阶;按形式分为双手同反向八度、平行三度、六度、五度及十度等。玛格丽特·隆指出：“一挥而就的快速音阶弹奏，是进入高级演奏艺术的绝妙台阶。”

音阶琶音是钢琴弹奏重要的基本练习和手指训练的重要内容之一，是弹奏者的每日必修课。弹时关节要灵活自然，以调整手指运动方向;各指之间的穿跨动作要准确敏捷，以保证上下行音连贯顺畅，还应注意各指的均匀适度与双手的平衡整齐。

双音按音程分为三六度、四五度及二七度等;和弦按结构分大小增减三和弦、七和弦、九和弦、二四五度等非三度叠置和弦、附加音和弦及多音和弦等。双音与和弦的奏法要求触键手指支撑牢固，手腕灵活而有弹性，所奏各音整齐划一。

八度与八度加音和弦是钢琴弹奏中有相当难度而又非常重要的技术课题，弹奏者需持之以恒地艰苦练习，否则是无法演奏一切高难度作品的。其奏法要领是：手指坚定有力、手腕放松灵活、肘部刚强而有弹性、大臂与背部积极配合、手臂与躯体重量下沉贯通。

特别是小手指的训练对八度弹奏作用举足轻重，它一方面是五个手指中最为软弱笨拙的，另一方面担负着音乐中最为重要的声部，两个手指一高一低，最高音是旋律，是传统音乐的灵魂，而低音则决定功能属性与色彩特色。因而要尽量缩小小手指与其他手指在力度、独立性、灵活性等方面的差距。

要获得钢琴弹奏的技巧，必须练不同类型的钢琴练习曲及弹奏各种风格体裁的乐曲。多加练习，必能掌握其中精妙。

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⑻ 小提琴演奏的方法与技巧

小提琴演奏的方法与技巧

导语：小提琴演奏抬指的方法与技巧是有规律的。大多演奏者,因急于想把一个作品演奏下来,落指在意、抬指含糊,落指有谱、抬指则往往听凭自身的习惯而任之,不去探究。 下面就由我为大家带来小提琴演奏的方法与技巧，欢迎大家阅读!

小提琴演奏的方法与技巧

一、规律的抬指可将指法变繁为简

不能想象小提琴家在演奏“tr”时不保留下方音的手指,而是像弹钢琴演奏“tr”时的动作,两个手指轮流交替起落会是什么样子。我想肯定没有人去做这种无意义的尝试。保留指是小提琴指法的特色,是演奏中必不可少的最基本的指法之一。

保留指既可称之为“落指后的延续”,又属于抬指范畴中的“晚抬”。对于演奏者来说,何时保留、何时不保留、保留到哪里再抬起,均是由演奏者本人按照自己头脑中的逻辑来认定的。在合理省力效果好的原则指导下,把关键乐句眼花缭乱的复杂手指动作理顺。逻辑清晰、起落有序,以最简捷的动作,最少的起落次数,完成最复杂的技巧。

变繁为简――是每一位演奏者必须去做的工作,也是开动脑筋练琴的基本功之一。

谈到小提琴演奏的复杂性、逻辑性,马上容易使人联想到那些誉满全球的神化人物――大侦探福尔摩斯、着名的科学家爱因斯坦等一批具有发达头脑的人物,他们均被描写成对小提琴演奏情有独钟、甚至达到酷爱的程度的人,足可证明,小提琴演奏本身就是一门极为复杂、充满逻辑又独具艺术魅力的科学。

二、培养良好的抬指习惯

一般说来,左手手指是用哪个落哪个,有的还需提前落,但绝不是落指后不用时马上就抬起来。有的仍需保留在弦上待用,以减少起落的次数。

究竟保留指多些好,还是少些好呢?如果从手指的逻辑性、省力、音准等方面把握考虑,多比少好。但如从手指的灵便、敏捷和揉弦自如的程度来看,少用有利。关键在运用得适时、适处、适度。也就是要掌握好运用的分寸。千万不要未加思索用过就抬,一旦成了习惯,这种下意识的.不良动作将在演奏中根深蒂固,很难彻底改正。

同样,当逻辑合理的抬指规律形成后,也会产生正确的条件反射,变成良好的下意识的保留习惯。当眼睛扫过乐谱时,会像头脑算度极精的围棋高手,洞察全盘,望穿百步,周密思考而无一疏漏。瞬间就能反映出谱面所未显示的抬指的内在规律,迅速形成合理而科学的手指动作的最佳逻辑组合。也就是说,脑筋开动得多了,越用越灵活,越用思维越严密,越用反应越快,脑熟也同样生巧。

三、可以会而不用,不能用时不会

符合逻辑的手指起落是左手基本功之一。

观察演奏者的指法逻辑,特别是抬指规律,其思考的逻辑性及用脑练琴的程度便可一目了然。

如果我们把练习分为三个阶段的话,那么,读谱试奏可称之为一度用脑阶段。旨在了解作品风格、布局及全貌。然后要进入选择最符合音乐要求的弓、指法,这为二度用脑阶段。在这个阶段中所要寻求出的指法内在规律,已是谱面上所未显示的了。在三度用脑阶段,主要是深入挖掘音乐内涵,不断增强理解,独立并有所创新的处理乐曲直到完美再现作品。

在第一阶段,新鲜感会使人兴奋。第三阶段,即将成功地再现作品令人喜悦。

唯有第二阶段所面对并必须做好的是那些近于繁琐又艰苦、耐心细致的工作――即头脑对指法逻辑的全面推算、比较、判断和应用。这恰恰是极易被忽视的。每个落下的手指,抬早了会增加起落次数和复杂程度,打乱手指逻辑,会感到忙乱;抬晚了会给后面再落的手指增加额外的负担和不必要的难度,会感到笨重。只有抬得不早不晚,使手指落得有道理,抬得有规律,有条不紊,精确有序,才能在今后面对听众的演奏中从容不迫、正常发挥。

只重视一、三度用脑阶段的练习,忽略或不够重视二度用脑练习的,只能说是用脑不足或“半脑练习”。唯有重视二度用脑,不再把练琴看作单纯落指的练习,而是看成落指与抬指的整体艺术时,才可称之为用脑练习或“全脑练习”。

对于抬指的规律,可以会而不用(如在慢速的歌唱性乐段),但不能用时不会(如在急速的技巧性乐段)。

通晓指法逻辑,熟谙内在规律,是严格手指训练的重要一环。

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⑼ 二胡演奏方法与技巧 二胡演奏技巧的训练方法技巧

1、正确的演奏方法

二胡正确的演奏方法:左手持琴，选择一张高度适中的椅子，靠前坐，两腿平放、自然分开。上身要保持自然挺拔，不可养成驼背、斜肩、歪身、低头等不良习惯。二胡的琴筒应放在左腿靠近小腹的位置。持琴时左臂自然弯曲，肘部不要抬的太高，应与身体侧面成 45 度角。用手指尖按弦。右手拿弓时，自然弯曲成半握拳状态，将弓跟部位放在食指第三关节，食指自然弯曲，轻扶弓杆。拇指按在弓杆上方第一关节处，中指和无名指深入弓杆与弓毛之间，用中指第一关节向外顶住弓杆。

演奏者发音纯净，音色优美悦耳动听，主要取决于右手握弓技巧的掌握。弓子运动时，要将各指的正确位置掌握好，并要注意之间的配合，拉外弦时，要根据二胡运弓力量和结构纵横用力，弓杆自然下垂，稍加一点横的力量便可演奏轻的声音。拉里弦时，由于二胡的结构和运弓力量的纵横需要，则需将弓杆稍松起离开琴筒产生纵的下垂自然力，这和拉外弦弓杆自然下垂的道理一样。

2、在放松中自如的揉弦

放松是演奏乐器专业的共性，放松不等于松懈，控制不等于紧张。在初学者中，一提到用力，往往给人一种错觉，右手紧握弓子，处于一种僵硬紧张状态。用力在演奏中和放松一样重要，比如，左手技巧必须在科学的使用手指自身重量的同时，有意识的利用指掌关节和肌肉的爆发力，使手指有力的按在琴弦上，然后放松。右手持弓，开始时必须对琴弦施加适当的压力，使琴弦自动的振动。所以，放松与用力始终是相辅相成的，加上实践中认真的体会，刻苦的练习，才能使我们的演奏自然、协调，获得理想的艺术效果。

二胡是一种赋予抒情性、歌唱性的弓弦乐器，具有优美柔和的音色。音色的表现与变化，离不开揉弦的运用。运用自如的揉弦，既能给声音以活力，增加音乐的色彩和情绪上的变化，使声音更富有魅力，又能增强演奏的感染力，更好的揭示音乐所表达的内容、风格和塑造音乐形象。二胡揉弦种类很多，有滚揉、压揉、滑揉等。滚揉是揉弦中最基本的技法。滚揉是以手掌上下摆动，带动手指第一关节作屈伸运动，使指尖在音位上均匀地滚动，来改变弦长产生音波地揉弦方法。滚动揉弦由两个过程组成，一是手掌上提使手指第一关节伸直，以指面触弦，此时发出比音准基线略低的音;二是手掌下摆，使手指第一关节弯曲，触弦点滚至指尖部位，此时发出比音准基线略高的音。以上这两个过程循环往复，手指就在音位上均匀地滚动，从而发出围绕音准基线上下波动的揉音。

3、加强长弓的训练

长弓是右手技术中最基础、也是不容易掌握好的弓法，演奏长弓打好基础，学习其它弓法就具备了有利条件。

长弓的运弓是以肩关节为总枢纽，用上臂动作带动小臂、手腕和手指，形成贯穿的联合动作。动作既要自然协调，还要使弓毛擦弦的力度保持均衡饱满。保持力度饱满的关键是，上臂必须要稳，而不能在运弓时松松垮垮，晃晃荡荡，上臂晃荡运弓就会泄劲。运弓时上臂要支持住小臂，小臂再支持住手，由于这一系列的支持作用，才能使手腕保持住一种内在的力量，即腕力，从而使弓子逼住琴弦，发音才能响量饱满。

演奏长弓要注意音质优美动听，好的音质纯净透亮、饱满坚实，坏的音质暗色浑杂、轻浮虚弱。奏出好的音质就要运弓的速度和力度之间配合适度，使琴弦充分振动起来。否则，若弓速慢而弓毛对弦的压力过大，发音则暗涩浑杂;若弓速快而压弦力度过小，发音则轻浮虚弱。总之，坏的音质都说明琴弦没能充分振动起来。因此，在练习长弓时一定要注意使运弓的速度和力度配合好。

⑽ 钢琴正确的弹奏方法和技巧

学钢琴 的人有很多，在学钢琴的过程中，要掌握好正确的弹奏 方法 和技巧，才能随心所欲的弹奏自己喜欢的歌曲。下面我整理了钢琴正确的弹奏方法，供你阅读参考。

正确弹奏好钢琴的方法技巧

一、正确的指法非常重要，是弹奏好钢琴的最重要的因素。指法就如同盖一座高楼，要打地基一样，地基打的不牢固，不结实，不科学的话，那么楼房盖不到几层就会倒塌，目前的钢琴教学中轻视这个环节的现象普遍存在。

二、以“美”为诱因，激发学生的学习兴趣钢琴教与学的互动中有听觉体验、亲身参与、实际操作等主要过程。学生每接触一部作品，必须“聆听”“欣赏”，因此，“示范演奏”是钢琴教学的首要环节。而在目前的钢琴教学中轻视这个环节的现象普遍存在。笔者认为：这个环节非常重要，教师充满激情的示范演奏不仅能激发学生的美感，而且会给学生带来感官上的最直接的、全方位的体验。而只有当学生对所感知的美有深刻的体验时，才会产生了解并驾驭其作品的渴盼心理。

因此，在教学中我特别重视“示范演奏”，用细腻的音色，张弛的节奏，抑扬顿挫的力度，扣人心弦的和声。生动变化的速度等表现手段为学生展示作品，提供美好的听觉体验。实践证明这样的效果很好，不仅能引起学生的心灵共鸣，激起学生的丰富想象和学习欲望，更重要的是教师与学生在表现与感受美的互动中，相互之间有了心灵的接触。当师生心理相容时，学生会产生一种亲其师信其道的心理而开始积极愉悦的主动学习。毫无疑问，“美”在此产生了一种春风细雨润无声的潜在效应。

三、挖掘音乐因素，培养审美意识和审美能力

“分析作品，处理作品”是钢琴教学的重要环节。如果教学仅停留在启发热情、激发练习欲望这一层面上，那么这种激动也许只是昙花一现。理解、表现作品本身就是一个审美过程，传统的“单向”方式教学常常忽略这一点——教师在诠释音乐内容时不注意引导学生感受、参与这一审美过程，虽然有时也让学生讨论乐曲分为几段、每段描写什么内容、应该怎样演奏等，但最后总是习惯让学生照葫芦画瓢，因此弹奏千篇一律，缺乏个体风格。如此教学无法培养学生主动的审美意识，他们会逐渐形成一种依附教师的心理。显然，这种“单向”方式的教学不利于培养学生的审美能力。那么，怎样培养学生在分析作品的理性思考中想象美、发现美，在表现作品的实践操作中创造美?对待级别较高的学生在分析作品这个环节上作了尝试：一是根据作品的内涵，从文学、美学、历史等方面多视角、多元化方向作知识延伸，让在广阔的 文化 背景中理解作品，形成个体的、独特的理解;二是引导学生从曲式、和声、旋律、织体、调性等构成钢琴作品的各种元素的不同构造中感受钢琴作品的特点，同时辅以听录音、看录像、听演奏等手段，强化学生深层次的情感体验，使学生能富有创造性的去挖掘每一首乐曲的内涵。

四、创设平台，培养学生创造美的能力

在钢琴教学中，“回课”是检查学生练习效果的途径。针对以往“回课”时学生上台怯场、演奏呆板的情况，对有些学生在“回课”时作了如下改进：一是创设表演氛围，采取“表演五分钟”“大型演奏会”“优秀者表演”等方式回课，给学生充分的准备时间，并辅以课后辅导，让学生对上台表演充满自信。实践证明，在钢琴教学的各个环节贯穿审美因素，将感受美、体验美(想象)、发现美(创造)、表现美贯穿教学的全过程，能提高钢琴教学的效果。钢琴教学中“美”的积极效应，将逐步提高学生对美的感受力、鉴赏力、创造力和表现力。一个具有美的修养和审美能力的人，才懂得热爱生活、热爱事业，才是一个人格完善的现代型人才。培养出这种新型人才，应是音乐课程“美育”价值的最终体现。

弹好钢琴方法：学习 五线谱

众所周知弹钢琴最后都需要快速的看谱，这样才能快速的弹奏曲目。所以嘘唏看五线谱非常重要，因为这是基础的基础，不会看谱你就不能弹出好的乐曲。当然了，学习五线谱也不是一天两天的事，在刚开始学弹钢琴时看五线谱的能力都不是很强，但是只要你认真练习，坚持练习，那么在你在上海学钢琴的实力提高后，你看五线谱的能力也会增强的。

弹好钢琴的方法：掌握正确的手型

在学钢琴时老师都会教导你掌握正确的弹钢琴的手型。因为钢琴键盘琴键的排列是需要手与手指相互配合的，你的手势不正确很可能不能准确的弹奏。曲目演奏的是否流畅很大程度上与你的弹奏技巧有关，但是也与弹钢琴的手型有很大的关系。那么，什么是正确的弹钢琴的手型呢?那就是手掌和手指都在最放松的状态时的手型，因为放松状态下手型是最符合人体工学的手型，在理论上讲这种放松状态下的手型也被叫做基本手型。

弹好钢琴的方法：钢琴的基本手型

1、手指自然的弯曲，手掌虚空，手指指节凸起，通常刚学习弹钢琴时都会我一个鸡蛋来练习的。

2、分开手指，每一个手指都放在一个钢琴琴键上大概二分之一的位置。

3、手臂与手指应该与钢琴保持水平。弹奏黑键的时候，手指与手臂都应该向着黑键的位置往前挪。