⑴ 转怎样弹好巴赫
复调音乐是多声部音乐的一种，它是以若干个旋律同时进行而组成相互关联的一个整体，而各种声部又彼此形成良好、协调的和声关系。 复调音乐的弹奏对学生的听觉、手指及对音乐的理解等各方面要求都很高，所以在学习的过程中学生会感到难以控制和准确表达，导致了很多学生不愿去接触复调音乐的弹奏。但在众多的钢琴文献中，复调音乐占有重要的地位，它是一个历史的展现，是每一位接触钢琴演奏的人所必须了解和掌握的重要内容。从最基础的每年一次的钢琴考级到国际上的重大比赛，复调作品都是每位选手必弹曲目之一，也是每位学习钢琴演奏者的必修课，可见复调音乐在音乐学习中的重要性。那么如何让学生弹好复调音乐、爱弹复调音乐就成为我们在教学过程中研究和探索的重点之一。说到复调音乐就不能不提到被称为“古典大师”、“欧洲近代音乐之父”的巴赫。在钢琴学习中，接触到的复调音乐大多是巴赫的作品。巴赫一生的作品浩如烟海，主要作品有两百多部“康塔塔”，小提琴、大提琴奏鸣曲，管风琴曲等，在他一生当中还创作了极多的钢琴复调作品，我们学习中经常用到的有：《巴赫二部、三部创意曲》、《平均律钢琴曲集》、《英国组曲》、《法国组曲》等，这些作品将复调音乐推向了一个空前的高度。要让学生学好这些复调作品，喜欢它、理解它，很好的演奏它，教师在教学中的引导至关重要。首先在开始进行弹奏巴赫的复调作品之前，教师应通过讲解让学生初步了解巴赫的简单生平，通过示范演奏让学生体会巴赫创作作品时所用的羽管键琴在构造上、音色上、奏法上与现代钢琴的不同，初步了解演奏巴赫作品时的特殊的触键方法，（用非连奏法或是手指断奏法来模仿击弦古钢琴的清脆效果等）。其次要培养学生良好的听觉。良好的听觉是演奏好复调的基础。1、从学生接触钢琴，弹奏第一个音开始，老师就要充分动用学生的听觉，培养学生聆听自己所弹奏的每一个声音。2、通过教师的示范，训练学生尽快的能够分辨、鉴别声音的好坏，音质的优劣，从而慢慢将自己的演奏声音朝着良好的方向发展。我认为以上两点教师必须在学生一开始学琴时就要建立起来。3、从接触第一首复调作品开始，就要让学生明确旋律线条的走向，注意声部之间的对称，声部与声部的模仿、交错，答题与对题的衔接，通过教师的示范与讲解，学生的反复练习，建立良好的复调听觉。运用敏锐的听觉来调整各声部的音色和力度。再者，合理安排复调学习的进度，良好的教材选择尤为重要。1、复调的学习是一个循序渐进的过程，对于刚开始接触复调的学生来说，《巴赫初级钢琴曲》是一个不错的选择。《初级曲》中收录了大量的二声部小步舞曲，这些小步舞曲声部清晰，节奏流畅，旋律活泼，学生很容易通过旋律喜欢上乐曲，并较好的掌握旋律线条的弹奏方法，了解旋律的走向及两个声部在音乐发展中的交错变化。通过《巴赫初级钢琴曲》的学习，学生可以获得弹奏复调作品的初级技巧，可以初步体会到巴赫复调作品的内涵，对钢琴的学习会有一个全新的感受。2、在《巴赫初级钢琴曲》的学习结束后，我选用了巴赫的《小前奏曲与赋格》这本教材来对《创意曲》的弹奏进行过度。这本书里的前奏曲是位于赋格曲之前的乐曲，体现了主调风格，情感表达比较明确。快速的流动有一些练习曲的感觉, 对于刚刚接触复调的学生来说，它清晰的旋律和色彩丰富的和声，更容易被理解和掌握，也可以让演奏者的演奏技巧得到充分发挥。赋格曲是复调音乐的最高表现形式，多条旋律的交织要求演奏者要有多个声部的思维，要会聆听穿行于各个声部间的主题，这对刚弹奏复调音乐不久的学生来说无疑是有些困难的。《小前奏曲与赋格》中出现了两声部和三声部两种赋格曲，我在使用时对三声部的赋格曲进行了有选择的练习，只选择了较易掌握的两到三首作品让学生弹奏。这本教材的使用便于学生能更好地理解与把握巴赫的音乐风格，为下面《创意曲》的学习打下良好的基础。3、在完成了以上学习后，我选用了巴赫二部创意曲的练习来提高学生理解和演奏复调作品的水平。创意曲是一种短小而且自由的复调器乐作品形式，多采用二重对位和模仿的写作方法进行创作，是复调音乐的一种重要形式。巴赫的一生共创作了15首二部创意曲和15首三部创意曲，这些创意曲为以后更好的诠释巴赫大型作品打下了基础。这15首二部创意曲在形式上比以往练习的复调曲丰富了许多，主要运用了模仿、卡农、二重对位以及一些近似赋格的写作技术。它们每一首都有着不同的风格不同的情绪，在技术上也有着不同的要求，这就要求教师在教授时特别注意因人选曲，面对学生出现的不同的问题选择不同的曲目来练习解决。如：左右手协调不是很好的学生可以重点练习第4首和第14首创意曲，这两首创意曲都要求两只手弹奏的乐句连贯的交替，不论是左手还是右手演奏的声部都同样重要。4、二部创意曲的学习结束后，我认为不宜马上接学三部创意曲。因为三部创意曲不论在技巧上还是在乐曲的艺术目的上都要比二部创意曲难很多，学生马上学习三部创意曲会有很大的困难，这时可选用一些三声部的赋格曲的练习来进行过度，为三部创意曲的学习作好充分的准备。5、巴赫三部创意曲的学习。 巴赫的三部创意曲主要难在用双手弹奏三个声部。这就对学生左右手的协调性，手指的控制能力以及触键的方法都提出了更高的要求。 大部分的三部创意曲在结构上可以分为三部分：第一部分是对主题的一种呈示。教师要在教授这部分时提醒学生尽快熟悉主题、了解主题，要将第一部分准确的弹奏出来。第二部分是将主题放在不同的调式上展开和发展。这部分要求学生在充分掌握主题演奏的前提下进行，在学习过程中要了解主题的走向，在不同调式上的变化，运用听觉掌握旋律。第三部分将主题移回到开始的调式上做缩小、变化的再现。在三部创意曲的学习过程中，我为学生加入了一些《法国组曲》内容的练习。《法国组曲》共六组，每组是由四首速度和节奏不同的舞曲，按照一个固定的顺序组成的，这四首舞曲分别是阿勒曼德、库郎特、萨拉班德和基格，其中前三首的顺序是不变的，有时会在萨拉班德和基格的中间加入小步舞曲等其他的舞曲。6、在结束了创意曲的学习之后，学生的复调演奏能力及对复调作品的理解与把握应有了一个质的飞跃，这时可以进入一个新的、更高的学习阶段——《平均律钢琴曲集》的弹奏。《平均律钢琴曲集》共有两集，每集24首，是根据十二个半音的规律，由C大调开始，依次以半音进行，每个音用大、小调各写一首前奏曲与赋格曲。巴赫的《平均律钢琴曲集》历来被视为巴赫所有作品里的巅峰之作,被世人称作是复调音乐中的网络全书。舒曼曾说“将《平均律钢琴曲集》作为每日必备作业，你必能成为一位出色的音乐家。”在《平均律钢琴曲集》中前奏曲的篇幅虽然都不大，但巴赫赋予了它们独特的音乐魅力，对演奏者手指的要求使得它不光是好的前奏曲还是24首完美的练习曲，对于左右手的协调性，手指的控制能力起到了很好的训练效果。24首赋格曲从二声部到五声部应有尽有，是学生掌握、提高赋格曲的学习所不可替代的教材。《平均律钢琴曲集》所带给大家的精美的旋律主题，精湛的复调音乐技法，对学生真正走近巴赫，逐步掌握复调音乐的各种演奏方法、演奏技巧，理解巴赫时代的音乐风格都起到了不可磨灭的作用。当然，巴赫的《平均律钢琴曲集》以及他的其他钢琴复调作品都是如此的博大精深，要真正掌握它们的主要风格特征，弄懂并可以准确的演奏出来还需要教师和学生花大量的时间与心血去研究、去练习，通过师生共同的努力把最完美的复调音乐展示给大家。
⑵ 巴赫六首无伴奏大提琴组曲点评
如果说巴赫被历代的音乐家奉为大师中的大师，那么他为大提琴独奏写的六组无伴奏大提琴组曲(作品编号BWV.1007-1012)称得上是经典中的经典。它是无伴奏乐曲中最早闻名于世的典范，在音乐结构、艺术魅力和思想深度上堪称举世无双，自1901年被西班牙大提琴演奏大师帕布罗•卡萨尔斯慧眼发掘并介绍给世界以来，它们便成为无限意义的延伸，更被誉为演奏家技巧与修养的试金石，几乎每一位大提琴家，在其艺术造诣达到一定境界时，都会努力将巴赫的无伴奏大提琴组曲作为自己的保留曲目，在音乐会上演出并灌录唱片。
大提琴组曲——“来自这个音乐天才的无限喜悦”
这六个组曲的声调色彩：G大调是明亮的色彩；D小调是悲伤而强烈的；C大调是灿烂的；降E大调是庄严、带着不透明浓度的；C小调是一种暗而强烈的颜色；D大调是辉煌的调性，如一束阳光般眩目耀眼。这些交互作用——贯穿全套组曲发展的方式，给了我对这音乐工作时的独特洞察力。这些组曲提供了很棒的技术挑战，尤其是原来为五弦大提琴而作的第六组曲。有人或许会称第一组曲是青春的。它的长度最短，而且是大调，其后每一组曲在结构的复杂程度上是递增的，连前奏曲也不例外，直到第六组曲——我认为它是独奏大提琴的“交响曲” ——到达了终极的颠峰。依我所见，那些前奏曲便是每个组曲最本质的乐章，它们非常多样且包含了巴赫音乐最深奥的理念。
六部组曲的每一部均由六个乐章组成，这些乐章多为古风盎然的舞曲。
第一组曲为G大调，作品编号BWV.1007,包括：1.前奏曲，2.阿勒曼德舞曲，3.库朗舞曲，4.萨拉班德舞曲,5.小步舞曲,6.吉格舞曲。
第一号组曲——“明亮”
如同人天生而单纯的呼吸的结构，乐句产生出的能量（吸气）直到它企及某一点时而开始放松（呼气）——一种产生与消退的过程。巴赫概念中的美丽与辉煌就在于实际上这些前奏曲都不利用旋律的这个事实，在那里只有组织，结构与韵律——形式与色彩的鲜明。巴赫不需要旋律，他的作品是以美的概念写成的：干净的组织与音调的色彩。我不喜欢他们很悲剧地企图去强调一个不存在的旋律，这是个很傻的想法。如果他需要旋律，巴赫自己就可以写出更加无比美丽的旋律。
当然一个人可以无休无止地去分析巴赫的音乐，你可以分析每个音符、每个乐句、和弦、旋律与对位法——所有音乐提供出的、还有存在于真实声音中的事物。无论如何，我只是希望专注于一些小细节，借此解释巴赫理念的深度，同时指出这些音乐浑然天成的单纯。
第二组曲为D小调，作品编号BWV.1008，包括：1.前奏曲，2.阿勒曼德舞曲,3.库朗舞曲,4.萨拉班德舞曲,5.小步舞曲,6.吉格舞曲。
第二号组曲——“悲伤而强烈”
这个组曲直接在价值上以其深奥与小调性的悲伤而强烈的感触与第一号组曲形成对比。巴赫在这个前奏曲中开场三个音符的使用，总是让我充满敬畏与赞叹。只是三个音符便构成D小调的完整色调，同时完成了一个五度音程。
当我演奏第二号组曲时，我感觉像个歌唱者，旋律界域扩张或收缩 直到最后整个旋律歇息在单一音符的方式，这种在不同音域的空间性方位空置旋律线的能力，便是巴赫音乐最璀璨而创造性的特征。
这个组曲有一个很棒的萨拉班德舞曲，可能是所有组曲中最最哀伤的，它有着一种特殊的直线与率直，一个音乐的隐痛、像一个入神祷告的人，你不是在为听众演奏这音乐，你是为你自己演奏，听众仅仅只是窃听者，听到的是来自孤寂、来自一个艺术家全然沉浸于音乐时的白热化张力的一瞥。我经常对所有感觉悲伤的人演奏这首萨拉班德。
第三组曲为C大调，作品编号为BWV.1009，包括：1.前奏曲,2.阿勒曼德舞曲,3.库朗舞曲,4.萨拉班德舞曲,5.柏雷舞曲,6.吉格舞曲。
第三号组曲——“辉煌”
C大调，一个辉煌的调子，它作为基础的音调，所有乐章都从C大调开始与结束。
像一个鳞翅类学者将一活蝴蝶钉在他的板上，蝴蝶绕着针在痛苦中旋转着，无法让自己获得自由。这就是巴赫运用持续音对我的影响，我也似乎在折磨中旋转于针上，只有当回到主音我才体验到解脱。这就是一直令我赞叹的巴赫天才最精细的截面之一。它以强大的内在力量与一种到达音乐核心还有尽我所能去演奏的渴求来填满我。
第四组曲为降E大调，作品编号为BWV.1010，包括：1.前奏曲,2.阿勒曼德舞曲,3.库朗舞曲,4.萨拉班德舞曲,5.柏雷舞曲,6.吉格舞曲。
第四号组曲——“庄严而不透明”
巴赫大提琴组曲的前三个前奏曲都是以十六分音符的单一节拍写成，但是在以降E大调，一个庄严而不透明的调性写成的第四号组曲中，却是以八分音符进行的，比其它前奏曲慢上一倍的节拍进行。然而无论和声自始至终再怎样美丽，再怎么发展怎么转调，巴赫明白它有变得多少单调起来的危险。
萨拉班德舞曲是我的最爱之一，它有着自己的伴奏旋律。还有吉格舞曲，猛烈、高难度，带着它烈火般的暴躁气质与坚定、不屈不挠的节奏。
第五组曲为降C小调，作品编号为BWV.1011，包括：1.前奏曲,2.阿勒曼德舞曲,3.库朗舞曲,4.萨拉班德舞曲,5.嘉禾舞曲,6.吉格舞曲。
第五号组曲——“黑暗”
我已经拉了第五号组曲中的萨拉班德舞曲一辈子，它始终让我赞叹与感到愉悦。这个单音的谱曲仅仅只有几行，但对我而言它却代表了巴赫天才的精髓。它的暗黑的旋律设计如此不寻常地与现代音乐相似。单单第一个乐句体现的想法便如此不可思议，仅仅这里就抵得过许多作曲家成册的作品。这个萨拉班德舞曲的旋律在与你的呼吸同样的速度、同样的节奏、同样的气息与同样的脉动以一路蜿蜒前进。无论我演奏得多慢，我总是感受这个乐章永恒的流动，永恒……对我而言，不管这节奏，这流动步调绵延得多长，一年、两年、十年或一百年，这个速度绝对不可以缓慢下来或增快进行，它应该拥有自己内在的脉动与力量，因此不允许速度的增加与流失，如同平行线永不交叉。这个规律鼓动节奏、生命与永恒的触动也是这样在相同的脉动中永远持续。当你结束这首萨拉班德，时间似乎以同样的步调继续着，你的呼吸在同样的节奏中继续着。这些旋绕翻转的旋律线多美呀。
第六组曲为降D大调，作品编号为BWV.1012，包括：1.前奏曲,2.阿勒曼德舞曲,3.库朗舞曲,4.萨拉班德舞曲,5.嘉禾舞曲,6.吉格舞曲。
第六号组曲——“阳光”
第六号组曲以D大调写成，是阳光与凯旋的调性。对我而言这是所有调性中最喜悦的，就像触及环宇每个角落的贝多芬《合唱交响曲》的终乐章。巴赫的第六号组曲以胜利、喜悦、人类的统一、友谊与爱的调性写成，这个最后的组曲扬威于全系列之上。它代表大规模的欢乐的统合。第六组曲对我而言就像是大提琴独奏的交响曲，在调性与色彩上，它迥异于其它组曲，但在许多其它的方面，它同时也迥异于所有他所写过的作品。
还有这些不知道会不会对你有帮助。
http://ke..com/view/1517086.htm?fr=ala0_1
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⑶ 转贴：如何弹好巴赫作品
一、 速度：它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏巴赫作品（平均律）中速度应当和当时的乐器（如：击弦古钢琴等等）相吻合，与当时的时代相吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代， 如果在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不和适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。 二、节奏：巴赫作品以节奏严谨平稳而着称。由于作品属于巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快地节奏。 巴赫作品从开始到结束，都应处在一个基本节奏之中。 三、触键：钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时，触键应和巴赫作品的风格相一致。 一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿击弦古钢琴上清脆效果比较合适。 而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连接要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满， 这样才能获得古朴典雅的音响效果。 四、线条：这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏巴赫的复调作品前，应该对线条有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能象浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但是一定是存在的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会令人厌烦。试想，如果每一首前奏曲和赋格结束时都去做渐慢，那也太呆板了。 我认为一首歌唱性的、宽广流畅的赋格曲比一首欢乐性的轻巧赋格曲更适合于在结尾处做渐慢。 五、力度变化：总的来说， 巴赫作品的力度变化幅度较小，基本趋与平稳。 六、声部：平均律属于复调作品，即多声部音乐作品。我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。 在练习中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出， 而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。 但是，在控制中，每一个声部又应当是清楚、完整的。要做到这一点，就必须将每一层旋律部抽出来单独练习，使头脑对各声部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。 七、踏板：它在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上却是极为重要和极难把握的，由于踏板没用好而导致弹奏失败的例子随时可见。巴赫的作品中，踏板用多了会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损与巴赫的风格。我认为踏板的运用应当根据乐曲来决定，比如在弹奏中遇到手难以连接或慢乐曲中需要延长的地方等，是可以使用踏板的，但是要用耳朵仔细的倾听，然后小心的进行。 八、装饰音：这是修饰音乐的装饰品。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法。另一方面，因为适合于击弦古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以， 巴赫的装饰音不要弹的太急、太强、太断和太华丽。 以上是弹奏巴赫作品时所要注意的几个基本要素。 当然，巴赫的《十二平均律曲集》以及他的其它钢琴复调作品都是如此的博大精深，要真正的弄懂并准确把握这些巨作，是要花大量心血与时间去做认真研究的。但是掌握其主要的风格特征，了解当时的时代背景是学习巴赫作品的最根本要求，也是弹奏好巴赫作品的前提与第一步
⑷ 巴赫二部创意曲第6首怎么讲
巴赫二部创意曲第六首是：E大调。英文是：No. 6 in E major, BWV777。
⑸ 我想了解演奏巴赫作品时所要知道的相关知识
巴赫作品是每一个学钢琴的人必须要学习的，也是对于我们东方人最难的一位作曲家。
想了解巴赫的作品应该如何诠释，那么就必须先了解巴赫作品的特点，其实诠释巴赫作品最大的障碍在乐谱上，原版的巴赫谱子上面什么都没有，没有速度和力度记号，更不用说指法了，而且编订巴赫作品的人数众多，所以巴赫的作品版本很成问题，在德国大家多数用的都是原版本，但是一般都会找一本编订本的作参考，大家通常选择的是布佐尼版的，因为他对作品的分析是十分透彻的，而且距离我们现在比较近，而且在分句指法上都有很卓越的见解，但是也不能全信这个版本的，有些时候这个版本的分句也有点让人抓不住头脑，所以大家还是需要经验来诠释作品。
巴赫作品用于教学的大多只有3类，一类是组曲，一类是平均律，再就是二，三部创意曲，但是二，三部创意曲都是赋格，我把它并入平均律来说。
这三类里，组曲最复杂，因为它都是由欧洲的古舞曲组成的，对于中国人来说都是不可想象的，因为我们没见过。首先说Allemand（阿拉曼德，注：拉丁文的意思是日尔曼），通常在组曲的第一或第二乐章，这是一个德国舞曲，是比较慢的，通常是走着跳的，没有什么跳跃，大多是4/4拍的，弱起，有着一种倾诉的特性，也就是说音乐的性格是娓娓道来，演奏要保证流畅。接下来是Courante（库朗特），是法国舞曲，也有意大利的，这是一个比较快的舞曲，也就是说，在舞蹈过程中跳跃比较多，所以它是整个组曲中差不多第二快的，是三拍子的。再下去是Sarabande（萨拉班德），是西班牙，是整个组曲中最慢的一乐章，强调的是第二拍和第三拍连在一起，在Sarabande之后有的是Gavotte（加沃特）也有的是小步舞曲，也有的是其他的形式，Gavotte通常是2/2拍的，不是很快，节奏弱起，很有动感，却又不是十分欢快；而小步舞曲则很有意思，第一拍是最强拍，第二拍是最弱拍，而第三拍通常是到下一小节第一拍的弱起，又一个渐强的倾向性，当然这只是大多数情况，不是绝对的。而在几种舞曲之后通常就是Gigue，这是最快的一首舞曲，节奏也比较怪，通常都是3拍子的感觉，也又2拍子感觉的，但是这种情况也是6/8拍的，所以不是严格意义上的2拍子。有时候在小步舞曲和Gigue（吉格）之间还有Bourree（布列）等舞曲，我只弹过Bourree，也是很快的舞曲，如果我没记错是英国的舞曲（忘了，真是猪头），是2拍子的感觉。在英国组曲的开头有个前奏曲，这个前奏曲就不是很好处理了，因为它没有那种舞曲的特性。
其次是平均律，48首前奏曲和赋格，也是巴赫最让人头痛的作品，舞曲大多是单旋律作品，只是用复调技法写出来的，所以右手大多数情况下是旋律，也有卡农的片断，而赋格就比较麻烦了，有的作品不仅有主题，还有很多的对题，甚至有的赋格有3个主题。平均律中的赋格从2声部到5声部的都有，但是两首5声部的都在第一册。声部越多越难，但也不是绝对的，有的三声部的比有些四声部的还难，所以不要完全依靠声部数量来判断。从两册平均律中比较特殊的是第一册的第四首升c小调的那首，因为这首赋格是五声部的，而且有三个对题，可以说是整个平均律中最难的一首赋格，因为对题的性格要做到与主题有区别，3个对题对于演奏者的要求是极高的 ，要做到把三种表情融为一体，确实是十分困难的；另外一首是第二册第14首升f小调那首，那首赋格有三个主题，每个性格都不一样，最后还要同时演奏3个主题，所以真是很让人头痛，我以自己的经验劝告大家不要弹这两首。而前奏曲没有什么好说的，每首都不一样。
但是演奏上还是有规律可循的，巴赫的作品大多是旋律比较连贯的，所以必须要抓住旋律的动力，这个动力就来源与节奏，在演奏过程中要抓住每一句最后的几个音作为弱起，做渐强来增加旋律的动力和节奏的动力，要找到旋律的骨干音。第二就是要抓住断连的处理，这个在巴赫作品中是极端重要的，因为这是必须要注意的，要保持整个作品的一致，这点是没有商量的。比如说旋律部分大多都是要用连奏的，但是有些十六分音符是连奏的，而八分音符是断奏的，这些东西一开始都是由演奏者决定的，比如说有些左手伴奏音型是八分音符，如果你把这些八分音符弹为断奏，那么可以说所有左手的八分音符都必须弹断奏，这是不能商量的，只要开始弹成了断奏，那就不能改变了，右手是一样，特别是主题，只要定了，就不能改了。至于如何处理赋格的主题，我觉得还是靠经验，找几本编订本的巴赫来弹一下，慢慢也就有那个感觉了。而断连处理也是一样，必须得有那个感觉。至于听什么录音，我推荐Edwin Fischer和里赫特的，他们弹得还是可以学的，也是很传统的，我个人不推荐古尔德的，他的诠释太富有个性了，只能听不能学。
装饰音是很让人头痛的问题，学了这么多年了，就对装饰音觉得挠头。巴赫作品的装饰音大多是他自己加的，也有他的学生凭记忆，回忆起当年巴赫怎么弹得而补充进去的，有些时候装饰音能给一部作品改头换面，在英国组曲里有两首萨拉班德有两份谱，一份是没有装饰音的，另一份是加了装饰音的，听起来像两首作品，像这样的情况下，通常反复的时候弹有装饰音的，第一遍弹没有装饰音的。至于波音和颤音其实大家都懂，但是有一点必须要强调，不管是颤音还是上波音，都必须从上面那个音开始。这是很重要的。
⑹ 怎样演奏巴赫
一：速度。它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平 均律中速度应当和当时乐器（古钢琴等）相吻合，与当时的时期（巴洛克时期）想吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果我们在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不合适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。 二：节奏。巴赫作品以节奏严谨平稳而着称。由于作品属于 巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快的节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处于一个基本节奏之中。但严格的说，在巴赫的作品中有严格节拍与自由节拍的两种不同形态。严格的节拍需要自始自终的统一律动。不能忽快忽慢。另一种则是自由而即兴性的部分，这部分音乐因突出其炫技的性质，因此需要适当的自由速度。 三、线条。这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏 巴赫的复调作品前，我们应该对线条在脑中有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能像浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但它一定是存在的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会另人厌烦。试想，如果每一首前奏曲和赋格在结束时我们都去做渐慢，也太呆板了，我认为，一首歌唱性的。宽广流畅的赋格曲比一首欢快的轻巧的赋格曲更适于在结尾处做渐慢。 四、声部。平均律属于复调作品，也就是多声部的音乐作品。 我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。在学习中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出，而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。但是，在控制中，每一个声部又应当是清晰、完整的。要做到这一点，就必须将每一层旋律部分抽出来单独练习，使头脑对各声部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。 五、触键。钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时， 触键应和巴赫作品的风格相一致。一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿古钢琴上的清脆效果比较合适。而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连贯要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满，这样才能获得古朴典雅的音响效果。 六、力度变化。总的来说，巴赫作品的力度变化幅度较小， 基本趋于平稳。但是这并不排除某些段落里的强弱力度的变化。另外，巴赫作品的力度应在按照乐曲的内容、结构来改变的同时，也要把力度总体放轻。着名德国钢琴家吉泽金说：“所有的巴赫作品的力度记号都要按比例降低一级，绝不要超过中强，因为当时的乐器与现在是大不相同的……巴赫的音乐要非常精致，要注意细致的差别……力度要有层次。”无论如何，强弱分明的格式决不能用到所有的前奏曲与赋格曲上去。 七、装饰音。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤 音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法，也可以根据自己的个人判断，有一定程度的自由。每种装饰音往往可以用好几种方法来弹，而且都是正确的，可以被接受的。巴洛克时期演奏家们在弹奏所标出的装饰音时必须有一定的自由来发挥想象。今天我们演奏巴洛克时期的音乐时，也可以根据前人总结出的规则在一定范围有所变化，这取决于我们对特定时期的演奏风格和装饰音运用方面的知识，以及好的音乐审美能力。另一方面，因为适合于古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以，巴赫的装饰音切不可弹的太急、太强、太断和太华丽。 八、踏板。一般来说，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不 少人都认为踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上极为重要而且极难把握的，由于踏板没用好而导致演奏失败的例子随处可见。在巴赫的作品中，踏板用的多了，会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损于巴赫的风格。我认识踏板的运用应当根据乐曲的不同来决定。着名前苏联钢琴家捏高兹就认为：“弹奏巴赫音乐时应该运用踏板，但要用得恰当、小心、极其节约，当然有很多地方是不适宜用踏板的。彼?裕??莶煌?那榭觯?颐窃诘?嘀杏龅绞帜岩粤?踊蚵?智?行枰?映さ牡胤降龋?强梢允褂锰ぐ宓模??颐且?枚?渥邢傅那闾??缓笮⌒牡慕?.
⑺ 如何演奏好巴赫
一：速度。它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平
均律中速度应当和当时乐器（古钢琴等）相吻合，与当时的时期（巴洛克时期）想吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果我们在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不合适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。
二：节奏。巴赫作品以节奏严谨平稳而着称。由于作品属于
巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快的节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处于一个基本节奏之中。但严格的说，在巴赫的作品中有严格节拍与自由节拍的两种不同形态。严格的节拍需要自始自终的统一律动。不能忽快忽慢。另一种则是自由而即兴性的部分，这部分音乐因突出其炫技的性质，因此需要适当的自由速度。
三、线条。这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏
巴赫的复调作品前，我们应该对线条在脑中有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能像浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但它一定是存在的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会另人厌烦。试想，如果每一首前奏曲和赋格在结束时我们都去做渐慢，也太呆板了，我认为，一首歌唱性的。宽广流畅的赋格曲比一首欢快的轻巧的赋格曲更适于在结尾处做渐慢。
四、声部。平均律属于复调作品，也就是多声部的音乐作品。
我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。在学习中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出，而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。但是，在控制中，每一个声部又应当是清晰、完整的。要做到这一点，就必须将每一层旋律部分抽出来单独练习，使头脑对各声部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。
五、触键。钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时，
触键应和巴赫作品的风格相一致。一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿古钢琴上的清脆效果比较合适。而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连贯要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满，这样才能获得古朴典雅的音响效果。
六、力度变化。总的来说，巴赫作品的力度变化幅度较小，
基本趋于平稳。但是这并不排除某些段落里的强弱力度的变化。另外，巴赫作品的力度应在按照乐曲的内容、结构来改变的同时，也要把力度总体放轻。着名德国钢琴家吉泽金说：“所有的巴赫作品的力度记号都要按比例降低一级，绝不要超过中强，因为当时的乐器与现在是大不相同的……巴赫的音乐要非常精致，要注意细致的差别……力度要有层次。”无论如何，强弱分明的格式决不能用到所有的前奏曲与赋格曲上去。
七、装饰音。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤
音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法，也可以根据自己的个人判断，有一定程度的自由。每种装饰音往往可以用好几种方法来弹，而且都是正确的，可以被接受的。巴洛克时期演奏家们在弹奏所标出的装饰音时必须有一定的自由来发挥想象。今天我们演奏巴洛克时期的音乐时，也可以根据前人总结出的规则在一定范围有所变化，这取决于我们对特定时期的演奏风格和装饰音运用方面的知识，以及好的音乐审美能力。另一方面，因为适合于古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以，巴赫的装饰音切不可弹的太急、太强、太断和太华丽。
八、踏板。一般来说，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不
少人都认为踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上极为重要而且极难把握的，由于踏板没用好而导致演奏失败的例子随处可见。在巴赫的作品中，踏板用的多了，会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损于巴赫的风格。我认识踏板的运用应当根据乐曲的不同来决定。着名前苏联钢琴家捏高兹就认为：“弹奏巴赫音乐时应该运用踏板，但要用得恰当、小心、极其节约，当然有很多地方是不适宜用踏板的。
⑻ 巴赫的演奏技巧
很高兴为你解答，~
巴赫作品另很多人望而生畏，其实只要掌握了他的特点，你会
越弹越过瘾的，
八大特点一:速度。它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平
均律中速度应当和当时乐器（古钢琴等）相吻合，与当时的时期（
巴洛克时期）想吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果我们
在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不合适的。所以平均律的弹
奏应当是相对较缓慢的。
二:节奏。巴赫作品以节奏严谨平稳而着称。由于作品属于
巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的
自由地、时慢时快的节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处于一个
基本节奏之中。但严格的说，在巴赫的作品中有严格节拍与自由节
拍的两种不同形态。严格的节拍需要自始自终的统一律动。不能忽
快忽慢。另一种则是自由而即兴性的部分，这部分音乐因突出其炫
技的性质，因此需要适当的自由速度。
三、线条。这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏
巴赫的复调作品前，我们应该对线条在脑中有一个初步的设计，使
其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能像浪漫主义音
乐中的线条起伏那么大，但它一定是存在的。正确的使用渐快与渐
慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会另人厌烦。试想，如果
每一首前奏曲和赋格在结束时我们都去做渐慢，也太呆板了，我认
为，一首歌唱性的。宽广流畅的赋格曲比一首欢快的轻巧的赋格曲
更适于在结尾处做渐慢。
四、声部。平均律属于复调作品，也就是多声部的音乐作品。
我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力
得到大的提高。在学习中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部
要尤为突出，而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控
制。但是，在控制中，每一个声部又应当是清晰、完整的。要做到
这一点，就必须将每一层旋律部分抽出来单独练习，使头脑对各声
部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。
五、触键。钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时，
触键应和巴赫作品的风格相一致。一般来说，在快速乐曲中，用非
连奏法或手指断奏来模仿古钢琴上的清脆效果比较合适。而在缓慢
的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，
音与音的连贯要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满，这样才能
获得古朴典雅的音响效果。PoPiano钢琴博客-tt*s#]N
六、力度变化。总的来说，巴赫作品的力度变化幅度较小，
基本趋于平稳。但是这并不排除某些段落里的强弱力度的变化。另
外，巴赫作品的力度应在按照乐曲的内容、结构来改变的同时，也
要把力度总体放轻。着名德国钢琴家吉泽金说:“所有的巴赫作品
的力度记号都要按比例降低一级，绝不要超过中强，因为当时的乐
器与现在是大不相同的 巴赫的音乐要非常精致，要注意细致的
差别 力度要有层次。”无论如何，强弱分明的格式决不能用到
所有的前奏曲与赋格曲上去。
七、装饰音。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤
音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法，也可以根据
自己的个人判断，有一定程度的自由。每种装饰音往往可以用好几
种方法来弹，而且都是正确的，可以被接受的。巴洛克时期演奏家
们在弹奏所标出的装饰音时必须有一定的自由来发挥想象。今天我
们演奏巴洛克时期的音乐时，也可以根据前人总结出的规则在一定
范围有所变化，这取决于我们对特定时期的演奏风格和装饰音运用
方面的知识，以及好的音乐审美能力。另一方面，因为适合于古钢
琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声
音，所以，巴赫的装饰音切不可弹的太急、太强、太断和太华丽。
八、踏板。一般来说，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不
少人都认为踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上极为重
要而且极难把握的，由于踏板没用好而导致演奏失败的例子随处可
见。在巴赫的作品中，踏板用的多了，会使声音含糊不清，用少了
又会使声音干涩无味，这两个极端都有损于巴赫的风格。我认识踏
板的运用应当根据乐曲的不同来决定。着名前苏联钢琴家捏高兹就
认为:“弹奏巴赫音乐时应该运用踏板，但要用得恰当、小心、极
其节约，当然有很多地方是不适宜用踏板的。但是，如果再我们现
在钢琴上弹奏巴赫的作品而完全不用踏板，那么比起羽管键琴来，
钢琴在声音方面多么贫乏啊，”所以，根据不同的情况，我们在弹
奏中遇到手难以连接或慢乐曲中需要延长的地方等，是可以使用踏
板的，但我们要用耳朵仔细的倾听，然后小心的进行。
⑼ 巴赫平均律钢琴曲集各首曲目的难度及弹奏技巧
约翰`塞巴斯蒂安`巴赫（1685—1750）是人类音乐史上最伟大的音乐家之一。提到他，人们自然会把他同人类文明相联系起来。因为他的音乐艺术是世界文化最重要的组成部分之一。苏联的音乐学家阿萨菲耶夫说：“巴赫是这样的伟大，他使人感到他不是一个人，而是一个强大的创作实验室，其中锻炼着当时所有音乐上的创作技能、风格、倾向和尝试。”由于他卓有成效地继承和概括了十七世纪以前欧洲各国的，包括音乐体裁形式，具体写作技巧和各国音乐风格等音乐现象，因而创造了永恒的音乐艺术。正因为如此他才被后人称为“古典大师”、“欧洲音乐之父”，这是当之无愧的。
巴赫有极多的钢琴复调作品，对于他的复调作品，有评论家是这样评论的：“没有研究过巴赫，就不能理解欧洲音乐；没有深入的研究过巴赫的复调作品，一个严谨的作曲家、钢琴家就不可能精通他的专业。”“谁要是不研究巴赫，那么对他的音乐中蕴藏着的那种是以表达我们最深思想和情感的巨大可能性，是不可能理解透彻的。”而对于巴赫钢琴复调作品的顶峰之作——《十二平均率钢琴曲集》则被认为是一部充分体现巴赫的音乐风格、音乐形象的大网络全书，是钢琴演奏者的必修课本。在这部作品中，他的复调技巧和艺术技巧都达到了最高峰，直到今天，他也有理由成为最高典范，这部作品从艺术创造上证实了平均率理论的优越性。他的赋格曲标志着调性功能思维的高度发展，整体曲集标志着大小调体系的完全成熟。从这个意义上来说，他所起的进步作用是不仅仅局限于钢琴音乐发展的范畴之内的。
钢琴演奏技术的提高有赖于手指的灵活性与独立性。而弹奏复调作品，则对这一点的要求更为必要。如手指对各声部层次对比的控制力，旋律线条走向的把握，乐句起和收的处理，两手间的相互协调配合等。但是最重要的一点是在除了手指能力之外，演奏者要能清楚地听见自己弹奏的是什么，也就是作品进行中的各个声部在自己手下能否清晰的展示出来。
对初次接触巴赫复调作品的人来说，巴赫的初级钢琴曲集是一个很好的选择，如其中的第三首乐曲是一首小步舞曲，二个声部的进行，首先由右手进入，当进行到第二小节强拍上时，右手小指弹完G音抬手的同时，左手很自然地落到G音上弹奏另一个声部，形成声部的交替和模仿，并在第二小节上有一个强拍的节奏特点，这正是小步舞曲节奏流畅、平稳、活泼的风格体现。一般人通过对初级巴赫作品的学习，可以初步领略到巴赫复调作品的内涵和一种全新的音乐感受，从而获得弹奏巴赫复调作品的初级技巧。
二部创意曲的第一首是学习掌握各种连句、连音，要求手指触键平稳连贯。第一句的主题在强拍位置上十六分休止符后进入，乐句如同呼吸一样，大拇指自然落下，弹奏出很连贯流畅的短句。而每次在强拍上的收尾，要求自然并且弱一些，跳音不要弹的太短促。左右手的句子如同两个人的对话，交替对应，极富表情。通过对这样的旋律连句的学习，对掌握手臂的自然呼吸、乐句的自然答对，手指的独立弹奏来说都是有很好帮助的。
二部创意曲的第四首是以模仿为主的复调曲，两个声部同样重要，但在不同的乐句中所起的作用又有所区别。曲中连奏要指尖触键平稳连贯，在弹奏左右手颤音时，要保证另一只手的主题旋律连贯平稳。为使学生能够克服这一难点，除了加些颤音的练习外，还可以把颤音放慢节奏和旋律句子对位去练，这对获得好的节奏感和培养双手独立不倚的训练都大有好处。
二部创意曲的第十四首是学习交替的连句，声部进行的规则统一，主题和副题的呼应以及分句法。二部创意曲的第十五首是则是学习半音加颤音的小短句及双手交替弹奏连句、短句，要求手臂配合自如、触键清晰灵巧。
巴赫的三部创意曲主要是双手弹奏三条旋律，声部的增多对弹奏带来了不小的难度。但是同时也为训练手指的独立性和控制力提供了很好的训练材料。巴赫三部创意曲的第二首是六八拍子的曲子，有极强的歌唱性。主题句的重复音无论在那一个声部出现都要把前一个音弹的长一些，这样句子才能够连贯。第二拍到第三拍，第五拍到第六拍是五度音程呈上升趋势，使音乐有一种舒展的感觉，三声部的出现在一些地方是以高音保留、低声部插入为形态的，如第五、第六小节的三声部就起到变化和填充的效果。由于各乐曲的织体、结构成份的不同，在作曲家笔下对各个声部的处理以及力度和色彩方面的要求也就有所不同。
巴赫三部创意曲的第十五首就是以三种不同的素材组合而成的。左手是很连贯的歌唱性旋律，右手的小短句如同伴奏音型一样，三个音一组弹奏时，要把前两个音连起来后一个音断开，听起来生动、典雅。第三小节是分解和弦琶音的华彩句，要弹的干净、明亮，万万不可弹成连音。整首曲子都是以这三种音型交替、穿插变化发展而成的。只要把握住这一点，就可以使曲子弹的生动活泼。
巴赫三部创意曲的第十一首，在弹奏时要注意中声部的旋律是以双手交替来完成的。为了使音乐的线条清晰，练习时可以先单手进行，而后再将这个句子自然从容的弹出，在这种地方要认真倾听两手衔接处力量是否均匀自如。
在巴赫复调作品中，不论是模仿、对位或者衬托，各个声部的重要性也时有变化。在注意主声部的同时，也不能忽视其它声部，再弹奏中要注意它是怎样进来，继而是怎样发展变化的。这种发展和变化使得各个声部的力度色彩各有特色、各不相同，但又相互联系。为了很好地控制自己的手指去弹奏出合乎逻辑的乐句，使自己有良好的复调听觉，分声部练习是非常重要的。
在完成巴赫创意曲作品的学习后，就将进入体现巴赫音乐风格、音乐形象的大网络全书，即对巴赫的《十二平均律钢琴曲集》的学习。《平均律》共分两卷，是按同样的形式组成的，每一首前奏曲和一首赋格曲都是由一个共同的调性统一起来的独立作品。前奏曲和赋格曲连在一起，既形成对比，又起着补充作用。前奏曲在形式上比较自由、流动，音乐思维富于幻想，赋格曲的形式则非常严谨，音乐思维是严格集中的。
巴赫的前奏曲在《平均律》中往往起着引子的作用，但它也有其独立的意义。一般来说，前奏曲分为两种类型：一种是属于乐曲性质，它的速度通常较快，这是极好的手指技术练习，同时它的旋律性也很强。例如，第一卷中的第五首D大调前奏曲，第十一首F大调前奏曲等。另一种是采用复调手法，由多声部构成，它很象赋格。例如，第一卷中的第十二首F小调前奏曲，第十四首升F小调前奏曲等。
赋格曲在复调音乐中是最高和最复杂的表现形式，它的形成是经过了很长的发展过程，只有在巴赫的创作中赋格才获得了完美的体现。巴赫的赋格曲，并不完全是抽象的音乐曲，它不仅有严密紧凑的哲理性，在形式上的变化层出不穷，而且还充满了诗意的感情。赋格曲常是由几个独立声部组织而成的，先由一声部奏出主题，其他各声部做先后模仿。主题一开始用主调，第二次出现用属调，第三次出现回到主调，这样变化发展直至曲终。在同一声部前后两个主题之间还有可能出现副题。主题先后出现于各个声部，成为呈示段，不包含主题的段落叫插句。赋格的结构是呈示段与插句的交替交换，它通常都是一个音乐主题，表现一个音乐形象。有时也会遇到有二、三个主题的赋格曲，但其中材料往往都属于基本的第一主题。第一主题体现了主要的、主导的思想，从而也决定了作品的性质。赋格曲中少于两个声部是不可能的，最普遍的是三或四个声部的，五、六声部的作品就很少很少了。
巴赫《平均律》是非标题性音乐，从表面上看不出作曲家所想表现的是什么，但是从巴赫的思想特点和完整统一的形象思维来看，我们可以了解巴赫作品中所蕴藏的丰富内容。由于巴赫所处的复杂时代，受宗教影响极大，所以他常借宗教题材反映人民的痛苦，表现人们对英雄的同情、感伤和歌颂。同时巴赫作品也反映了人们对光明的向往与追求，而非标题音乐则包括了当时社会所不能论的语言，从侧面反映了人民的生活，反映了社会。如：在《平均律》中，第一卷降E大调前奏曲是表现宗教圣咏的。第二卷升F大调前奏曲表现出沉思的哲理。第一卷F小调赋格则表现出幻想以及悲剧性。第一卷的D大调赋格却表现出强烈的英雄性等等。而表现民间风俗，生活气息的作品在《平均律》中也有不少。如：第一卷E大调前奏曲就具有强烈的牧歌风味。第二卷F小调前奏曲表现出淡雅的田园风情。第一卷升C 小调赋格，则表现出强烈的欢乐性等等。由此可见巴赫的创作本质是：世俗音乐同复调音乐的结合，宗教思想与启蒙思想的结合，结构性与旋律性的结合。
巴赫作品风格的掌握是弹好《平均律》的关键，具体来说，就是要从以下几个方面来注意：速度：它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平均律中速度应当和当时的乐器（如：击弦古钢琴等等）相吻合，与当时的时代相吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不和适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。节奏：巴赫作品以节奏严谨平稳而着称。由于作品属于巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快地节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处在一个基本节奏之中。三，触键：钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时，触键应和巴赫作品的风格相一致。一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿击弦古钢琴上清脆效果比较合适。而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连接要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满，这样才能获得古朴典雅的音响效果。线条：这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏巴赫的复调作品前，应该对线条有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能象浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但是一定是存在的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会令人厌烦。试想，如果每一首前奏曲和赋格结束时都去做渐慢，那也太呆板了。我认为一首歌唱性的、宽广流畅的赋格曲比一首欢乐性的轻巧赋格曲更适合于在结尾处做渐慢。五，力度变化：总的来说，巴赫作品的力度变化幅度较小，基本趋与平稳。但是这并不排除某些段落里的强弱力度的变化。巴赫作品的力度应按照乐曲的内容、结构来改变。无论如何，轻响截然分明的格式决不能套用到所有的前奏曲与赋格上去。六，声部：平均律属于复调作品，即多声部音乐作品。我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。在教学中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出，而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。但是，在控制中，每一个声部又应当是清楚、完整的。要做到这一点，就必须将每一层旋律部抽出来单独练习，使头脑对各声部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。七，踏板：它在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上却是极为重要和极难把握的，由于踏板没用好而导致弹奏失败的例子随时可见。巴赫的作品中，踏板用多了会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损与巴赫的风格。我认为踏板的运用应当根据乐曲来决定，比如在弹奏中遇到手难以连接或慢乐曲中需要延长的地方等，是可以使用踏板的，但是要用耳朵仔细的倾听，然后小心的进行。八，装饰音：这是修饰音乐的装饰品。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法。另一方面，因为适合于击弦古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以，巴赫的装饰音不要弹的太急、太强、太断和太华丽。以上是弹奏巴赫作品时所要注意的几个基本要素。当然，巴赫的《十二平均律曲集》以及他的其它钢琴复调作品都是如此的博大精深，要真正的弄懂并准确把握这些巨作，是要花大量心血与时间去做认真研究的。但是掌握其主要的风格特征，了解当时的时代背景是学习巴赫作品的最根本要求，也是弹奏好巴赫作品的前提与第一步。
⑽ 初学巴赫的复调作品,有什么利于弹奏的小技巧没
你好，复调音乐是音乐思维形式。有：对比式复调、模仿式复调、衬腔式复调、以及二、三、四、五更多声部的复调。
在弹奏复调音乐时，最简单的方法就是由浅入深，先学习《小巴赫》--《巴赫小前奏曲与赋格》--《创意曲集》--《巴赫各系列组曲》--《巴赫平均律》等。这样才能够随着程度的不断提高，轻松演奏。
复调音乐不同于其它作品的只要特征就是，“她”在演奏过程中，双手都有曲调旋律，经常不分先后、主次。演奏者首先得清楚一首作品的主旋律，然后根据这个主旋律，分析作品中哪些地方有主旋律的出现。
在演奏中，必须先将各个声部进行单独弹奏，分清声部；然后将各个声部的主旋律进行对比，分清层次。最后双手合练自然便轻松多了。
复调弹奏，声音的层次至关重要。如果光将各个声部的主旋律弹奏出，而忽略了音色的对比，那该作品演奏就很不成功了。
复调作品声部多不容易弹，但建议学琴者从小就必须多弹奏！