Ⅰ 日本艺伎过得是怎么样的一种生活
日本艺伎产生于17世纪的东京和大阪。最初的艺伎全部是男性，他们是在妓院和娱乐场所以表演舞蹈和乐器为生。18世纪中叶，艺伎职业渐渐被女性取代，也这一传统延袭至今。
艺伎并非妓女。他们的交易是满足男人的梦想——享乐=浪漫和占有欲。通常与他们交易的，都是上层社会有钱有势的男人。在昂贵的餐厅和茶舍里，谈论生意的男人喜欢请一位相伴，为他们斟酒上菜，调节气氛，而这最少也要花费1千美元。
今天，仍有少数女性抱着浪漫的幻想以及对传统艺术的热爱加入艺伎行业。但在二站以前，绝大部分艺伎是为了生计，被迫从事这一职业的。 在当今社会中，艺伎有自己特殊的定位。华丽考究的和服，精心修饰的面庞，彬彬有礼的举止是他们的标志。在19世纪的全盛时期，他们是时装的典范、潮流的领导者。但当西方文化渐渐冲斥了日本，艺伎也演变成传统文化的一部分。
艺伎，意味着以艺术为生。每个艺伎要经过严格的训练，学习茶道、书法、乐器、舞蹈、礼节等等。舞蹈是他们想大众展现才华的唯一形式。在私人的宴会上，艺伎所表现出来的艺术，完全是另一回事。男人用餐时，他们跪在旁边斟酒上菜，微笑着和他们调情。待到酒过三巡，艺伎开始表演一些游戏活跃气氛，或是弹奏乐器，或是演唱艳情歌舞。
艺伎的世界始终保持着一种神秘感。他们浓妆的脸上几乎看不出喜怒哀乐。他们在客人面前保持着委婉而坚决的矜持。通过训练与天分，艺伎把自己塑造成了想象中完美女人。然而他们的辛酸就只有自己知道。 日本艺伎产生于17世纪的东京和大阪。最初的艺伎全部是男性，他们是在妓院和娱乐场所以表演舞蹈和乐器为生。18世纪中叶，艺伎职业渐渐被女性取代，也这一传统延袭至今。
艺伎并非妓女。他们的交易是满足男人的梦想——享乐=浪漫和占有欲。通常与他们交易的，都是上层社会有钱有势的男人。在昂贵的餐厅和茶舍里，谈论生意的男人喜欢请一位相伴，为他们斟酒上菜，调节气氛，而这最少也要花费1千美元。
艺伎，意味着以艺术为生。每个艺伎要经过严格的训练，学习茶道、书法、乐器、舞蹈、礼节等等。舞蹈是他们想大众展现才华的唯一形式。在私人的宴会上，艺伎所表现出来的艺术，完全是另一回事。男人用餐时，他们跪在旁边斟酒上菜，微笑着和他们调情。待到酒过三巡，艺伎开始表演一些游戏活跃气氛，或是弹奏乐器，或是演唱艳情歌舞。
首先澄清一个文字上的概念，日语里虽然也有汉字，但有时翻译成中文的时候却要做一些变动，这就容易偏离其在原来语言中的意思，让人产生误解。如川端康成的名着《伊豆的舞女》，日本名称是《伊豆の舞子》，因为中文中没有舞子的说法，便翻译成舞女，我们听到舞女就会想起那些在夜总会、歌舞厅，浓妆艳抹、翩翩起舞的时髦女郎，但其实伊豆的舞女只是一个跟着大人到处卖艺的小女孩。艺妓也一样，她在日语里叫做“艺者”，在翻译成中文的时候将“者”字去掉，加了一个“妓”，这也容易让大家产生误解，以为艺妓就是善于唱歌跳舞的妓女，而事实上艺妓从事的是一种表演艺术，与我们所熟悉的茶道、花道以及相扑一样，同属于日本传统文化的一部分。
艺妓最早出现于日本元禄年间（1688－1704年），当时是由于妓馆人手不够，所以从民间招收一些男子到妓馆内男扮女装、歌舞助兴，或是招收一些社会上的女子充当配乐中的击鼓女郎，后来逐渐过渡到清一色的女艺妓。她们经受严格训练，美艳柔情、服饰华丽、知书达礼、擅长歌舞琴瑟，她们的主要工作是调动宴会气氛，陪客人喝酒聊天。艺妓的雅而不俗还体现在其“不滥”上，艺妓一般在专门的艺馆待客，除非有熟人或名士的引荐，才会到茶馆酒楼出席私人宴会。她们不仅要精通各种歌舞乐器，还需要对国际新闻、花边消息了如指掌，懂得如何迎合客人的喜好，善于察言观色，并能维护客人的自尊。总之，为了让客人得到满意的服务、彻底放松，艺妓的工作总是非常紧张的。
有志于进入这一行业的女孩，在很小的时候就要到艺馆接受培训，培训内容从如何打开推拉门、走路仪态、斟酒方法到小鼓、三弦等乐器的演奏以及各种歌曲的演唱、舞蹈的功底，甚至包括了与客人谈话的技巧等等。在过去，有很多女孩是迫于生活的压力而被父母卖到艺馆的，但也有被其艺术性所吸引主动加入的。2003年在纽约去世的着名艺妓中村喜春就是如此，她出生于上流家庭，但却总梦想自己能坐在蒲团上成为观众瞩目的对象。15岁那年，她不顾父母反对，毅然投身艺妓行列。凭借着刻苦训练和超人天分，中村终于红遍日本，后来她移居美国，以教授日本传统民谣和舞蹈为生，同时教美国人怎样穿和服及学习日本礼仪，甚至还担任过歌剧《蝴蝶夫人》的顾问。此外，她还受聘于普林斯顿大学，向美国青年传播日本文化。对老一辈美国人来说，中村喜春可谓日本光辉时代的象征，甚至是神秘日本艺术的化身。
艺妓在表演时会把自己的面部和后脖涂白，画上很重的妆。他们梳一种体积很大的古典盘头，打理这种盘头需要无数的发簪、头油、发蜡和大把的时间。为了维护这好不容易才做好的发型，艺妓必须处处小心翼翼，睡觉时恨不得把头吊在空中。艺妓总是穿着华丽的和服，这种手工缝制的丝绸和服相当昂贵，每件大约价值1.5万美元。她们的和服与普通日本妇女所穿的和服不太一样，普通妇女的和服后领很高，把脖颈遮盖得严严实实。而艺妓和服的脖领却开得很大，并且有意向后倾斜，让脖颈全部外露。据说，艺妓白色的脖颈是最性感、迷人的地方。
艺妓的收费较高，在京都请一个艺妓出场一小时需要500美元左右。她们的收入除了支付庞大的开销之外，大部分都要交给艺馆的女老板，作为对其培养和照料的回报。艺妓虽然在表演、谈话等方面颇有才华，但生活自理能力却比较差，艺馆的贴身保姆照顾她们的一切饮食起居，帮她们穿上华丽的和服、盘好复杂的头发。大多数艺妓都有自己的赞助人，这些年纪较大但财力雄厚的赞助人不但负责她们的部分开销，还经常送给她们名贵的衣饰，这在经济上支撑了艺妓超凡脱俗的气质。
此外，由于从小就开始接受严格的培训，在成为真正的艺妓之后又要忙于演出。因此，尽管人们在酒席上看到艺妓轻歌曼舞、畅谈大笑，表现得极为潇洒自然，但很多艺妓的内心却是空虚和寂寞的。幸亏，现代艺妓行业取消了结婚后不得继续从事的规定，这使得许多艺妓得以过上正常人的感情生活。
如同日本的歌舞伎一样，艺妓这样一种传统的文化由于不被年轻人接受，也正面临着生存上的危机。目前，日本全国现有的艺妓一共只有数百人。对于这一典型的夕阳产业，日本的舆论众说不一。批评者认为艺妓的产生与存在是一个时代错误，是男权至上的时代产物，是对女权运动的莫大讽刺。而支持者则认为，艺妓作为一种传统艺术，是京都乃至日本的脸面，应该得到保存。而在业内，也有不少年轻的艺妓开始不满一些循规蹈矩的做法，希望改革。她们在白天做美容、逛商场，过着非常现代的生活，而到了晚上，她们又必须回归传统，和服的裙裾限制住她们的双腿，使她们变成迈着碎步、举止优雅的艺妓。他们就是这样在现代与传统、自由与规矩中自我调节，寻找平衡。
Ⅱ 口袋妖怪心金我的精灵抗雷性太差，打不过那5个舞女啊，我该怎么配精灵和配招
（1）电系是怕地面系的，也怕冰系，但电系不能打地面系，所以就用地面系。地面系都在洞穴里，再说，那谁，不是送你一条大岩蛇么，不怕烦的练练级就行了。（2）怕烦的，直接练级，我都用一只火系的打死龙道馆全训练家了，怕5个日本女？？？！！！（3）要不，有钱的，多买点高级伤药、解麻药，我就不信，她有这么顽强！！
所以，打法（1）用大岩蛇：地震+挖洞+随便+随便
打法（2）用随便：只要威力大
打法（3）用随便：只要威力大
Lucky！！！
（恶魔自己写的，第一次，赏脸~~）
Ⅲ 港台电影，几个女警去酒店当卧底找变态杀人犯，于是在一起训练当舞女，最后都去做舞女了（喜剧）
电影《欢场》 影片名称: 欢场 影片主演: 张耀扬 金燕玲 郑旦瑞 吴孟达 叶德娴 影片类型: 喜剧片 影片地区: 香港地区 影片介绍： 辣女沙展蟹钳与六女警突遭解雇，原来奉命投身欢场，诱捕变态杀手。妈妈生QE对这队欢场杂牌军诸多嘲讽，蟹钳不忿，命众女出尽八宝争客，竟意外引出变态杀手，可是行动总指挥却意外死亡，七女变成无主卧底……
Ⅳ 《荷塘月色》高一语文教案
作为一名老师，总归要编写教案，借助教案可以提高教学质量，收到预期的教学效果。那要怎么写好教案呢？下面是我整理的《荷塘月色》高一语文教案，希望对大家有所帮助。
第一课时：
一、导入。
结合本单元的推荐阅读，由学生自己向同学推荐自己所读过的朱自清的散文，导入课文。
二、自主·合作·探究
1、 自读感知
（1）布置学生课前利用网络或者书籍查找朱自清的生平作品以及的创作的时代背景，在课堂上进行交流，教师结合学生发言适当补充。
（2）整体感知：多媒体课、录音带或教师配乐范读，指导学生反复朗读，把握全文感情基调；学生自读，边读边作圈、点。
2、 理清本文的感情线索
（1）引导学生在自读的基础上讨论、交流，找出表明作者情感变化的语句，并归纳出作者情感变化的过程。
（2）明确作者情感变化的过程：颇不宁静——寻宁静——暂得宁静——失宁静
本文写到结尾，作者的心情其实并未平静下来，为何他“心里颇不宁静”呢？
学生讨论，教师指导，可根据当时的背景和作者的经历性格等分析，有多种原因，但要在文中找到根据。
3、 探究阅读
（1）结合初中时所学过的朱自清所写的散文《春》，自由讨论：《春》与，比较喜欢哪一篇？
（2）当你心情郁闷时如何排遣烦恼心情的？请你向朱自清推荐一种更好的排遣方法。学生分小组进行讨论，并记录发言结果。
第二课时
一、导入
多媒体课件播放一段荷塘月色图，提问：请两位学生谈他们印象中的荷塘景色。教师引入：我们学习散文重在鉴赏品味语言，理解散文的意境。有人把朱自清先生的写景文称为“白话美术文”，这体现了他散文的什么特点？
点拨：绘画美。第4、5、6节体现了这个特点。现在我们不妨把作者手中的笔看作是摄影机的镜头，看看他是从哪些角度来给荷塘拍照的？
二、自主合作探究
1、语言鉴赏：
（1）朗读第4、5、6节，引导学生思考：作者是如何安排镜头的？
第4节：远→近，上→下，静→动； 第5节：上→下，正面→侧面；
第6节：外→内，远→近→远。
（2）学生自由朗读，教师引导学生细心品味这三段文字，发挥想象力，把“文字看出一幅画来”（叶圣陶语），让学生说出感受最深的语句并作欣赏分析。
学生自由发言，畅谈自己的感受，要结合具体的句子谈。
师生共同探讨：整个画面景色素淡静谧和谐，有一种朦胧之美，明确是借景抒情，“宁静”之外境，显“颇不宁静”之内心；受用“宁静”之喜悦，向往自由之人生。
教师明确：作者运用了多种修辞手法，带给人多重的审美感受。一是“通感”，二是“比拟”，三是叠音词，并结合课文中的例子向学生说明。
（3）让学生反复朗读背诵，充分体会文辞的优美。
2、文学层面鉴赏
让学生背诵自己知道的有关描写荷花的名句，联系古代文人如李白、周敦颐、杨万里等人的咏荷诗文，明确荷花在文人笔下一直是高洁人格的象征，体会作者笔下荷花寄寓之意，体会荷月之美景与作者之品格的相通处。
三 、探究：
1、交流活动：根据你的理解为荷塘月色的画面配上适合情境的乐曲，并且轮流上台配乐朗诵4、5、6节，表达作者所要表达的情感。
2、课外拓展阅读：阅读朱自清的《桨声灯影里的秦淮河》，与作比较，并写出比较心得，分小组进行交流。
教材与教学对象分析
《荷塘月色》是一篇写景散文，也是一篇抒情散文，作者以朴素、典雅、充满诗意的语言将描写荷塘与描写月色巧妙地结合起来，突出优雅、朦胧、幽静的物境之美，在写景中抒发出淡淡的忧愁和淡淡的喜悦之情。学生是容易入景的，但入情即难，而且对语言和景物层次的精妙之处难以感悟，因此在教学时先详细叙说文章写作的时代形势和作者的复杂心境，让学生通过联想产生历史的想象，再紧扣作者情感的变化揣摩语言的运用和意境的美。
一、教学目标
1、领悟作者的思想感情；
2、学习作者运用语言的技巧
二、教学重点
1、结合语境揣摩词语、语句的含义，体味作品语言精练优美的特点及表达效果；
2、感悟景语和情语浑然一体的妙处。
三、教学程序
课前：①学生查阅有关时代背景的资料；
②学生仔细阅读文章，认真思考教师布置的阅读训练题。
课堂：①分小组讨论阅读训练题（一课时）
②以文章的写作顺序，结合阅读训练题（二课时）
课后：①整理课堂笔记
②限时做《创新思维训练》中有关题目
③仿写：仿照课文第四自然段的博喻写一段写景的文字
四、教学过程及阅读训练资料
这几天心里颇不宁静。（“颇不宁静”的原因是什么？析：1927年大革命失败后，作者彷徨苦闷，希望在一个幽静的环境中寻求解脱却又无法解脱的心情）今晚在院子里坐着乘凉，忽然想起日日走过的荷塘，在这满月的光里，总该另有一番样子吧。月亮渐渐地（如果省略了“渐渐”一词，表达效果有何不同？析：“渐渐”写出了时间流动和空间转移的缓慢，与环境的宁静和心境的颇不宁静相适应，如果省略了，则不能描摹出时空变换的流动性，也不能体现出缓慢中的宁静与宁静中的颇不宁静）升高了，墙外马路上孩子们的欢笑，已经听不见了；妻在屋里拍着闰儿，迷迷糊糊地哼着眠歌。我悄悄地披了大衫，带（若将“带”字换成“掩”或“关”有何不同？析：“掩”—出门/转身/拉掩，动作烦琐，有一定的目的性；“关”—动作过程与“掩”相类似，目的性强，语言的感情色彩平淡苍白，缺乏表现力；“带”—轻轻地将门从背后掩上，动作轻柔随意，保持环境的宁静，也与心境相符）上门出去。
（1、在本自然段中，作者所处的环境是由哪几个空间立体地构成的？析：院子、夜空、墙外、屋里、门外）
（2、在本自然段中，作者使用了哪些叠词？有何作用？析：日日、渐渐、迷迷糊糊、悄悄；本文使用的叠词不仅传神地描摹出眼前之景，同时也有一种韵律美。叠词一般用轻声的语调来读，轻柔的语调与轻柔的情景相符，能渲染出一种雅而不俗的语言氛围，而在语音的延长中，语意与情感也是绵绵不绝，令人回味的。）
沿着（为什么不用“通往”？析：“沿着”是围绕，才可见“荷塘四面”的景色，而“通往”则表示还走在往荷塘的路上，无以得见“荷塘四面”。）荷塘，是一条曲折的小煤屑路。这是一条幽僻的路；白天也少人走，夜晚更加寂寞。（“曲折、幽僻、寂寞”三种情景前后有何联系？析：曲折引出幽僻，幽僻引出寂寞。）荷塘
四面，长着许多树，蓊蓊郁郁的。路的一旁，是些杨柳，和一些不知道名字的树。没有月光的晚上，这路上阴森森的，有些怕人。今晚却很好，虽然月光也还是淡淡的。（作者在描绘景物时用了哪些叠词？析：蓊蓊郁郁、阴森森、淡淡；景物的色调是怎样的？析：淡淡；流露了怎样的心情？析：淡淡的哀愁。）路上只我一个人，背着手踱着。（若换成“走”字，表达效果有何不同？析：“踱”：走路时不紧不慢，不慌不忙，慢条斯理，脚步井然有序，而心里却若有所思，若有所感，在幽闲、超然中，淡淡的哀愁在若隐若现。若换成“走”字，则缺少了情景融合的神韵）这一片天地好像是我的；我也像超出了平常的自己，（联系上下文，理解“平常的自己”是怎样的？现在的自己又是怎样的？析：苦闷、彷徨、想逃避又难以超然；自由的人）到了别一世界里。我爱热闹，也爱冷静；爱群居，也爱独处。像今晚上，一个人在这苍茫的月下，什么都可以想，什么都可以不想，便觉是个自由的人。白天里一定要做的事，一定要说的话，现在都可不理。这是独处的妙处，我且受用（“妙处”和“受用”两个词，可以表明作者的心情有何变化？析：从淡淡的`哀愁到淡淡的喜悦）这无边的荷香月色好了。（本自然段的最后一句在上下文的联系中有何作用？析：承上启下的过渡句）
曲曲折折的荷塘上面，弥望（“弥望”何解？析：充满视野，满眼，如“春色弥望”）的是田田的叶子。叶子出水很高，像亭亭（“亭亭”与前面哪个词相呼应，它修饰的是“舞女”还是“裙”？析：与“高”相呼应，修饰“舞女”）的舞女的裙。（本句运用了比喻修辞，本体和喻体分别是什么？它们之间有何相似之处？析：本体——叶子；喻体——亭亭的舞女的裙；舞女的裙与叶子自然舒展的形态相似。）层层的叶子中间，（“田田”与“层层”是对前面哪个词的具体解释？为什么？析：曲曲折折；“田田”描其连绵不绝，“层层”描其高低有序），零星地点缀（“点缀”与前面哪个词相呼应？析：零星）着些白花，有袅娜地开着的，有羞涩地打着朵儿的；（本句运用了哪种修辞手法？若换用其它修辞手法好不好？为什么？析：拟人；不能换用其它修辞手法，因为拟人的运用可以回应上面的“舞女”，荷茎象舞女，叶子象舞女的裙，而花便象舞女的容颜，同样千姿百态，楚楚动人）正如一粒粒的明珠，又如碧天里的星星，又如刚出浴的美人。（本句运用了比喻修辞格，本体和喻体分别是什么？它们之间有何相似之处？析：本体——白花；喻体——一粒粒的明珠、碧天里的星星、刚出浴的美人。1、月下的荷花白而光亮，而且是“零星地点缀着”的，与“一粒粒”的“明”珠相似；2、白花“点缀”在“层层的叶子中间”，在绿丛中隐约闪烁，与“碧天”里的“星星”相似；3、荷花是“袅娜”、“羞涩”而且是白而亮的，其神态与色泽都与刚出浴的美人相似）微风过处，送来缕缕清香，仿佛远处高楼上渺茫的歌声似的。（此处运用了“通感”的写景方法，试述什么是“通感”？其最大的特点是什么？“缕缕清香”与“远处高楼上渺茫的歌声”有何相似？这样描写有什么作用？析：“通感”指“一种感觉超越了本身的局限而领会到属于另一种感觉的印象”，即把一种可感的形象转化为另一种可感的形象的方法。其最大特点是“感觉的转移”。相似处：断断续续，若有若无，捉摸不定。作用：用“歌声”比“荷香”真切、新奇。荷香本是嗅觉的可感形象，作者却把它比作“远处高楼上渺茫的歌声”，使其转化为听觉的形象，把视觉、嗅觉、听觉交织在一起，启迪读者更加深远地想象和联想。）这时候叶子与花也有一丝的颤动，（“颤动”的原因是什么？析：微风）像闪电般，霎时传过荷塘的那边去了。叶子本是肩并肩密密地挨着，这便宛然有了一道（为什么只有一道而不是几道？析：一丝的颤动，象闪电般）凝碧的波痕。（波痕为什么是凝碧的？析：田田、层层、肩并肩、密密地挨着）叶子底下是脉脉（写出的流水的什么特点？析：无声、含蓄）的流水，遮住了，不能见一些颜色；而叶子却更见风致了。
（这一段所写的景物的顺序能不能调动？析：不能。因为叶子出水很高，而且是田田的，目之所及肯定首先是叶子；因为白花是点缀其间的，而且白而发亮，所以接着写花是理所当然的；因为花是零星的，所以微风过处有清香；因为有微风，就有了波痕；因为有了波痕，便看见了底下的流水；因为有流水，所以叶子更见风致。作者的目光又回到叶子与花上，从而顺理成章，从容不迫地引出下文对静静地泻在叶子与花上的月光的描写。景物出现的顺序是有着极强的前后关联的，极富层次感，绝不能调动）
月光如流水一般，静静地泻（若换用“淌”字在表达效果上有何不同？析：“泻”表明月上中天，月光自上而下，有更强的动感与立体感；“淌”虽也有往下流的意思，但一般是表示水、泪或汗等顺着或依附着某物流下来，而月光是从空中照下的，并无依附任何事物。）在这一片叶子和花上。薄薄的青雾浮（若换用“飘”在表达效果上有何不同？析：“浮”描写出青雾与叶花既互相贴近互相映衬又若即若离的层次感和动感，又可
描写出青雾似动而静、似静而动的轻柔含蓄之态；“飘”虽与“薄薄”相呼应，但既“飘”便“散”、便“逸”，虽有轻柔之态而无含蓄静谥之美，而且“雾”之所以“青”是因为雾贴近田田、密密的叶子而成，飘高飘远了，便无“青”的感觉。）起在荷塘里。叶子和花仿佛在牛乳中洗过一样；又像笼着轻纱的梦。（“牛乳”和“轻纱”的本体是什么？梦的本体又是什么？析：薄薄的青雾；叶子和花）虽然是满月，天上却有一层淡淡的云，所以不能朗照；但我以为这恰是到了好处——酣眠固不可少，小睡也别有风味的。月光是隔了树照过来的，高处丛生的灌木，落下参差的斑驳的黑影，峭楞楞如鬼一般；弯弯的杨柳的稀疏的倩影，却又像是画在荷叶上。（本句描写了哪两种树影的哪些特点？“画”字对表现这些特点有何作用？析：灌木——参差的斑驳的黑影；杨柳——稀疏的倩影；“画”说明树影的错落有致、浓淡和谐是恰到好处的，象是出自名画家之手，也让读者更易联想和想象到荷塘月色的诗情画意）塘中的月色并不均匀；但光与影有着和谐的旋律，如梵婀玲上奏着的名曲。（本句运用比喻和通感的修辞格，本体和喻体分别是什么？它们之间的相似点是什么？是从哪两种感觉的互相转移？析：本体——月色；喻体——名曲；相似点：和谐；是视觉与听觉的互换。）（评：这一段写荷塘上的月色，有正面描写，如流水，泻；也有用景物进行反衬，如写青雾、叶子和花、黑影、倩影等；写出了光与影虽不均匀，却和谐如名曲，光与影融为一体，荷塘与月色融为一体，心境与物景融为一体，整个天地浑然一体，如梦似幻，如诗如画，令作者与读者如痴如醉，作者心中流露出的依然是淡淡的喜悦。）
荷塘的四面，远远近近，高高低低都是树，（“远远近近”、“高高低低”描写出树的哪些特点？析：连绵成片、高低错落，层次分明）而杨柳最多。这些树将一片荷塘重重围住；只在小路一旁，漏着几段空隙，像是特为月光留下的。树色一例是阴阴的，乍看像一团烟雾；但杨柳的丰姿，便在烟雾里也辨得出。（在总体写树中又着重写了杨柳的丰姿，这是一种怎样的写法？析：点面结合）树梢上隐隐约约的是一带远山，只有些大意罢了。树缝里也漏着一两点路灯光，没精打采的，是渴睡人的眼。这时候最热闹的，要数树上的蝉声与水里的蛙声；但热闹是他们的，我什么也没有。（作者是怎样由景写到人的？作者的心景又有了什么变化？析：由路灯光联想到人的眼，由人的眼自然会联想到人的心，一想到个人，热闹的蝉声与蛙声自然会惊扰了荷塘和作者内心的超然境界，作者终于发出了“热闹是他们的，我什么也没有”的慨叹。作者的心绪又从淡淡的喜悦转为淡淡的哀愁。）
忽然想起采莲的事情来了。（作者为什么会“忽然想起采莲的事情来了”
呢？析：“颇不宁静”的心情在梦境般的荷塘岸边没有得到排遣，就想靠对古代采莲盛况的向往和对故乡的怀念来解脱。）采莲是江南的旧俗，似乎很早就有，而六朝时为盛；从诗歌里可以约略知道。采莲的是少年的女子，她们是荡着小船，唱着艳歌去的。采莲人不用说很多，还有看采莲的人。那是一个热闹的季节，也是一个风流的季节。梁元帝《采莲赋》里说得好：
于是妖童媛女，荡舟心许；鹢首徐回，兼传羽杯；櫂将移而藻挂，船欲动而萍开。尔其纤腰束素，迁延顾步；夏始春余，叶嫩花初，恐沾裳而浅笑，畏倾船而敛裾。
可见当时嬉游的光景了。这真是有趣的事，可惜我们现在早已无福消受了。（作者触景生情，由眼前景物联想到江南采莲的情景，作者说这是一个“热闹”和“风流”的季节，并引用梁元帝的《采莲赋》描写当时“嬉游”的光景，作者有没有被这种光景所感染呢？文章中的哪个句子可以表明？析：没有。“可惜现在我们早已无福消受了，”依然是“热闹是他们的，我什么也没有）
于是又记起《西洲曲》里的句子：
采莲南塘秋，莲花过人头；低头弄莲子，莲子清如水。
（《西洲曲》本是用来描写一个青年女子思念情人的痛苦，作者却借用来表达什么感情？文章中的哪个句子可以表明？析：思乡之情——这令我到底惦着江南了）
今晚若有采莲人，这儿的莲花也算得“过人头”了；只不见一些流水的影
子，是不行的。这令我到底惦着江南了。（此时此刻的作者为什么会惦着江南呢？析：触景生情，独在异乡为异客，面对黑暗的现实苦闷彷徨，无所适从，欲超然又想挣扎，借思乡排遣忧愁）——这样想着，猛一抬头，不觉已是自己的门前；轻轻地推门进去，什么声息也没有，妻已睡熟好久了。（作者从荷塘回到家里，心绪如何？析：作者从遐想中回到现实，现实依旧，愁思依旧，心里依旧不宁静，刚才的所见所闻，所思
所想恍如一梦。）
1927年7月，北京清华园
《荷塘月色》板书设计
缘由：心情颇不宁静（情感基调，下文不断揭示和照应）
一、月夜出门目的：看月下荷塘
小路：曲折、幽僻、寂寞
总写荷塘月色树：蓊蓊郁郁
月光：淡淡（景物色调）
心情：淡淡的哀愁
二、漫步小路感想一：象超出平常的自己
勾勒荷塘轮廓直抒胸臆感想二：觉是个自由的人（照应一）感想三：受用无边的荷香月色
心情：淡淡的喜悦
荷叶多、生意盎然：田田
高、美：亭亭、舞女的裙
颜色：点缀着些白花
荷塘荷花姿态：袅娜地开着（盛开）
羞涩地打着朵儿（含苞）
光亮：明珠、星星
荷香：渺茫的歌声
荷波：象闪电、霎时、凝碧
三、细写荷水：脉脉
荷塘月色（叶子：更见风致）
从月色的角度，正面写：如流水、泻
青雾：薄薄，似牛乳
似轻纱
从景物的角度，反衬：叶子与花：似梦
月色树影：黑影、倩影
光与影：不均匀、和谐
如名曲
写月光下近景从面上写：树色阴阴、
的荷塘四周似烟雾
静态从点上写：杨柳丰姿
远景：隐隐约约的远山
（仰视）
平视：路灯：无精打采
动态：蝉鸣、蛙叫
心态：我什么也没有（照应二）
淡淡的哀愁
四、回首江南采莲盛况，思乡情浓，心情依然不宁静（照应三）
Ⅳ 初学阶段比较长期的素描训练方式有哪些
题主关于怎么自学素描，教画画的周sir一万多字的回答已经非常全面了。再写下来下面的答案，是想提供一个不同的角度，什么是素描的角度。以下是回答：中国传统文化自古以来有“道”和“术”的分别。术，是指你可以驱动和支配什么；道，是探究什么东西驱动和支配着你，也就是探究什么东西驱动和支配着人类。这句话我在王东岳先生《人类文明的前途在哪里？》的开篇听到，感觉玄之又玄，不明觉厉。但，生活其实比哲学朴素得多，你抬头看见秋风扫落叶，心头泛起一阵伤感，赶忙掏出挎兜里的手机按下拍摄键。然后配上一句“满地尽黄昏，叶子的离去是风的追逐还是树的不挽留？”发到微信。驱动和支配你的“道”，就是希望低调的转告好朋友们，亲，冬天真冷，敏感而脆弱的我好像没穿秋裤，求点赞求安慰。而你可以驱动和支配的“术”，就是你兜里一万多的iphone xs max和你的拍照技术，加上会背两句古诗。和画油画，搞雕塑这种只有一少部分人精通的专业技术相比，拍照片作为现代人的基本技能，没谁说自己不会。但有人告诉你，其实你还会画素描，你会信么？素描 门采尔今天我们要说的素描，就和拍照片一样本来人人都会画。只不过这些年活生生被一群拥有话语权的专业人士，以敛财为目的，以毁人不倦为手段，忽悠成了垄断行业，让我们感觉玄之又玄，不明觉厉而已。如今素描不仅是进入美术学院的必经之路，还恬不知耻的归纳在“绘画考级系统”中，把学画画分成三六九等，只是为了收孩子那几十块钱一节的“专业素描学费”。为什么说素描本来人人都会？我们都知道孩子先会画一个“苹果”，然后才会发出“pingguo”的读音，识字后才会写下“苹果”两个字，再大一点更知道苹果不仅好吃，还代表了肾。从自然而然的成长规律看，孩子画的苹果是简单的线条，是自发的、最方便的一种表达方式。只要孩子能拿起蜡笔，就会本能的画出痕迹，这就是最原始的“素描”——素描是一种艺术观念的原始表现方法。这种原始特质决定了素描的两个突出特点：一是普通，二是很少成为独立作品。普通是因为画素描的笔是我们熟悉不过的铅笔、钢笔、粉笔、蜡笔，不存在任何的高难技巧。《神奇幻象》是一位叫黑鹰的人画的画，记录了他脑中的一个幻觉片段：自己化作雷神，骑着马使者在空中显灵，马鞍上的图案是冰雹，锯齿波浪线是闪电形成的能量波，二目圆睁就是在射出闪电。黑鹰《神奇幻想》铅笔 彩色铅笔黑鹰是拉科塔印第安人，从未学过绘画，更没参加过素描培训班。但黑鹰的确不是普通人，他是有超能力“往返于两个世界之间”的萨满，东北话叫神灵附体，跳大神的。拉科塔印第安人是美洲大陆原住民，他们原本居住在美国西部的草原上。在他们的世界观中，横扫大平原的暴风骤雨是雷神和他们的马使者显灵，所以黑鹰作为神在人间的代理人，会有如此的幻觉，并且画了下来。素描是不是足够普通？连跳大神的萨满都可以借助它，表达自己的想法。素描的第二个特点是很少成为独立作品。从古至今素描一直作为艺术家的私人记录而存在，它更像是用画笔写下的日记。安妮，收到的13岁生日礼物是一个日记本，从此开始写日记，她把之后两年多的躲避纳粹生活，沮丧的心情，对性的朦胧，对父母婚姻的担忧，都朴素的记录在了日记里。这是一本纯粹为自己写，自己看的私人记录。后来安妮在电台中听到有人在收集大家的日记和信件，作为荷兰人在占领之下苦难生活记录，她为之动心，才决定把自己的日记出版。之后，安妮对这本私人日记进行了改写、编辑、润色，并删去自己觉得不够生动或有趣的地方，还增加了一些内容。1945年安妮因为斑疹伤寒在德国集中营死去，出版日记成了她的遗愿。还好，幸存下来的爸爸最终完成了女儿的夙愿将日记出版，也就是今天我们看到的《安妮日记》。虽然日记出版了，但安妮并不是为了出版而写。同理，画家笔下的一幅幅素描和安妮日记一样，是画家只为自己画，给自己看的记录。素描 达·芬奇一幅绘画作品，很少是提笔即画，而是从一个想法开始，逐步确定主题，构图，初稿，人物形象等等，有了完善的构思后，才会开始动笔绘画。从想法到动笔，需要频繁的更改，会接连不断碰到妨碍画下去的问题，怎么办？还有，平时闪念而过的点子，看到了好的素材，想要钻研某个点，怎么办？这些或研究、或记录、或随手涂鸦的草图，就是素描。素描 达·芬奇被称为最伟大画家的达·芬奇只留下了大约12幅绘画作品，其中几幅还没有画完。但他留下了几百幅素描和上千页的笔记，里面画满了各种新奇的想法和图像，透过这些素描，可以还原他的丰富的思辨能力和敏锐的观察力，更能证明他非凡的创造力和天赋。在《论绘画》中，达·芬奇建议同行的画家们：要时刻带着能轻松装进口袋的笔记本和一支笔，看到人们哈哈大笑、打架和聊天的时候，寥寥几笔画下来。因为人的记忆里有限，但世间万物是动态的，变化无穷。《对子宫中胎儿的研究》羽毛笔 墨水 红粉笔 黑粉笔 达·芬奇和安妮日记一样，当时的达芬奇是单纯的为了记录和研究而画下了这些素描草图。今天看，他的很多手稿的确非凡，比如详尽的人体内部解剖图，这样的画法在14世纪很少见，因为教会禁止一切对尸体的亵渎，包括解剖。达芬奇是少数被允许的人之一，据说教会打算通过他的素描来获得人的躯体里存在灵魂的证据。达芬奇的素描也并不是以作品为目的，而是用素描为自己提供超越当时技术的观察方式，超越文字的记录方法，是以记录、观察、思考为目的。所有画家画素描的原因都和达芬奇一样，作为观察世界后思考的结果，并为自己的创作提供素材。这就是为什么很少看到大尺寸的素描，因为需要迅速完成，并且大量积累。我们都知道，德加擅长画芭蕾舞女，与其说擅长不如说德加除了舞女，对其他的题材都不感兴趣。作为印象派画家中的王思聪出身，雄厚的财力让德加可以随意在VIP观众席，在排练室，在后台休息室中贴身近距离观察舞女们最富有变化的躯体姿势。他一边欣赏，一边快速在本子上画下一幅舞女素描，笔下透出的是一种身临其境的感觉。同时，眼神不停飘移到旁人身上，边画边寻找下一个目标。《整理舞鞋的舞女》粉色纸 石墨 炭笔 白色粉笔 德加德加的一些素描更接近我们今天说的“速写”——像写字一样快速的画下一种姿势。日积月累的速写为画家提供了源源不断的创作灵感。看到舞女后面的网格么，德加在他后来的两幅作品中都使用了这个正在排练的姿势，网格可以快速的把这个动作临摹过去。普通和快速积累的特质，决定了素描对于艺术家的价值：用来观察世界，理解研究，记录表达。素描很像美剧越狱中Michael的纹身，或安妮日记，是关键的资料，是时间的索引。也正因如此，画家笔下的素描不需要顾忌结果好不好，不需要在意是否完整，只需要在“所见所想”中截取最感兴趣的任何一个局部，然后想方设法画出来所有的细节，去观察，去练习。《雅典学院》草图 木炭 粉笔 2.8X8米 拉斐尔拉斐尔在正式动笔自己的巨作《雅典学院》之前，用了很长时间画了一幅长8米的素描稿。这幅素描稿在之后的正稿上起到了非常关键的作用——让画面非常准确，因为正稿是非常复杂的湿壁画。湿壁画是什么东西？你一定有洗衣服混色的经验，如果把一套地摊儿买的大红秋衣秋裤和其他衣服混在一起滚洗衣机，恭喜你，这一锅衣服都会呈现暖暖的粉红色，并且上色牢固，再怎么洗也洗不掉了。湿壁画就是这个原理，在画画之前先在墙壁上涂一层熟石灰，然后把线稿的草图誊上去。之后，需要详细画那里，就在哪里涂上一层更细密的熟石灰，趁潮湿的时候调和颜料进行绘画。墙壁中石灰的空隙和水溶性，颜色就会被墙体表面吸收，永久的融合在一起。也因此湿壁画过程繁琐，耗时耗力，不仅要掌握好湿润度，而且当时的颜料昂贵，一旦画错修改起来很麻烦。多亏了素描草图，提供了在最后定稿前进行反复修改的途径。《雅典学院》 拉斐尔《雅典学院》7.6米长，拉斐尔为它画的素描草图是1:1比例的8米长，难度系数相当高。倒也不是一次性就画完，过程中还需要画大量的小幅、单幅的研究性素描来帮助构思那几十个姿态表情各异的人物形象，这些单幅素描就被称作过程稿。今天的职业画家，依旧保存着过程稿和素描草图定稿的绘画习惯。谷钢老师的油画作品《大庆人》有2.5米高3.95米宽，其中的绝大部分人物和场景，都有他实地采风的原型。作品的背后有着几百幅的素描速写，几十幅的1:1过程稿，可以说一幅画就可以做一个画展。《大庆人》油画 2.5X3.95米 谷钢 中国美术馆藏《大庆人》草图《大庆人》人物准备稿《大庆人》小稿看来，画家从来不为了画素描而画素描，背后的驱动力是进行观察和思考，是素材和积累。解决了为什么画素描，再回头来看这素描应该怎么画，就简单多了。那到底用什么画素描，怎么画？吃火锅要用筷子，吃披萨拿手抓，吃0.5分熟的牛扒要用飞飞快的刀和叉子，如果用筷子捅准渍你一身老血，画素描也是一样一样的。很多人印象中素描就是铅笔画，还真未必。你可能会问，画素描难道不是用铅笔？素描素描，“素”是关键。日本爱情动作片中有一类专门的素人系列，就是非职业的平常人、普通人的本色出演。本就不是职业演员拼不得演技，凭的是朴素单纯的劲儿。素描的素其实是这个意思：普通、单纯、本色。画素描的本质不在铅笔，很多笔都可以。木炭，粉笔，蜡笔，都行。以上的笔有一个共同特点——都在利用固体粉末在纸上反复摩擦而留下痕迹，被统称为干材料。反过来，调和粉末后让色料微粒悬浮在液体中流到画面上，像钢笔，针管笔，毛笔，就是湿材料。这些工具做画笔，都可以画出来素描。小时候学画，会在画材店一捆一捆的买中华牌铅笔，批发0.25元一根，便宜，好用。因为可以轻易擦除修改，铅笔成了素描最有效的工具，很得画家们的芳心。不过和平时写字的铅笔不一样，画家用的铅笔凭借软硬度不同分成了从H-B的系列类型，9H最硬留下的痕迹最浅，9B最软痕迹也最深。深浅软硬的变化是因为铅笔中含石墨的比例不同，越硬越少，越软越多。IlkaGedő是匈牙利人，犹太人大屠杀的幸存者，1944年她被关进布达佩斯犹太人区，面对镜子中憔悴、无助的这张脸，IlkaGedő画下了一幅铅笔自画像，她用铅笔对皮肤、头发、衣服、背景和眼睛进行了柔和的处理。浅色的硬铅笔在纸上的摩擦力度被用来控制细节，创造丰富的质感，卷发和眼睛用了更重颜色的软铅笔。《自画像》铅笔纸本 IlkaGedőIlkaGedő在集中营的大部分时间，都在用简单的铅笔进行绘画，画自己的同伴，画老人和孩子，画下了自己无助的样子。这些素描，今天已经成为记录人类耻辱行为的珍贵资料。在铅笔被发明之前，金属做的银笔也是常用的素描工具。锡、铜、银和铅丝都可以刻下痕迹。我在小时候最喜欢干的就是在电闸箱里找废弃的铅丝，拿来在木头上在纸上画来画去。意大利文艺复兴的画家们最喜欢的不是铅丝，而是银丝，他们把银丝夹在木棍子里，然后在木板涂上一层骨粉，用银笔画画。涂抹骨粉相当于涂了一层白底子，而银丝画下的痕迹因为氧化会慢慢失去光泽变暗变黑，时间越久图画就越明显，这种逐渐随时间变深的过程相当值得等待。拉斐尔的素描《母与子》里面，就用银笔塑造出了细腻的明暗感。《母与子》 粉色底色纸 银笔 拉斐尔明暗，正是素描的关键，可以帮你在平面的纸上画出来立体三维效果。画家嘴里经常说的明暗关系，也没那么深奥：假设有一道光射到人脸上，脸的正面因为受光而变亮，侧面因为转折过去没有被光照到就显的更暗，这就是立体。脸正面窄的人受光面小，亮的部分也小，就是天生小脸，反之就是大脸。化妆时在脸侧画阴影，是明暗立体的最典型应用。在一张平面的大脸上，强行模拟出转折明暗，把一部分正脸假装变成侧脸混淆视听，就会显得脸小。按这个套路，在人脸上的化妆就是素描。真实物体的转折越剧烈，明暗对比就更强烈，借此可以塑造出很强的立体感。在素描工具里公认木炭最适合画强烈的明暗对比，因为它和铅笔和银笔都不一样，更粗，更黑，更强大。掐着木炭条在粗糙的纸上轻轻一涂，就特别黑，如果想修改也容易，用面包屑蹭一蹭就变浅了。木炭也有优良之分，柳条炭是公认的良品，质地温润，摩擦压感层次丰富，大概相当于时尚界的爱马仕。利用炭笔的自然炭头可以画出相当柔和的线条，侧过来用一指长的木炭边可以快速铺满画面，拿砂纸把炭头磨尖了又可以描摹细节，还有，用纸团或手指对画好的笔痕进行揉擦，就会有意想不到的柔和混合效果。《老妇人》木炭 莱昂·奥古斯丁·莱尔米特一样的木炭，在不同的画家手里也不一样，甚至大相径庭。珂勒惠支的自画像和奥古斯丁画的老妇人，同样的木炭，同样的写实，同样的精彩，不一样的是各自充满了画家的个性。你看珂勒惠支对手臂大刀阔斧的处理，再看奥古斯丁老妇人脸上丝毫毕现的皱纹和斑点，淋漓的展现出了木炭笔触的丰富力量。《左侧面自画像》木炭 珂勒惠支看了这么多的铅笔，银笔，木炭，会误以为黑白是素描最常见的样子，据此很多人对彩色铅笔、色粉笔和蜡笔画出的画产生了曲解，觉得不是素描。但素描可不意味着单色。我们想想看，彩色铅笔的画法和铅笔没有任何不同，只不过笔芯里掺入了蜡和颜料。今天被收藏在大都会艺术博物馆中的《利比亚女巫》，是米开朗基罗在1511年完成的素描，用的就是红色粉笔。《利比亚女巫》红色粉笔 米开朗基如果仔细看，他用了平行线和交叉线两种方法来画出明暗关系，这种排线在素描里被称作“上调子”。调子，就是对物体表面光照效果的一种黑白灰处理。前面咱们还提到了画舞女的德加，再回头看他的色粉笔画，同样是用素描调子，用不同颜色的色粉笔，如梦如幻的再现了因光照而产生的富有变化的皮肤质感。好看！《梳头发的女人》 色粉笔 德加对素描的定义重要的不在于是否有颜色，而是是否以观察、研究为目的。修拉用细致的炭精笔排调子，画下了《塞纳河边的树》。他的研究目的却是明暗和深度，这幅画的焦点，并不是前景中粗壮的大树，而是特意弯曲的树干诱惑着我们关注到静静地河面。嗯，深远感由此可见。《塞纳河边的树》 炭精笔 修拉你看，尽管用了各色工具，还是没有画家为了画素描而素描，都抱有一定的研究目的，或观察，或记录，或思考，或想象。梵高甚至用棕色的钢笔墨水为他的播种者画下的草图，是看起来最不像素描的素描。最早的钢笔是把空心的芦苇切割成可以装填墨水的笔管，墨水则需要从木炭中提炼出来，所以是黄棕色。梵高通过改变钢笔笔触的粗细和方向，创造了这种起伏、不安的素描。《日出播种者》 钢笔和棕色墨水 梵高《日出播种者》油画 梵高中国传统书画中用狼毫、猪鬃做出的毛笔，也是画素描的好工具。90年代上小学的孩子们，都对两种练习记忆犹新，一个是珠算，另一个就是毛笔字了。这让中国人对毛笔和水墨的掌握驾轻就熟，用水调和墨汁的深浅就可以实现素描的黑白灰明暗。这种画法也影响了国外的画家，画家刘晓东就说，看过不少老外用毛笔画速写，画的如此之好，令人咋舌。《从蒙特马里奥向南看台伯河》 克劳德·洛兰法国画家克劳德·洛兰在1640年画了一幅很像中国水墨的风景素描，缜密的笔触中透出的是广阔的乡村风景，前景中的对比强烈，远山背景柔和，是典型用素描明暗制造出的景深感。《大丽花、石榴和棕榈树》 马蒂斯受到水墨的影响，马蒂斯也用遒劲有力的毛笔画下了《大丽花、石榴和棕榈树》，用单纯的线条和水墨，写生了一幅绘画。你可以说这是一幅素描，也可以说这是一幅绘画作品。一个男人是个负责任的父亲，同时也可以是一个孝顺的儿子。我们完全没必要像高考试卷的标准填空题一样强求明确的分类和答案。相反，认识到绘画中分类的自由度，是对艺术深层的理解。对画种或风格分类的自由，也越来越多的被今天的艺术家所利用，让绘画和素描的内涵变的愈加丰富。《Nobson》系列 保罗·诺布尔保罗·诺布尔的作品就是铅笔画，还是巨大的像一面墙一样的单张素描，很多幅都超过2.5米高。并且，这一大堆的素描组成的是他幻想的一个城市“诺布森新城”，有诊所，有购物中心，有学校和体育场。画画嘛，总有灵感的来源。2013年证券时报网报道《辽宁铁岭陷鬼城危机：楼盘均价3千入住率不足四成》，铁岭新城我在4年前去过，的确如鬼城一般，高楼林立，马路宽阔，人烟稀少，在车里看着闪烁的红绿灯，恍如隔世。这样的鬼城在中国今天恐怕不在少数。英国也曾经干过这种不靠谱的事儿，20世纪英国建筑商开发了数个郊区新城，但也是人少房多跟2013年的铁岭新城一样鬼都不来一个，逐渐被人遗忘，抛弃。《Nobson》系列 保罗·诺布尔诺布尔的灵感正是来源于此，他画笔下的诺布森新城市政府条幅写的是“没有风格，只有技术，没有意外，只有错误”。素描，应该是小尺寸，应该用铅笔，应该是黑白的，最起码是单色，这些呆板印象都被有创造力的画家们一一打破。其实打破的根本不是素描，打破的是我们的惯有思维。素描从未变过，它就是画家用来观察、思考、记录、研究的手段。任何人都可以去画建筑，画等火车的人，画摇曳生姿的树木，画阿猫阿狗。也可以一板一眼的画石膏像，画大卫和拉奥孔，更可以画你见到的任何东西，画你脑子里浮现但世间不一定存在的任何东西。前人走过的艺术道路，总归要被总结，以教育的方式传递下去。为了书写历史的方便，素描在大部分的艺术史中大致按时间线分成了几个阶段。（这里引用的是唯伟老师的一篇回答内容）第一阶段是文艺复兴时期以创作草图和分工绘画为目的的师徒制、网格法素描。第二阶段是17-18世纪以门采尔为代表的法国学院派素描，以古典主义审美为金线，以现场写生为主、从整体到局部的素描训练。第三阶段是19世纪的苏联契斯恰科夫素描教学体系，以唯物主义美学为基础，强调观察和形体在素描中的核心地位，也正是这时候黑、白、灰、高光、反光这五大调子被总结出来。分阶段并不是分好坏。穿着全套装备在绿洲中厮杀的头号玩家们，和对着15寸电视在手柄上按下↑↑↓↓←→←→BA的玩家相比，幸福感很可能不分伯仲。时间线只是总结素描的一条线索，并不意味着它们之间存在者根本的差别。我们今天熟悉的中国特色素描培训体系，是从苏联阶段而来。它以徐悲鸿的倡导为主，以第一位来到中国的苏联苏里科夫美术学院教授马克西莫夫同志在中央美术学院开设“马训班”为起点，给中国素描产生了巨大的影响。不过，这些素描的进化历史尘归尘、土归土，素描终结者“美术高考“横空出世。几十年的美术加试催生了大批应试培训班，无一例外让素描成为“画石膏体石膏像”，“黑乎乎的一坨”的样子。这也是为什么陈丹青会说“每次看到这种中国式的素描，我就想死，我觉得我宁可一辈子不画。”如果想深入了解为什么中国素描成了今天畸形，变态、僵硬的体系，为什么变得和艺术毫无关系，我推荐一篇唯伟老师在知乎专栏的文章《中国绘画界的素描基础教学到底是怎么一回事？》，写的明白，清楚。最后，我想说，素描，不仅仅是石膏体、石膏像，不仅仅是拉奥孔、大卫和海盗，更不是培训班老师嘴里的三大面五大调子，如果这样理解素描，就会陷入一种曲解的困境，进而曲解了艺术。在艺术教育里，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标;艺术教育的目标是使人在创造的过程中，变得更富有创造力，而不管这种创造力将施于何处。假如孩子长大了，而由他的美感经验获得较高的创造力，并将之应用于生活和职业，那么艺术教育的一项重要目标就已达成。——罗恩菲德美国教育家罗恩菲德提出了一个很重要的教育观念，艺术教育是人成长经历中的一种工具，艺术教育的根本目的是顺应儿童自然发展的本性，重视创作过程，忽视创作结果。素描就像写字一样，是我们每个人都可以做的事。我们为了表达的本能而说话，画家和我们一样为了表达的本能而画画。只不过，画家选择艺术作为驱动自己的“道”；选择不停的练习和完善画法，作为自己能够驱动和支配的“术”。素描，是这术其中重要的一部分，一扇门而已。推开它，看到的可能就是艺术。这篇7000多字的回答，参考了两本书《艺术的真相》和《认识艺术》，也推荐给你。