1. 油画的作画技法有哪些
油画是以用快干性的植物油(亚麻仁油、罂粟油、核桃油等)调和颜料,在画布亚麻布,纸板或木板上进行制作的一个画种。作为一种艺术语言,油画受明暗、笔触、色彩、线条、肌理、质感、光感、构图等造型因素的影响,因此作画技法显得至关重要。油画的作画技法作用在于将各项造型因素综合地或侧重体现出来,使一幅油画能更加完美的展现出来。那么油画的作画技法分别有哪些呢?
1、 油画“点彩”画法。"点彩"即使用小号油画笔以色点形式塑造物体。在这种纯粹的表现形式中,色点是未经调和的纯色,颜色以极小的形状直接运用。
2、 油画“色块”拼接法。油画色块作画法是油画直接画法的一种基本方式,完美使用这一技巧的艺术家是19世纪法国画家保罗·塞尚。"色块"是指艺术家运用蘸满颜色的画笔在画面上"摆"出的块状笔触。这些色块有机组合在一起,构成具有可视形象的画面整体。绘画的全过程都是在色块的交织中进行的。
3、 油画技法多层覆盖法。多层覆盖法是相对于油画一次性作画法定义的。在一次性作画法中,物体的造型及色彩必须兼顾完成,而多层画法是分步进行的。首先在底色层上或精确或粗略地勾画出素描关系,在不过多考虑细节的基础上薄涂一层颜色,然后铺设覆盖层。欧洲古代大师在铺覆盖层时通常采用一次完成作画法,这样能保持画面的生动感。同时也常用坦培拉颜料作底色层,坦培拉颜料含油少,干得快,并且能够提高覆盖层各种色彩的亮度。
4、 油画直接画法。油画直接画法要求画家功底比较深厚,而且需要熟练的掌握其他的画法。直接画法是综合各种笔法和刀法,直接在画面上解决形与色的问题,直接画法操作灵活,而且完成作品时间较短。能够充分的体现油画的艺术技巧。也是写实派画家常用的技法。
5、 现代的直接画法与古代的直接画法是有所不同的。现代直接画法主要是凭画家瞬间的洞察力,准确把握和扑捉光与色的感觉,用随心所欲的"速写"方式,直截了当地塑造形体,具有即兴而作的清新感。它能充分发挥画家的艺术创造力,使画家能够以饱满的热情,娴熟的技艺,纵情挥洒抒发情感。雷诺阿这样说:我作画根本没有什么条条框框,当我观察一个裸体时,所见到的无非是上千种细微的色调,我得千方百计找到一些生动的色调,以便使我所画的肉体在我的画布上颤动起来。古典油画中的直接画法是指用不透明色或调和了白色的颜色厚厚地直接着色作画,它区别于提白罩染。
6、 油画“拼贴”法。油画的拼贴法即是在绘画过程中,为获得独特的艺术效果,运用实物,如报纸、画片、相片等,根据设计意图剪裁成所需的形状,粘贴到画面上。通过绘画本身产生的肌理、轮廓线的运动变化、色块的对比呼应,改变粘贴物的物质性,具象或抽象地表达作者的意蕴。
7、 油画抽象画法。抽象画是针对有具象内容的绘画作品而言的。抽象画强调画面的点、线、面、色彩、笔触、肌理等纯绘画语言的构成,具有只可意会不可言传的隐喻和内涵。它是油画作者与观赏者之间心灵的对话和情感的交流,同时又是作者智慧的体现。
以上的就是关于油画的作画技法有哪些的内容介绍了。
2. 国画绘画技巧
国画绘画技巧
国画泛指中国绘画,是近代为区别明末传入的西画而出现的名称。我提供了有关国画绘画技巧,希望能够切实的帮助到大家。
中国画技法包括山水、人物、花鸟画的基本绘画技法。
中国画技法最显着的特点就是以墨线为基础,用以表现物象的轮廓、明暗、质感,同时通过墨线还可表达作画者的思想和精神。中国画的墨线本身就具有一种独立的美学价值。
中国画的技法,实际上可以理解为中国画家运用毛笔的方法,也就是因毛笔而产生的用笔、用墨的.技法,其中墨法中包含了色彩的技法。在中国画的发展过程中,特别是到了元以后(文人画家的介入),中国画的抒情意味越来越浓。中国画的笔墨的含义,已不是简单的技法问题,而是中国画的代名词。在中国画的笔墨观中,渗透了中国画的精神。简单说来,中国画的笔法,是由点、线、面组成,而线条的运用是最重要的。墨法,就是利用水的作用,产生了浓、淡、干、湿、深、浅不同的变化。中国画的书写线条的方法被称为“用笔”,中国画用水墨的方法,被称为“用墨”。
古人总结了用笔的几种特点:
1.平,如“锥划沙”,力量匀实,不结不滞,只有控制住笔,线才能平实有力。
2.圆,如“折钗股”,丰腴,光滑圆润,圆转有力,富于弹性,转折自如,刚柔相济,富于弹性而有力量。
3.留,如“屋漏痕”,高度控制,积点成线,不漂不浮,象刻进墙皮,沉稳有力。线条是高度控制,行处皆留,意到笔随。宋郭熙说:“一种使笔,不可反为笔使;一种用墨,不可反为墨用。笔与墨,人之浅近事,二物且不知所以操纵,又焉得成绝妙也哉?”(1)
4.重,如“高山坠石”,下笔就有力量,笔的压力要大,要压得住纸,充满力量,力透纸背,入木三分。
5.变,如“百川归海”、“惊蛇入草”。
古人把用墨的种种变化归纳为如下的方法称为墨法。用墨之法,前人有很多经验,总结起来,主要有七法:浓墨法、淡墨法、焦墨法、宿墨法、破墨法、积墨法、泼墨法。“古人墨法,妙于用水。”所以墨法,离不开水的运用。
浓墨法。运用浓墨,要浓而滋润、活脱。用笔头饱蘸浓墨后速画。
淡墨法。有湿淡、干淡两种,湿淡是笔上先蘸清水,然后蘸少量浓墨,略加调和后速画。
焦墨法。焦墨用法关键在于笔根仍需有一定水分,在运笔挤压中,使水分从焦墨中渗出,达到焦中蕴含滋润的效果。
宿墨法。分浓宿、淡宿两种。由于宿墨脱胶而含渣,墨迹显露。故用笔时要注意虚灵、松动,更不得拖涂。
破墨法。分浓破淡、淡破浓、干破湿、湿破干,还有水破墨、墨破水、墨破色、色破墨等多种变化。破墨法要注意在墨色将干未干时进行,以利用水分的自然渗化。用笔的方向也要注意变化,直笔以横笔渗破之,横笔以直笔渗破之。
积墨法。用浓淡不同的墨,层层积染,称积墨。积墨法的特点是必须等前一遍墨色干后,再画第二遍,才能使画面墨色层次分明、浑厚华滋。
泼墨法。有二种泼法,一种是墨水直接泼洒在纸上,根据自然渗晕的墨迹,用笔再加适当点画。另一种是用笔泼墨法。这种泼法,便于控制。
冲墨法。是用墨画后,乘湿速以清水冲淋,使墨自然渗发。
渍墨法。常用松烟墨、渍墨入画,往往墨色浓黑而四边淡开,得自然之晕。 ;
3. 中国画的基本技法
国画的技法如下:
构思——又叫立意,即作画之前的形象思维过程。
构图——即六法中的“经营位置”,又叫置陈布势等。亦即画面各种物象的位置、比例、墨色等的安排。
用笔——即六法中的“骨法用笔”,有线描、勾勒、皴、擦、点染,笔用中锋、逆锋、藏锋、露锋、拖笔、破点等。
用墨——经历代画家发展有:焦、浓、重、淡、清、退、埃、宿等各种墨色,运用时须各得其所。又有泼墨、破墨(即浓淡相生)等具体技法。
设色——白描:不设色,全用线条表现,或仅以淡墨、淡水色稍加渲染。重彩:一般指工笔重彩、勾勒填色、大青绿等。淡彩:以墨色为主调,敷以淡彩色。没骨:纯用色彩画,并不勾线。(纯用墨点染,不沟勒的亦叫没骨。)
收拾——画成以后再作整体收拾,使全画最后达到气韵生动的境界。
国画技法的重要性
(一)可以使画作更加传神
国画的创作不是重视实物的描摹,而是关注画作内容的传神表达。不同的技法可以表达出不同的效果,因此画家在进行具体的创作时要根据画作的实际需要选择最合适的技法,使画作内容的表达更加传神。画家的创作水平不仅由绘画工具决定,还需要画家有较强的技法操作水平和制作技巧。由此可以看出技法在国画创作中的重要价值。
(二)有利于画作内容的表达
国画的技法作用体现在各个方面,比如画家在构思阶段就需要考虑这次创作的作品需要利用什么技法,以及此种技法对于画作内容的表达有什么作用等。画家只有在前期做好了这一环节的工作才能使内容和技法相得益彰。
(三)有利于提升画家的审美理念
任何事物都有自身的发展规律和原则,国画创作也不例外。画家要充分认识到这一点并践行在创作中。因此技法的利用并不是毫无限制的、随意的,它需要基于国画的本质并将内容的表达相结合。画家在这一过程中也提升了审美理念,有助于提升画作的质量。
4. 画人物的技巧和方法
画人物的技巧和方法如下:
画人物的技巧是从上到下把人物的结构表现出来。
画人物的步骤是先画两个圆,上面的圆小,下面的圆大,从上面的圆开始,简单地勾勒出头发的形状,随个人喜欢,短头发也好,长头发也好。接着到下面的圆了,在下面的圆里勾勒出身体的框架,记得身体不能占满整个圆,比例跟头部协调一点。
然后再做修饰,给她画上裤子或者裙子,要临仿结合。学习某家某派的作品,最好在一个阶段,集中研究和临摹,在掌握一定的规律,有了一定的体会以后,可仿照这一画派的风格,笔意,离开范本,自己进行仿画,以便把学到的传统技法真正消化吸收,变成自己的艺术语言。
侧锋用笔。笔锋略向左右倾斜。下笔时要心使腕运,要以一种特定的情感,意念去驱使笔墨,才能因意成象,以象达意。历代画家创造的艺术,所以能够激动人心,主要是画家在笔墨技巧中融进了激情和意趣。
抓特征咯,比例是很重要的,不如贴张画出来看看吧
像不像不是最紧要的,考试的话没有人会理会相似度,没可能把模特找回来对照吧??只要差不多就行了
结构要表现出来
受光和背光最好拉开,要是光线不好也要艺术的处理一下.
暗部出嚟得通透点
男的块面感要强,画得硬一些
女的调子要丰富,不过别丢掉结构!线条细点
5. 美术绘画的基本技巧
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6. 画画有什么技巧
1、对于刚刚学画画的人,画画的技巧有很多,先学一点造型最好,先画一些几何图形的物体,如苹果,鸡蛋等。这样,可以很好的煅练眼和手,等学好了基础功后再画一些难一点的形。练习形体也是最基础的,生活中的大多数事物都是由几何体组成的,由最初的几何体组合出复杂的形体,在前期学习绘画,你可以临摹自己喜欢的画作,对他进行复刻,也就是说你要画到与原图接近百分之一百的相似度,在这段练习上你会大大加强你的抓形能力,在以后的创作中也能打下良好的基础,有扎实的基本功更高阶段的技巧也能快速掌握。
2、一般画画由生活入手,多观察周围的变化,最好是初期能一边看一边画。
3、主要技巧如下:公欲善其事必先利其器。画画要想画好,要配备良好的工具,要用得顺手,不要因画具问题而使自己感到烦躁。
4、画好画必须同时使眼手达到相当高度。眼就是要有很高的审美鉴赏能力,引领走向成功;手就是画画的技艺手法,画画最终还是通过手画出来。眼指引手,手体现眼,二者相互作用。画素描、色彩静物同样具备眼和手。
7. 如何成为一名优秀的画家
事实上这个世界上根本没有"画家"这种职业,画家都是后人觉得这个那个画的好,表达了一个时代云云,于是这个人的照片上添上了"画家"一词。其实你仔细一想,哪有有名的画家生前称自己是画家的?他们大多称自己是艺术家,也大多数同时是诗人、作家等,也涉入到雕塑、电影、甚至科技的领域,形式是不拘泥的。但有一点很明显的:他们都喜欢以画面这种表达方式,核心还是在他们的美学和思想上。
所以如果你想,你就开始画吧,成为画家的唯一你能做的就是这个,其余留给时代评判。但是你要做到的不仅仅是画,而且是“有思想地去画”,要去想、思考那些最本源的问题,并把那种思考以“画”的媒介表达出来。设计师成为画家的难处在于,缺乏那种深入思考和表达自己的能力,设计终归是导向他人的,是技术性的。而伟大的画家除了技巧之外,还有独特的的创造力。这种创造力是哲学式的、世界观式的,而不是单纯为了哗众取宠、标新立异,安迪沃霍尔敏锐地发现了社会流行化的巨变,并将这种快餐文化反映在其作品中,去探索科技与人类进步之间的链接,这与当下许多为了博出位的一闪而过作品便不可同语。
通过画作去影响人类、去创造价值,希望你成为这样的画家。
8. 美术画画技巧
美术画画技巧
美术画画技巧。绘画是一种艺术,不是一项普通的工作,想把自己的画作画的更加生动形象,不仅需要投入感情,还需要懂得一些相关的技巧。下面为大家分享美术画画技巧。
一、学会观察
1、观察的感受:当面对一个模特的时候,对模特的第一感受是什么是很重要的,如果仅凭感觉去画那么你只能是在对模特的表面抄袭。这个时候必须学会一种正确的观察方法,通过理解将自己的对模特初级观察阶段上升到理性的分析认识,才能提高整体观察能力。
2、整体的观察:作画时必须坚持整体观察的观念,它是比例,结构,黑白灰,体积,空间,明暗之间的不断对比形成的和谐统一的画面,绘画的过程就是对比的过程,必须在整体的基础上去观察,去对比,是与画面的每个局部是相对而言的,孤立的去画某一个局部会使画面失去整体性。
3、立体的观察:素描头像写生是让学生在二维平面的纸上画出三维立体的效果,这样我们就要求学生怎样制造假象达到很真实的原来的物像。比如说,从多个角度观察模特,或者动手捏出一个泥塑作品,这样会加强对体积空间的理解。
二、绘画步骤
在这种教学当中画画的步骤至关重要,因为每画出的一笔一个步骤要有目的性,明确每一步的具体要求,怎样完成每一步的'具体效果。
一是构图画出头的基本头颈肩的关系和外形;
二是五官具体的基本型包括明暗交界线投影;
三是分出基本的明暗关系包括头发五官脸部衣服;
四是分出基本的黑白灰;
五是具体的局部塑造;
六是调整大关系完成。
一、你是否在用”心”作画?
绘画是一种艺术,不是一项普通的工作,作画过程中作者的思想、情绪、感受极大地影响着画面的最终效果,没有思想、没有激情的画面是空洞、没有感染力的。有的同学认为“画得多了就提高了水平”,于是一味地增加作业数量,盲目延长作画时间、好像只有这样才算“努力”。而实际上呢?由于身心疲惫,作画时已经是漫不经心、胡思乱想、精力不能集中了,何谈“思想”与“激情”?其作品也只能是徒有形式,毫无神采,“多画”是在“画好”的基础上多画,而不是无目的的多画,在作画时出现厌倦情绪时可休息片刻,或改色彩、速写,实行自我调节。只要用“心”作画,就一定会使自己的艺术水平得到有效提高的。
二、你时刻在注意“整体观念”吗?
“整体观念”是一个老生常谈的话题,也是一个比较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”,不是造型、结构不准,就是上调子时死抠局部,使局部与整体脱节,画面花、杂、乱,作画要的是整体的最后效果,没有整体的局部,再精彩、再深入也毫无意义。既然整体是关系到一副素描作业的成败,那么处理好局部与局部、局部与整体的关系就显得尤为重要,“专注局部,忽视整体”将最终造成“整体”的失败。
三、你会取舍吗?
有的学生素描基本功应该说不错:构图完整,造型准确,线条流畅,体积感强,并且深入得十分细致入微,面面俱到,对所画对象、背景的任何一个细节都不放过。像这样的作品只能算是“技术熟练”,而谈不上“艺术高超”,因为画面没有重点、没有取舍,什么都画其实就等于什么都没画,所以在深入时一定要通过认真观察分析其结构、特征,结合自己的感受,将对象理性地、艺术性地反映在画面上。要大胆取舍,该突出的刻画入微,该省略的一带而过,做到有主有次,有详有略,千万不能“眉毛胡子一把抓”。
四、你重视临摹吗?
在很多学生中存在着这样的问题:喜欢画写生,不愿在临摹上花费时间,也不屑于临摹。这种认识是错误的。临摹是学习的一种重要方式,每位成功的画家都通过深入学习、研究、借鉴前人的作品汲取了大量的营养,为成功奠定了坚实的基础。通过临摹优秀作品来学习他人的宝贵经验,可以使视野开阔,思维更活跃,头脑更具有理性,实现作画水平的有效提高,实在是一件很“便宜”的事。
在重视临摹的同时也必须要注意一些问题:
一是取法要高、一定要选有代表的大师、名家的作品,也就是说要临“好”作品,才能汲取好营养;
二是对临摹作品要有一个理性的认识,不能全盘照抄,要做到去粗存精;
三是临摹要有一个“度”,要与写生结合进行,临摹是学习手段,写生才是目的。要避免因盲目、过多的临摹而压制思维,束缚个性的发展。
五、你是否有计划、有目的地训练?
有的同学忠实贯穿“苦练”战术,作画非常刻苦、勤奋,但水平却长期停滞不前,许多问题依然存在。虽然他们很“勤奋”,但不会总结经验,不知道要解决的问题,也就更谈不上如何解决问题,这种“勤奋”只能算是漫无目的的蛮干。“人贵有自知之明”,我们一定要清楚自己的优点和缺点,在保持优点的同时,针对性地去克服与解决存在的问题。
六、不同院校、专业的考试有差异
素描是造型艺术的基础,对考生考查的主要是素描的方法和造型,但不同的院校对素描的画法、风格是有一定的偏好的,不同科系、专业对考试的命题、作画要求和评分标准也有所不同,“知己知彼,百战不殆”,所以,根据自己的报考意愿、针对不同的院校、专业的不同特点、要求,确立学习目标,做到有的方式学习和训练,也是美术高考取得好成绩的一个重要方面。
一、绘画技巧:如何画动漫人物的眼睛?
1、画动漫人物眼睛要记结构,动漫人物眼睛的结构直接决定造型的准确。
2、画动漫人物眼睛要多练,坚持画!
4、画动漫人物眼睛要顾全局,绘画是一个系统模块,所以大家在画动漫人物眼睛的时候一定要顾全局。
5、画动漫人物眼睛要善于找素材,我这里就给大家推荐一些画眼睛的素材,点击即可获取:1500款动漫眼睛,总有一款适合你!
二、绘画技巧:人物的脸部五官画不好?脸部五官的画法教程分享!
1、三庭是将脸部分为三个部分 从发际线到眉毛的区域为上庭,从眉毛到鼻尖的区域为中庭从鼻尖到下巴的无语成为下庭。
2、五眼是指脸的宽度比例以眼睛的长度为单位可以把脸宽度分为五个等分,眼角外侧到同侧发际线边缘刚好是一个眼睛所以刚好是5个眼睛的长度。
3、“三低”就是脸部的三个凹陷处,分别的亮眼之间鼻额交界处的凹陷,人中,还有下唇下方的凹陷。
9. 画画有什么技巧
画画有什么技巧
导语:对画画感兴趣的可能想问有什么样的技巧呢?以下是我为大家分享的画画有什么技巧,欢迎借鉴!
绘画是一门很有意思的学问,它不仅需要有哲学家的思考能力。作家的社会观察力和诗人的激情,而且需要有敏锐的视觉感受力和精湛的绘画技巧因此做一个画家必须付出勤奋的劳动。其中有一项是应该在年轻是下苦力的,这就是打下扎实的素描基础,年纪大了回头再补就晚了。对于很多学生来说这些话可能都是老生常谈,大家都知道素描基本功的重要性,可是学了这么多年却没有太大的成就,其中原因很多,一种可能就是自己学习方法不合适或者是不够努力;另外一种可能就是没有一个好的学习环境,不是周围爱玩的同学影响自己、就是画班的老师不怎么管,只是一味的的让学生自己照着画。我本人也是从这样的环境中学出来的,一直以为自己走的道路是很顺利地,但是经过在美院这么多年的学习思考和在考前教育方面的实践探索,发现其实自己当年还是走了很多弯路,花的很多时间和精力都没有用到关键点上,只是事倍功半而已。
记得我在考前的时候每天都会拿着速写本,不停地画,不停地画,可是殊不知这样没有目的的画下去是不会有任何结果的,或者说是有收获,但也是微乎其微的一点点。学画的时候应该在每一步的学习过程当中都保持着很强的学习目的,知道画速写要训练的是什么,画速写时最注重的是什么,动笔时应该从哪里看起,画成一个什么样的画面效果。如果你以前动手的时候只知道一味的把对象画像了,而没有思考前面的这些问题,那么不好意思,可以告诉你的是:你的大部分时间其实都是无用功,高考前半年的时间如果你每天还这么画,可能最后你真正的有效利用时间也只是一个月,但是如果别人这半年的时间都充分利用起来的话,那么你们的差距就会是很大的一截了。你一个月的有效时间和别人半年的有效时间去考场比拼,那结果可想而知。
如果你学画多年,当我问起你结构是什么,空间是什么,色彩该怎么画,画画是什么的时候,如果你还说不清楚的时候,那你就因该考虑一下你以前的学习是否是做了太多的无用功。就我所知,每一位学音乐的学生,都会从“基础乐理”开始学起,,你问他什么叫音阶,音程,小三调,增减和弦的时候,没有几个人会给你讲不清楚,因为这些概念在他们脑子里早就和他们的实践融合在一起了。
艺术是相通的。既然在学习音乐的时候基础乐理如此重要,那么绘画的基础理论难道不重要吗?答案是肯定的,但是却没有几个初学的同学甚至是学了很多年绘画的老油条能够把一些基础理论说清楚,那只能说明我们的学习方法是有缺陷的。我时常会对学生说:考学就像是做数学题一样,考中央美院你只要背会100 个公式就可以,考中国美院就是70 个公式,考地方大学就是50个公式。 如果你复读了很多年还是没考上美院,只能说明你方法不对头,还没背会100个必须的公式。
同为艺术,有几个美术班的老师能够像音乐老师那样要求学生把基本理论搞的清清楚楚之后再开始教学呢,在实践中再慢慢的让理论渗透到学生骨髓里。大部分的美术生都是混混沌沌的坐在那里照抄静物和模特,偶尔老师会过去对你说一句“你这个结构不对,你那里形不准。”却不去深挖学生到底为什么会出现这样的问题,在我看来这么学一辈子也出不来。学生已经陷入了一个学习的误区,距离艺术的大门越来越远。就好比运动员一样,小的时候就训练正规的动作,长大了才可能成为专业运动员。这里面都有其理论和科学依据,你不去这么做就是打不好。专业和业余的差距也就是从刚入门开始的,如果一开始起步就不规范,那么以后就只能做一个票友级别的运动员。所以我们学习绘画的时候也一样应该从最基本的入手,做到每一步都规范标准,步步为营,几个月的时间就可以让你的绘画认知程度和技巧得到巨大的飞跃。一位伟人曾经说过:“人生的关键不是你所站的位置,而是你所朝的方向”。所以我们一定要一开始就走对路子。
具体到学习绘画的方法我大概以我自己的经历归纳了一下。简单点来说,学习绘画可以分为两个部分:一个是绘画理论,第二个是实践技巧。
绘画理论又可以分为两个部分,第一个是视觉审美,第二个是基础理论知识。1:视觉审美:就是罗丹所说的“那双发现美的眼睛”。学习艺术,你起码必须得具备一个好的分辨能力,知道什么是好的作品什么是不好的作品。在你学习艺术的道路上这一点至关重要。如果你没有这个能力,就不用考虑再继续学习艺术了,因为一个学习音乐的人,都听不出来什么音乐好听不好听,那何谈演绎好一首作品呢!所以审美能力是我们必须训练,而且是一定要训练到一定高度的一个能力,这样我们才算是为自己的艺术梦想找到了一双翅膀。没有他你不可能走多远;没有他你也不能分辨谁是撒旦谁是天使。美术的“审美能力”就像是音乐的“视唱练耳”一样,当同摁下钢琴的五个键的时候,你能够听出这五个键分别是哪五个键,并且能唱出来。相当于你看到一幅优美的画作的时候能一眼,也或者两眼看出它到底有几个层次的色调一样,找到他的脉络。这样你就是具有基本的审美能力了。还有一种审美称作感觉,这种能力的训练比较抽象,和个人的生活习惯与性格有关。但是我们如果学习艺术没有这种感觉,那就好比一个人没有灵魂一样,重要程度可想而知。所以在学习绘画的道路上,灵魂还是要有的。具体怎么培养这种感觉,我们以后会慢慢说的。2 基础知识理论,大概包括:结构、空间、体积、质感,量感等等。。。。。。,当然理解起来不能只是简单的背会他们字面上的意思,要透过字面去理解其真正的内涵,从我个人的经历来说的话,随着年龄的增长对每一个定义的理解会更加深刻,所以我们在学习这些定义的时候,永远不要把自己局限在最初的简单理解。要每隔一段时间去思考他,只要你对他没有放弃,他对你也同样不会放弃。拿结构这个词来说吧,我初学画的的时候认为结构就是把石膏像画的结实一点,大了一点觉得结构就是把颧骨和其他骨点画的结实一点,狠一点,黑一点。可是我现在的理解却不是这样的,其实结构就是不同的形体穿插在一起构成的关系。和结实不结实没有关系,完全是两个概念。结实属于质感层面的问题,不涉及到结构。就比如说两个麻袋,一个装满砖头,一个装满薯仔,我问你能不能看出他们里面装的是什么,你应该可以看得出来他们的不同,那么恭喜你,你已经看出他们的结构了。但是很少有同学一开始就能这么想,并且去这么画的,他们也和以前的.我一样,把一些概念混淆在一起,纠缠不清。所以希望大家早日脱离苦海,修成正果!
再举个例子,我们常常说的质感和量感,听起来这两个词属于抽象不好解释的概念,似乎只能意会,其实不然。我相信复杂难懂的概念也一定可以用一种简单明了的语言来说清楚。我这样解释吧,现在有三个不同质感的球体,一个是木球,一个是不锈钢球,一个是石膏球,那么我们在画的时候该如何来表现他们的质感和量感呢?我们初学绘画的时候老师就教过我们一个概念叫做“五大调”,他们分别是:高光、浅灰,明暗交界线,反光、投影,如果我们把颜色从亮到暗分别以从1到10 的十个数字来表示深浅变化,1代表白色,10 代表黑色,5就是中间的灰色了。那么这个时候我们把五大调和这十个层次结合在一起就得到了质感和量感的表现方法,三个物体的质感的表现做成表格分别为:
高光 浅灰 明暗交界线 反光 投影
木球 2 3 5 4 7
不锈钢球 1 5 10 3 8
石膏球 1 2 6 4 8
综上所述:每个物体本身准确的五大调比例关系就可以很清楚的表现出每个物体的不同质感和量感 。所以其实绘画中除了感觉很抽象,很少有抽象的概念。这是我自己的一种解释办法,也许还有更好的解释办法,大家以后可以一起探讨。 实践技巧大概可以分为对材料的认识,以及如何表现画面效果两部分。说白一点就是怎么样把自己肚子里知道的东西表现到画面里。很多学生常常会有一种感觉,就是明明知道自己这个地方画的不舒服,可是怎么改也改不好。还有一种情况就是干脆没画好也会自我感觉良好。这比第一种情况可怕多了!所以今天开始在画画的时候需要多想想了,画画没有那么简单的事,你把他看简单了,他回报你的也会是简单的画面。
那么我们现在先从材料开始认识吧,我们现在考试一般来说都会有要求用铅笔和碳铅,这两种材料虽然都是画画的笔,可是材料和手感是完全不一样的,两支笔画在同一张纸上的效果也会完全不同。有些笔只适合用在某些特定的纸张上面,才会产生更佳的效果。可是有些学生并不会这么去想,还是一味的用最好的纸,殊不知这种纸张是专门为某种笔设计制造的,所以在学习的过程当中我们应该细心体会,不断丢弃糟粕的东西,这样你才会不断前进。那么纸呢!我们都知道一张素描纸有正反两面,一面粗糙,一面相对光滑,因为平时写字本都是光滑的面是正面,我们用来写字,所以画画我们也就顺理成章的用光滑面作为正面来作画,其实不然,写字考虑到书写的流畅和方便,且不需要重叠写,所以用光面干净整洁。可是画画的时候我们可不是只画一层就可以画完的,为了让画面更有层次和效果,常常得擦擦改改,这样我们就会发现纸面颗粒大的那面就会有很大优势,因为在反复修改和增加层次的时候会更不容易画腻了,或者说黏在一起。而且还会显得层次丰富,耐看。再就是我们画画用的画板,现在市面上卖的画板都会包有一层塑料布,而学生买回来以后为了保护画板不脏和持久耐用,往往都不舍得把塑料布撕掉,直接在上面钉纸画画。这一点我不得不说应验了那句“买椟还珠”的成句,画板之所以用木板是因为木头温和,有韧性,可以吸水,且手感好,抓起来很舒服。包塑料是为了保护画板,为了好卖,我们都买回来了,难道还要再倒卖吗,我们买画板是为了能够画出好画,所以怎么好使怎么来,在包着塑料的板子上画画你稍微一擦画,整张纸都动,抓板子时间长了,手上都是汗,都粘到塑料上了,不爽!身不爽,心不爽,你的画能爽吗!所以我的原则就是一切为了画画服务。下面就是图钉的事,一张纸四个角,按照常理说大家都知道要固定一张纸理所应当钉四个图钉,可是画室里的怪现象就是盯几个的人都有,从一个到四个。一个图钉的是笔动纸动,笔不动纸还动;两个图钉的是上面不动下面动,左面不动右面动;三张纸的是不完美中的完美,算是十全九美,反正就是有那么一点别扭;四个图钉算是功德圆满,大彻大悟的取经人。因为要画好一张画,纸来回的动,你能画吗,有时候我们总会抱怨模特老动,有几个人曾经抱怨过你的画纸老动呢!我一直都很欣赏那种善于观察学习的学生,因为你会发现,他是在主动地通过自己的眼睛看别人怎么做,学到人家的优点。而不是得过且过,每天等着老师来告诉自己。更有甚者就算是告诉了,也不会改,对于这样的人上美院就是个梦。美院很真实,不是梦,所以希望你也是真实一点。点滴的积累就是通往美院的唯一捷径。需要我们了解的材料知识还有很多,这里只是抛砖引玉,大部分大家自己可以去发现总结。
下面再来说说画面表现效果的问题,首先当一个人问你世界上有多少人的时候,你可能会说60亿,这种答案是地理知识层面的答案,可是如果脑经急转弯的答案就是只有两个人,男人和女人。我觉得画画也需要一点脑筋急转弯的意识,那就是善于概括,也可以说成是用整体和全局的意识看问题,这是我们学习绘画第一堂课要学的,也是最后一堂课要学的。中间所学的一切都是在往这个大口袋里装东西。所以,画面效果好的作品一定是整体的。那么在整体没问题的情况下紧接着要说的就是节奏感,也可以说成是画面的变化。变化不要紧,但是要变“花”了就不好了,变花的意思不是说画乱了,而是说缺少小的归纳,也就是大整体下的三个小整体。有了这三个小整体才有了下面的九个小小整体。我这里说的花指的是说我们在只有一个大整体的情况下紧接着就是九个小整体,画面效果就没有了节奏感,因为他不是阶梯状递进的。就好比一个国家,中央以下没有省、市,直接就是村,你想想那样国家能不乱吗?所以画画也和管理一个国家一样,你要考虑到从整体到局部应该如何去经营管理,让其丰富充实又不会走出你的控制。有了这个意识你需要做的就是提高眼和手的能力了,眼睛看清楚了,然后通过你的手把他表现出来。可是这里有些同学会问,我就是看清楚了,可还是画不出来,画不准确。那么我可以告诉你,你现在练习的还不够,或者说练习的方法是不对。如何才能把眼睛练得像孙悟空的一样,当然答案肯定不是要拿火烧一下。作为一个凡人的你最好的方法就是学会用“比较”的眼光看问题。“比较”没错就是他,他可以让你的在最短的时间里面花最少的精力达到你最想不到的脱胎换骨的效果。比如:点与线和面的对比、黑与白与灰的对比,正线与斜线的角度对比等等。。。。。。那么具体如何去训练对比的眼光以后会专门作为一个专题来讲,这里限于篇幅考虑先放一放。眼睛练好了,剩下的就是手了,其实所有问题中最不是问题的就是动手的问题了。想一想我们画一张画无非就是用线或者线条来完成,给你10天时间让你练线条,难道你练不好吗?要是练不好的话那就一个月肯定够。要是还是不能画出几根直线条,那么我只能遗憾的告诉你,你不适合画画。记得我当年初学的时候也就三天时间把线条就搞定了。练习的成本很低,用的还是废报纸。
线条是你所观察和所想的一个最终承载物,说的简单一点就是手是眼睛和脑的代言人。你的画画水平最后都是表现在你的画面效果上,而画面效果就是由线条来承载的。所以说既然线条那么简单,最好不要出现线条不能把你的知识完全表现出来的结果。出现这种结果唯一的原因就是你不够勤奋。你的思想觉悟有多高,你的手表现得就有多好。手是永远跟在脑子后面的。要是你手高眼低,那就完蛋了,你的水品会越来越低。因为是脑子指挥手,而不是手指挥脑子。配合好这三方面的关系你就可以做到成为一个不走弯路的美术学习者了,如果要给他们三者划分一个比例的话,应该是脑子50%、眼睛30%、手20%。说再多的话,也是白说,还是需要我们每天投入更多的时间去动手实践。
素描,速写个人觉得不用分得那么清楚,不要总觉得速写要画的简单概括,素描一定要画的深入细致。西方是没有速写这个单词的,他们通称为sketch【草图、草稿】。都是在画画,只要你的造型能力提高了,不用发愁你画不好什么。如果说你素描不好,速写很好的话。我觉得是说不通的,因为你的能力和认识在一定水平,你不可能一个好一个不好。学习美术就像木桶原理一样,木桶如果由五块木板组成,他们分别是:1理论知识,2实践经验,3努力程度,4引导老师,5个人悟性。这几点可以决定你的木桶里面的水平能有多高,当然起决定作用的是最低的那块木板,因为他如果高度不够的话,水永远都会在它那里漏掉。
我一直相信有付出就会有收获,付出越多就收获越多,不付出就什么也收获不到。只要你努力了,会有丰收的一天的! ;
10. 如何掌握画画技巧
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