研究区域艺术差异的方法

‘壹’ 请结合具体作品谈谈阿尔卑斯山南北艺术的差异。

摘要 ,历来被人们称之为现代欧洲的序幕。无论是政治经济层面,还是思想文化层面,在这一时期都得到了一次质的飞跃,标志着一个新时代的到来。正是这一时期,西方绘画艺术迎来了一个全盛的时代。油画作为一门新的绘画技法的产生,改变了以往的绘画方式,并成为统领西方画坛的主要画种。在复兴古典文化理性主义思想的基础上,人们开始以“人文主义”反对中世纪宗教思想中的“禁欲主义”,以求“人性”的张扬。欧洲因阿尔卑斯山特殊的地理位置,自然地将欧洲分为南北两方。本文通过对15-16世纪阿尔卑斯山南北绘画进行比较研究,探究在这种同质的社会背景下,绘画艺术又因地理位置、气候特征、时代精神等“精神气候”的不同,自然地选择着与本土文化相适应的艺术面貌。阐释在外来绘画撞击本土绘画之时,会因地域的差异而产生出带有“民族性”特质的绘画风格。本文不仅运用比较学的研究方法,还运用了图像学的研究方法。不仅分析了艺术作品的本质意义和内容,即产生艺术作品的社会生活、社会形态、文化渊源等因素,还采纳彼得·伯克“图像证史”的观点,将图像作为了解那个时代的证据而使用,把对图像的分析,引入到绘画本体层面,着重分析南北绘画因绘画思想、绘画材料技法的不同,而导致绘画风格的差异。全文分为四个部分:第一部分概述选题的意义;第二部分分析15-16世纪阿尔卑斯山南北绘画艺术产生的社会文化渊源;第三部分运用图式分析,因绘画思想、绘画材料技法的不同而产生南北绘画的差异;最后对全文内容进行总结。在艺术文化交融发展的同时,每个民族都不可能独立于“他者”而存在。在外来绘画转型的过程中,理智的保持本民族的特质并且接纳“他者”,绘画艺术将会变得更加灿烂绚丽

‘贰’ 中西艺术的异同！

中西艺术的相同之处：

1、艺术都是表现了人类的社会文化发展。

无论是东方还是西方，从古至今的艺术作品，如绘画、诗词、文章，都是在象征性的描绘当时的时代。比如中国的绘画形式，有壁画、油画等形式，从战争、经济、文化等各个角度不间断的描写，向我们展示了社会的发展。

2、艺术都表现了人类的创造性。

无论是诗词、绘画、舞蹈，都是从无到有，从凌乱到完整，这都是在人类的创造下才有的。

中西文化的不同之处：

1、文化根源不同。

中国文明的起源是华夏文明，上古时期，神州大地遍布各种部落，每个部落都有自己的生活理念和信仰。汉武帝推翻道家无为而治，独尊儒术开始，汉文化以儒学为核心开始成型，汉文化可以说是经历千百年的演变升华，影响着华夏子民。

西方的文化根源有古希腊文化：理性主义与原始意识。对外在世界的探索热情。还有希伯来文化：宗教信仰，原始意识，对人内在世界的发现。

2、艺术表现形式不同

中国的艺术表现形式有戏曲、剪纸、刺绣、绘画、国画、书法等。、

西方的艺术表现形式有歌剧、舞蹈、建筑等。

(2)研究区域艺术差异的方法扩展阅读：

—由罗丹沉思者像和北魏思维像谈起，试把罗丹的沉思者像和中国的北魏思维像摆在一起来看，您便会发现二者在思想的方式上迥然不同，一个是满头大汗地在想 ，一个是悠闲自在地在想。

前者的精神状态是紧张的，所以全身的筋肉都在用力气，尤其是腿的部分筋络奋张，形势危急，从一个中国人或东方人的眼中看去，我们每每不禁要问一声，思想亦要这样吃力的吗？这样紧张地苦苦追索，真理就会为我们所捕捉到？说不定反会因此而失之交臂。

回头看一看北魏思维像那姿态就“从容”多了，半跏趺而坐，支颐而思，意态十分自在，不但没有肌肉紧张地去想，脸上还分明想呈现出一种了悟后的欣悦微笑。

我以为这两尊思想象的意态表现，亦能从某一个角度中透露出中西艺术思想底色的不同。

譬如说，西方人画一个天使，多半要给它插上一双翅膀，他们的想法非常踏实，没有翅膀怎么能飞翔呢？中国人或东方人就思有别径，何必身插羽翼，只需驾一朵云彩就行了，人在云中即是仙，显然空灵多了。

西方人画画，不论其为人物、静物、风景，都态度踏实，而且好采取大自然的一角一隅，以风景画为例，不但比例正确，而且光线色彩逼真，画成之后，还一定在四周给它钉上一个镜框，嵌在墙上就同在室内打开了一扇窗户，透过这扇窗门，您就可以看到花园中的一角芬芳。

中国人在这方面别有会心，不以割取大自然的一角一隅为满足，以山水画为例，他的用心是要摄取山川云树的大全，而不是只窥伺真实自然的某一部分，北宋的巨轴山水画和南宋的山水诗意小品都可以现身说法证明这一点。

中国艺术的追求在全，西方艺术的追求在分，这在西方画的装镜框和中国画的裱中堂上也可以透露出一点消息来。

西方人务实，一切都要剖析来看，罗丹的《沉思者》就是由解剖学的立场而如此表现的。中国人好统摄起来看，所以挂一幅中堂就山川云树无不归纳入宇宙秩序中。

西方哲人如培根（Francis Bacon）便主张人要征服自然，而且说：大自然是最狡猾的东西，一定要把它套上夹棍逼它的口供。

中国人则不如此想，一心只想与大自然和谐相处，三才者：天地人；万物皆吾与也，一一都在说明这种是和谐而不是对立的基本观点之不同，所以在艺术的表现上亦迥异其趣。所以钱穆先生很有意思地说过：“西方的哲学是跨前一步的想法，而中国哲学则有退后一步的想法的趋势。”

塞尚被西方人称为近代绘画之父，他为了要描写出苹果的永恒性，苹果在静物台上每每都被观察到已经腐烂，他仍执笔描绘不辍。这是画史上有名的故事，因为他不满足于只追求到表面的浮光掠影。

同样的，中国的牧溪和尚，他有墨色的《六柿图》传流于世，看他用笔的深意、用墨的层次，艺术家鉴赏家大都同意这样的评语：“山川变易，图画长存。”可知地无分东欧亚，时无分中古近代，艺术家对事物永恒的追求是一样的。

塞尚是19世纪的后印象派大师，比他更近的还有1973年才逝世的毕加索（Pablo Picasso），他曾画了一幅牧者的人像，一个人手执长竿骑在马上，试以这幅画和梁楷的《泼墨仙人图》来相比。

一个是13世纪的出家人，一个是20世纪的大艺术家，一个生在亚洲中国，一个生在欧洲西班牙，所画的题材又不相同，然而多么动人深思，因为两幅画摆列在一起，一无舛错，都是要表现他们思想上、心腹中的笔墨淋漓。

德国的大画家丢勒（Albrecht Dürer），他画了一只兔子栩栩如生，全世界都倾仰得不得了。中国在北宋时，有一位大画家叫崔白，他在有名的《双喜图》上也画了一只兔子，同样之生动。

若把这两只毛兔并列在一起，你就会知道，时代不同，地域不同，工具不同，而所表现的主旨却完全相同，这使我们倏然体会到，艺术上的追求，最核心的部分，一定超越乎世俗地域、时间之上。

从罗丹的沉思者像和北魏思维像的形态表现上，我们先看到了中西艺术思想底色之异，但是在伊斯坦布尔之猫和沈周的猫、塞尚对苹果描绘的追求和牧溪《六柿图》等的相似，却又很清楚地看到了中西艺术思想的相同。

《中西美术比较》是2008年04月山东美术出版社出版的图书，作者是孔新苗。本书以清晰的线索,将中西美术自古至今的审美理想嬗变,形式语言演化、思潮与批评现象,进行了系统的比较分析。

本书的特点主要有两个方面：一是没有将对中西美术的比较阐释局限于古典时期，或停留在点与点之间的比较联想，而是从“审美现代性”切入，建构了中西美术自古至今历史演进双线并行的比较阐释构架。

从中定位、考察了丰富多彩的中西艺术思潮与美术创作现象，从而在比较中揭示了中西美术各自的文化品格、语言形态和变革动力特点，以及在现代世界中的交融演变和冲突关系，使比较研究的视角具有鲜明的当代性和问题意识。

二是作者的比较研究关注方法论，关注当代思想界的新成果，并力图在美术研究中利用这些新思想、新方法引发新思考。该书2002年首次出版，再版多次。本次重新修订不仅添加了新内容，也对整书进行了全面调整，使其更趋完善。

用具体的案例和精练的阐释,对中西美术的典型特征及其演变线索进行了归纳与提炼,是目前本领域相关研究中比较完整而有特点的成果。

‘叁’ 如何在区域活动中提高幼儿的审美能力与创造力

陶行知先生在“创造宣言”中说：“处处是创造之地，天天是创造之时，人人是创造之人。”幼儿与生俱来就有艺术创造的潜能，幼儿的创造强调了自身发展的个体价值，反映出强烈的自我表现、自我完善的心理需求。因此，我们必需抓住幼儿这一时期，实施有效的发展策略，以发展其创造力。我们对幼儿创造力的培养主要着眼于挖掘幼儿潜在的创造力，培养幼儿创造性思维的习惯，使幼儿接受一些创造活动的熏陶，产生一些最初的创造意识。美术活动是幼儿园进行创造教育的良好途径。可正规美术活动往往是教师预设大于幼儿生成，技能的传授与幼儿创造力培养之间的度把握不够准确。而在美术区域活动中，教师可以根据幼儿个体差异提供不同层次的材料，让幼儿在宽松的活动中根据自己需求自主的选择材料进行活动，创造力能得到更好的发掘。结合我园的区级课题本学年我尝试了在美术区域活动中培养幼儿创造力。下面就是我的几点做法。
一、营造鼓励幼儿创造的心理氛围
1、宽容理解幼儿 创造性的本质就是标新立异，与众不同。心理学的研究指出：有创造性的人往往会因为自己的思想和行动偏离了常规而感到焦虑不安，幼儿也是如此。心理学家罗杰斯认为“心理的安全和心理的自由是促进创造性的两个重要条件”。因此，在美术区域活动中，我总是以一颗宽容之心来对待孩子“与众不同”的言行，从不轻易指责孩子，让孩子在一种轻松、自由、愉快的环境中充分展示自己的创造才能。一次活动中，一个孩子做值日生负责收颜料，可好久也不见他出来。原来他躲在厕所里正用颜料在地砖上“挥洒作画”呢！他发现我时下意识的把手藏在背后，感到恐慌和不安。我敏锐的觉察到孩子的创造性，不但没有批评他反而请大家讨论并特意在阳台上辟出了一片可供幼儿挥洒的空间，形成了我班颇具特色的“瓷砖天天画”。孩子们在这片方寸空间尽情发挥自己的想象。所以，面对幼儿看似“出格”行为，我们应进行换位思考，宽容理解幼儿并通过帮助启发使幼儿敢想敢做，从而营造宽松自由的创造氛围。
2、赏识幼儿 赏识是对幼儿创造力的肯定，更是开发幼儿创造力的催化剂。幼儿的作品哪怕是微不足道的，只要有益于发展创造力就应当受到认可、肯定和赏识。在美术区域活动中我发现：老师欣赏的目光，满意的点头，一句话，一个动作都能给幼儿带来莫大的快乐，能较好的激发幼儿创造的兴趣。在“装饰区”里，幼儿习惯于用记号笔装饰杯子，一幼儿改变了方法：使用报纸条给杯子穿上“横条纹衣服”。我立即对她的改变表示出极大的兴趣赞赏道：多棒的服装设计师，把杯娃娃打扮得这么漂亮！她涨红了脸，显得很激动。我真切的感受到了她内心的自豪，体验了赏识的价值。从此这个孩子便对装饰杯子产生了强烈的兴趣，翻出了很多的花样，比如：给杯子娃娃戴上赤豆项链，为杯子娃娃穿上绒线裙……因此，赏识幼儿每一次不起眼的创造，才能激发幼儿创造的兴趣，形成幼儿内在的创造倾向。
二、为幼儿创设求异创造的物质环境
皮亚杰认识理论认为：幼儿是在与环境的相互作用中发展起来的。美术区域活动作为一种新的活动形式让幼儿在活动区中自主的与各种材料交互作用。所以，只有创设良好的物质环境才能体现出幼儿的自主活动，更大程度促进幼儿创造能力的发展。
1、开放活动区的环境，拓展幼儿创造的空间 活动区的环境要开放，我精心的构思活动室的每块墙面、每个角落，让活动区环境处处成为幼儿求异创造表现的天地。壁面环境“超级变变变”是幼儿求异创作的成果。幼儿大胆利用废旧光盘装饰或制作成形态各异的小动物，有小鸟、螃蟹、牛、蜘蛛、熊、大象等。“创意架”上全是幼儿的创造。很多是用牛奶盒和食品包装盒制作的“变形机器人”，用乐百氏奶瓶和玻璃瓶制作的瓶娃娃，用多种废旧材料装饰的镜框，还有长着挂历纸头发、橡皮泥条头发、绒线段头发、丝带头发、竹饭炒脸蛋、穿着各色塑料薄膜裙子的“漂亮妈妈”， 虽没经过精细的加工，但无不透露出幼儿思维的新奇。灯管也是活动区环境的一份子，经过细心创设也成为一处创意作品的风景线，餐碗动物、信封民族娃娃、材料各异的服装秀悬挂其上。总之，创设开放的活动区环境并充分利用发挥了幼儿求异创造的能力。
2、提供丰富变化的物质材料，诱发幼儿求异创造 幼儿的求异创造离不开物质材料，只有丰富多彩难易适度的材料才能保证幼儿活动的质量。我在提供材料上吸引幼儿共同搜集，因为幼儿自己搜集的材料更易引发幼儿的创造。老师提供的材料不能过分精细和复杂，应使幼儿不用太复杂的技巧就可以获得满足感，材料要富有变化性能吸引幼儿更多的直接参与活动，颜色鲜亮、小巧、易折、形状易引发想象的材料很受幼儿欢迎。总之，在材料提供上大至纸箱，小到纽扣、绿豆，但凡是就要丢进垃圾筒的干净废品都要考虑是否可以进幼儿的“百宝箱”。这些材料都会让幼儿感到如获至宝,均可成为触发幼儿创造灵感的触点。幼儿的创造一般是在模仿的基础上进行的，是对模仿经验内化后的改变。而能够在模仿的基础上举一反三正是幼儿创造的特点。比如：在“制作区”里，我提供了瓶盖、金鱼外形、金鱼眼睛等材料。幼儿摸索出“瓶盖金鱼”的制作方法以后便不在满足于此，一大箱应有尽有的材料诱发了幼儿的创造动机，有的用圆筒薯片盖做成“薯片盖金鱼”；有的用三角形药盒做成“药盒金鱼”；有的用有凹痕的饼干壳做成“饼干盒金鱼”；还有的幼儿用自己收集的开心果果壳做成了“果壳金鱼”。丰富合适的材料使幼儿饱满的创造欲望一触即发，在经验—材料—成品之间，思维在对材料直观感受的刺激下，伴随着创造的冲动走向联想，并在经验的土壤里孕育出花朵：大小不一的瓶盖组合成了不倒翁娃娃、可爱的熊猫等。就这样，丰富变化的材料环境成为幼儿的创造乐园。
三、适时介入，促使幼儿创造力发展
在美术区域活动中，教师要当好幼儿的参谋和助手，扮演好观察者的角色。我们进行观察的目的是为了准确了解幼儿在活动中的需要和表现，并及时分析，给予适时适度的帮助。
1、教师要善于观察，捕捉幼儿的创造火花。 活动中幼儿的创造火花是稍纵即逝的，所以老师要细心的观察捕捉。我观察到一个孩子把蟹壳拿在手里反复看了好半天，然后颇费了一番力气在上面粘了两根麦管感觉不满意失望的将其丢在一旁。我及时的问他：“为什么不做下去？”“因为我觉得不象小兔子的耳朵。”原来聪明的孩子把蟹壳当作兔子的脸，在装耳朵时遇到了麻烦。我引导说：“小兔的耳朵这么长，打个弯吧！”孩子看着看着，眉宇舒展了。他重新燃起了创造的火花，飞快的在壳上剪贴了眼睛和三瓣嘴，一个活灵活现的兔子就做成了。有了这次成功的经验，他一气呵成制作了“小猫头”、“小狗头”、“小猪头”。可以看出，老师细心的观察和适时点拨可以重新点亮孩子的创造火花，保证幼儿的创造顺利进行。
2、教师要适时介入，激活幼儿的创造思维 中班上学期，在剪纸区里，幼儿会用走公园的方法围着白纸有进有出的剪出形态各异的“雏形”。但经过多次观察我发现幼儿只会从一个角度进行观察，创造思维处于停滞状态。我觉得有必要适时介入以激活幼儿的创造思维。一个孩子说：“老师，我剪了一个小乌龟。”“确实象乌龟耶！多怪的一张纸呀，转过来看看象什么？侧过来看看又象什么？”旁边的小朋友急切的说：“老师，反过来看还象小兔呢！” 幼儿在惊讶的同时发现从不同的角度观察会有不同的结果。他们积极的投入了对“雏形”纸的“改造”，变出了不同的动物。后来，幼儿又由此及彼的对废报纸及边角料进行“改造”，形成了一次小小的创造热潮。
四、进行一些创造力训练，发掘幼儿的创造潜力
美术区域活动内容广泛丰富，包罗万象，为创造力训练提供了有利因素。我针对幼儿思维及年龄特点有意识的对他们进行一些创造力训练，譬如：想象力、联想能力、扩散思维、推理判断等方面的练习。
想象是对记忆的表象进行加工改造的一种形象思维，也是一种创造性形象思维。幼儿常常能由一个简单的形状想象出无数的象形物。借形想象符合幼儿具象思维和善于想象的特点，是幼儿最喜欢的一种形式。幼儿通常会就某一形状在自己已有的表象认识中积极“搜索”象形物并动手“发明”。我在“变画区”中给幼儿提供不同图形的底版，启发幼儿想象变出不同的象形物体。给幼儿有几根弧线的底版，幼儿想象变出“妈妈的头发”、“弯弯的小河”、“小蛇赛跑”；给幼儿两个半圆的底版，幼儿想象变出了瓢虫、乌龟、蘑菇；给幼儿圆柱体的底版，幼儿想象变出了电池、垃圾筒、木桩；给幼儿两线交叉的底版，幼儿想象变出了剪刀、风车、小鱼。幼儿的想象力越来越丰富，后来我提供了只有一根直线的底版，幼儿居然想象变出十几种东西：铅笔、金箍棒、小旗、铲子、半块饼干、小饭勺、气球、一把剑-----运用类似“智力激荡”手法进行想象力的训练不失为一种好方法。在此基础上，我在“加工区”里投放一次性饭盒、蟹壳、光明牛奶盒等易引发想象的材料，启发幼儿根据这些废品进行加工。孩子们插上了想象的翅膀：一个孩子在一次性饭盒的旁边插上几根麦管变成了大闸蟹；另一个孩子则把饭盒打开，粘上数字及屏幕变成一只手提电脑！有的幼儿则用牛奶盒挖了许多洞洞，再用一次性筷子搭上纵横的架子变成了“金茂大厦”。可见，把借形想象作为训练的手段，可以使幼儿的创造力上一个台阶。
我还在活动区中投放了一些与创造力有关的内容，如：让幼儿对一张似是而非的图案从任何一个角度去观察、猜测，做任意的想象；让幼儿看一些抽象的图片，进行想象记录（结合我班名画欣赏的教学，我提供了画家米罗的作品让幼儿大胆想象、联想，每人看的都有所不同，创造力得到培养）
五、正确把握评价的度，激发幼儿的创造激情
1、教师把握好评价的尺度，注重幼儿的创造过程 评价是美术区域活动的重要环节，我们要淡化自己的权威意识，不能用评价艺术作品的眼光去严格评价幼儿的作品。老师还要注意面向全体，给每个幼儿机会，使孩子的创造火花都得到展现，获得成功感。讲评时，一个平时沉默寡语的孩子手拿自己的作品（糖盒、烟盒、饼干盒简单的粘贴在一起），目光里满含着期待。面对其他孩子举得高高的精美创意品，我有点漠视其作品，可又不忍回避孩子期待的目光，于是请他介绍自己的作品。原来，下面的饼干盒是爸爸妈妈的房间和大家吃饭看电视的地方，上面的糖盒是自己的房间，而那个扁平的烟盒是家里的大阳台，孩子还说多晒太阳身体才会健康。这么不起眼的组合却被孩子说的如此美好，我及时的报以这个孩子热烈的掌声，共同为这幢房子取名为“阳光别墅”。我想：这不就是孩子的创造思维吗？我庆幸刚才没有漠然视之。所以，我们评价的目的不是将幼儿分成等级或追求某种成果，而是看活动过程中有无童趣，有无创造思维的闪光点。

2、倾听和了解孩子的创造意图，释放孩子的创造激情 我们评价时要屏弃教师一言堂的做法，给幼儿充分表述自己创造的机会。每次活动结束时，幼儿都有强烈的表达愿望。这时，我们最好做一个合格的听众，请幼儿把自己的创造思路淋漓尽致的展示给我们，这样有利于孩子下一次的创造。如：活动还没结束，一个孩子就迫不及待的把一个稀奇古怪、装备复杂的“怪物”介绍给我们：我做了个会吃垃圾的机器人，大嘴巴是吞垃圾的，肚脐眼是排放垃圾的，两根管子是送走造出来的气的------孩子说的眉飞色舞，得到了很大的满足。可以看出我们这样做的好处就是：使幼儿求新求异的创造思路充分展露，使幼儿创造的激情得以释放。
经过一学年的探索，我认为美术区域活动是培养幼儿创造能力的有效途径。对幼儿来说，这种活动形式宽松，幼儿选择感兴趣的内容自由积极的进行表现和创造，创造能力易于提高。对老师来说，这种活动区别于集体的正规活动，老师可以及时充分的观察和了解到每个幼儿的状况，及时的进行引导和帮助幼儿生成，利于各种层次幼儿创造力的培养。同时，教师还可以根据每个幼儿的现有水平，确定他们的最近发展区，使幼儿陶醉在没有最好只有更好的追求中，为幼儿以后的学习和发展奠定良好的基础。

‘肆’ 东西方艺术的差异是什么

东西方
艺术
的差异主要有：中国传统艺术是
写意
的。注重的是
人与自然
的关系，反映的大多是自然在人心里的感受。
绘画
多写意，音乐重感受，
书法
写胸臆，舞蹈讲合一；西方古典艺术是写实的。注重的是对
自然
的重现，反映的大多是自然的真实情况或运行
理论
。绘画多写实，音乐重和鸣，舞蹈表情绪。
东西方艺术的差异与中西
哲学
的差异有关。中国的
哲学思想
是以
中庸
谦和为主，把天人合一，物我两忘推向极致；西方哲学主要是来源于
希腊
的
数学
和
几何
的逻辑思维，重视对
事物
的客观认识，概念化推理演绎剖析事物，推崇物我对立。所以，
中国艺术
以含蓄的
手法
来表现自己，
西方艺术
多以夸张的手法来表现自己。

‘伍’ 举例说明东西方艺术审美的差异

在研究中、西文化差异的选题上，不少学人投入了大量的精力乃至毕生的精力去进行深入而细致的研究。向西方介绍中国，向中国介绍西方，为全球一体化的思维格局作出了不朽贡献。他们用自己的智慧和经验从不同角度向我们介绍了西方文化特征和艺术思想的构成。对我们了解外端口世界，了解西方文化的审美理念，提供了不少可以借鉴的理论依据，为我们研究自己民族的审美理念和融入西方审美思想对我们的赏石活动具有十分积极地意义。

这是一个大题目，它涉及到人类活动的方方面面，涉及到世界各个民族的文化背景。各民族的生活习惯，物质条件，地理位置，气候环境，光照时间等众多因素，直接影响着一个地区和一个民族的文化习俗。本文旨在就审美意识方面作点阐述，愿它能对我们的赏石活动有点积极意义。

现代生理学和心理学的研究表明：人的大脑区域，确有潜意识领域的存在。这种奇特的潜意识功能的发现，不仅校正了以往无法解释的神话观念，而且更科学的解释了人脑进化的客观规律。人脑的这种潜意识领域，可分为先天的遗传和后天的沉积，理论上把它区分为种族潜意识和个体潜意识两大类。据W.薄莱尔的实验报告表明：人的感觉能力有一种连续性。新生儿在出生之前大脑中就写上了复杂难读，甚至不可辨认的特殊记号。这种记号是来至远代祖先的许多感觉刻痕，有人便称其为种族潜意识或曰遗传基因。个体潜意识则是人的后天所有经验和理性意识在大脑层皮留下的记忆痕迹，是现实生活中对人影响最深刻，触动最大的历史事件存留的痕迹。这些库存在大脑层皮中的所有记忆，会在潜意识中留下一触即发和条件反射的不同反应，并主导着人的所有行为意识。

中国的奇石鉴赏家和艺术家，应该是对事物感受能力比较敏感并具有超前审美意识的一类。当他们在现实世界里看到某种事物最初的原貌时，会因此发生很强烈的情感活动。虽然还无法从科学的理论上解释对某一事物的思考能力，但我们完全可以肯定的说：他们对事物的感知能力与一般人是有所不同的。当他们发现有一种特别而又值得注意的物质现象时，便热心而好奇的摄取到自己的心灵中来。从最初感觉的那种独立形象，经过潜意识的孕育培养，再与其它事物进行有机结合，从而创造出思维典型。这种典型思维的意义是鉴赏家以前观察到事物现象的再现。

一种物质现象，如果它可以形成并表现时代的审美动机，他们便能摆脱个体狭窄的认识圈子，对整个物质现象投射以格外的审美注意力。能够强化自身的活动意向，并去认真观察、体验、捕作和揭示自己时代的审美特征，将这些现象纳入自己的视野，从而构成整个审美创造活动中稳定而完整的实际内容。同时，在审美个性的整体结构中，比较稳定而又差异较大的则是鉴赏家对观察，感知、分析、想象的不同层面而有所不同。

在中国封建社会的土壤里，不可能开放出古希腊时期那种表现人体健美，体格强悍，袒露胸腹的艺术之花。也不可能有象维纳斯那样裸露肌肤的女性形象和像大卫那种全裸的男子雕像。西方的艺术创造是一种入木三分的细腻肌肉块状和骨骼关节灵活的直观再现。东方艺术则是充分利用外在条件的包裹意象影射着人体内在的那种气质和想象。中国的人物画和雕塑从一开始就没有一个标准的比例，历史上没有一件作品可称为正比和采用黄金分割的科学方法进行艺术构思。直到近代，西安兵马俑的出现才让我们见到了二千多年前人物比例的正确性。但依然是重甲包裹，服履靴形。即使这种比较科学的人物比例，也没有被后来的艺术家采纳。在中国封建社会里，艺术家不可能亲见直观的人体，更不允许宣泄人体艺术的原形。说到底，是对人体美的艺术形象不懂和禁忌。在中国礼教中，女不露皮，男不露脐的教化，成为一种约束人的意思行为，禁忌自我了解的桎梏。在中国历史上认为大逆不道的事，在西方，从他们的祖先开始就已经习以为常了。只是到了近代，中国美术界接受了西方文化的精华，似乎重新认识到了人体是世间最美的一部分？

自从艺术人体在我国小范围开始运用，始终步履艰难，障碍重重，更是直接怒斥为色情和黄色的渲染。这种对人体自身神秘化的教化结果，导致民族的另类更希望解开这个谜团的主动进攻。人们越是见不到真的人体，越是表现出对未知领域的渴望，尤其是最隐蔽的生殖器官，便成为中国另类最强烈的报复对象。所以，中国人骂人最恶毒最丑陋的语言，莫过于对男人女人的生殖器攻击。我们所知道外族恶毒语言的攻击只是强调人格智能的低下和愚昧，他们即使骂人也似乎不像国人如此丑陋和腥嗅。

近二十年来，中国境内人体艺术和那些被称为裸体的东西多了起来，人们也似乎习以为常了。从最初让男人们的圆目咋舌，女人们的羞巾捂面发展到现在，似乎也对人体这一最美部分的理论开始有某种程度的认可。

西方绘画是在画布上用颜料反复涂模出光影和透视效果。中国绘画则是在一张白纸上充分利用虚幻而简略的手法概括具象和景深。中国的文字是一字一意的肯定人类活动印迹，并作为一门独立的书法艺术进行欣赏，直至解读远古的原始文字。西方则是用二十几个字母反复拼凑来反映人类的社会活动。这些拼音出来的东西，有些用语的意思，时过境迁，后来者就不解其原始的含意了，这一点在不少文章中都得到证实。中国的语言习惯多采用隐喻，含蓄，委婉，曲折的方式表达重要意思。西方则是直接，生硬，高亢，直白的强调重要内容。中国人一个眼神，一句用语的轻、重、缓、急都分别表示不同的意思，西方人则全然不解其意。这当然与生活习惯，地理位置，自然环境有着十分密切的联系。

从这些差别中我们可以想象：东、西方的原始初民们，主动和被动的感觉对象，是带有某些真实和想象去认识更加符合原生形态的表现。物的美丑是依据它与人的关系来决定的。人们会透过这种感觉自然形式所表现的意志，情感和愿望，不断寻找那些与自身相关的审美感觉。这种精神需求的强烈愿望，诱发了当代中国社会的书法热，诗词热，收藏热等曾经失落的文化现象。

东、西审美意识的差异，主要表现在文化艺术和意识形态。文学、诗歌、戏剧、电影、舞蹈、绘画、雕塑、建筑，美育和价值观念等方面，都有太多的不同。一部伟大的文艺作品，并不因为个人的祸福而显示，只有当它能为整个人类服务时才显得伟大。一种文化现象的发生和发展，是人类长期审美实践的产物。人的审美知觉在漫长的审美实践中逐步形成和提高，并通过种族的遗传而获得。人脑的很多信息在历史发展的过程中，是自己种族的经验经过无数次反复存留下来的生理痕迹，它组成各种无意识的原型，并成为人人生而有之的天性本能。审美对象一旦将人脑中那些潜藏的原型唤醒，就可以凭借经验，联想，本能地获得这种原型的审美感受。

我们中华民族是一个经验型的民族，我们的思维也同样是一个经验型思维。在这种文化氛围中孕育出来的意识形态，都会有意无意的排斥和拒绝外来文化的侵扰是不足奇怪的。

中国的盆景艺术和赏石文化在世界范围内独树一帜的背后，矗立着强大的民族背景。她充分体现了中华民族热爱自然，热爱生活和积极向上的心理因素。是民族心理制约以及独特的民族文化土壤所培育的。
中国的哲学思想，是以中庸谦和为主，把天人合一，物我两忘推为至高。西方人的基本态度却是物我对立。在对立思想的支配下，西方人很重视对事物的客观认识，用概念化推理演绎出把握对象的思维发展到用实验剖析事物本身，重视对物体本身的实体效果，从而揭示事物规律的理性认识。在审美思想中更强调人为因素和量化微观。

我们通过以上分析，不能武断和片面的说孰优孰劣，东、西两大不同类型的文化系统经过猛烈的撞击之后，初步形成一种相互交流和融合的趋势。中国先进的知识份子，在近代的一百多年里，引进和吸收西方文化的精髓并用以指导中国的社会实践，已经被实践证明了很多正确性。西方的审美观念也给中国的艺术创作带来了勃勃生机，这标志着一个时代的进步。

中国的审美观念也逐步被西方人接受和喜欢。喜欢汉学和汉字文化的外国人到中国留学的人也逐步多了起来。近代时兴的盆景艺术和赏石文化也通过不同渠道打动着西方人紧闭的心扉。竟管他们赏玩的风格跟中国不一样，但他们却从中国人那里学到了与自然和谐的良好习性。

人类为追求美好事物的思想境界和自由无羁的生活方式曾付出了巨大代价。在每个人的审美心理结构中，无不融入太多的悲剧意识。这种意识的根源是人类历史上很多美好的东西曾遭到人为的压抑和摧残。世世代代的理想之梦被严酷的现实击碎之后，那种油然而生的凄迷美，能引起整个人类社会的共鸣，这种审美理念让我们得到了某种心理上的补偿和平衡。

人的认知思维具有同化、顺应两个对立而又统一的矛盾。同化是把客体纳入到主体中去融合。顺应是主体对客体的主动，揉合原有审美对象的功能当然易于为对象所同化。这种同化和顺应的最终结果，只能是在量上丰富了原有对象的审美水平。文学家，艺术家和与之相关的鉴赏家应该担负起提高审美趣味和审美能力的使命。历史上任何一部青春永驻的不朽之作，总是不断满足那个时代的审美需求，从而超越了历史的局限，永不过时的成为全人类共有的精神财富。

‘陆’ 东西方绘画艺术的区别，请从造型，色彩，思想内涵，文化差异分析

主要有几种说法。
1；中西方不同的绘画媒介，使得中西方绘画的方向发生了差异。
中西方的绘画之始祖都是岩画，从这个意义上说并没有媒介的不同。在绘画主要功能是墓葬的时代，中西方绘画的区别也并没有想象中的那么大。中西方绘画差距的拉大主要是绘画分离成一种相对独立的艺术之后。根据这一点，有人提出是当时的绘画媒介使得中西绘画走上了不同的道路。因为在当时，东方的绘画工具主要是毛笔，而西方的绘画工具却是类似小刷子一般的画笔。毛笔长于线条和渲染，而小刷子长于色块的平涂和颜色的混合。这种说法有一定根据，但是解释不了一些关键问题。比如何以在前绘画时期（就是绘画还没有分离成独立艺术的时候）中西绘画已经不尽相同——如果后来的壁画还可以用以上的方法解释，那么中西的原始岩画已经呈现不同面貌，这就难以用这类思路解释了。

2，由于东西方不同的思维方式决定。
这种说法基本上是主流观点。这个观点认为：东方思维方式倾向于概括性、直观性、感性；而西方思维方式倾向于归纳性、分析性、理性。在艺术上则表现为：东方绘画追求的是以画面来传达个人的审美倾向、品位追求以及境界趣味；而西方绘画倾向用画面来分析客观世界（注意：这里要将“分析客观世界”和“描绘客观世界”严格的区别，简单说，前者包括后者，而后者不过是前者的一个方面的体现而已）。这种观点比较直接，但是被一些人认为缺乏根本的说服力。因为持此观点的人并没有试图进一步说明为什么东西方的思维方式会发生这样的区别。

3，还有的人试图用自然环境的区别来解释这个问题。大体是说东方自然环境受到大陆性的影像，重视描绘大陆山川的线条；而西方自然环境是海洋性为主，重视描绘海洋的光色变换；这个属于少数派，不过一些见解也可以参考，这里就不多说了。

总之，这是一个复杂的综合作用，不能仅仅用一个观点来解释。

‘柒’ 对比分析法是研究方法吗

对比分析法不是研究方法。 是戏剧常用的一种主要艺术手法。

对比分析法也叫对比法或者比较分析法，是通过实际数与基数的对比来提示实际数与基数之间的差异，借以了解经济活动的成绩和问题的一种分析方法。在科学探究活动中，常常用到对比分析法，这种分析法与等效替代法相似。

对比法，戏剧常用的一种主要艺术手法。一般有三种对比：人物对比、场面对比、细节对比。

对比分析法的形式：

对比分析法根据分析的特殊需要又有以下两种形式：

1、绝对数比较

它是利用绝对数进行对比，从而寻找差异的一种方法。

2、相对数比较

它是由两个有联系的指标对比计算的，用以反映客观现象之间数量联系程度的综合指标，其数值表现为相对数。由于研究目的和对比基础不同，相对数可以分为以下几种：

1)结构相对数：将同一总体内的部分数值与全部数值对比求得比重，用以说明事物的性质、结构或质量。如,居民食品支出额占消费支出总额比重、产品合格率等。

2)比例相对数：将同一总体内不同部分的数值对比，表明总体内各部分的比例关系，如,人口性别比例、投资与消费比例等。

3)比较相对数：将同一时期两个性质相同的指标数值对比，说明同类现象在不同空间条件下的数量对比关系。如,不同地区商品价格对比，不同行业、不同企业间某项指标对比等。

4)强度相对数：将两个性质不同但有一定联系的总量指标对比，用以说明现象的强度、密度和普遍程度。如,人均国内生产总值用"元/人"表示，人口密度用"人/平方公里"表示，也有用百分数或千分数表示的，如人口出生率用‰表示。

5)计划完成程度相对数：是某一时期实际完成数与计划数对比，用以说明计划完成程度。

6)动态相对数：将同一现象在不同时期的指标数值对比，用以说明发展方向和变化的速度。如,发展速度、增长速度等。

‘捌’ 艺术的几类主要研究方法

问题是“艺术学理论”首先要面对的是艺术作品，不是直接的理论。那么，当他们或我们面对艺术作品如何研究它们，如何诠释它们，并进而上到艺术理论的高度，这就涉及一个对艺术的认识和理论研究的方法问题了。

一、综合艺术实践经验

如何理解“艺术学理论”我们无法绕过它建立的初衷。张道一先生从南京艺术学院调到东南大学的目的，就是要建立‘‘艺术学”这门学科。他认为‘‘我国的艺术研究一直停留在分类地进行，缺乏整体的宏构。”mP4)无论是从学科，还是现实艺术研究的状况，都缺乏一个统摄艺术的理论体系和专门探讨、研究这门学问的学科。基于这个现状和认识，张道一先生提出了“应该建立艺术学”的构想策略。诚如张道一先生指出：

“对于艺术的宏观考察，整体研究，综合地探讨它的共性和规律，作为人文科学的一部分进行配列设施，在艺术教学中则一直阙如。在这种情况下，高等院校的专业目录和国家学科目录，就成了一个缺门。譬如说，在学科目录中‘艺术学’属于‘文学类’但只是作为‘一级学科’的总名，用来概括音乐、美术、戏剧、电影、舞蹈等‘二级学科’（专业），而缺少实在的‘二级学科’的‘艺术学’这样，对艺术进行宏观的、综合的、整体的研究，就无法定位。

这里张道一先生已经把构建“艺术学”的目的讲得非常明确了，并率先于1996年在东南大学开始招收全国首届‘‘艺术学”博士生。这就是“艺术学”建立的目的和意义，是构建‘‘艺术学”的初衷。

2011年升级为大门类的艺术学，把原来的二级学科‘‘艺术学”更名为今天大家称谓的“艺术学理论”，避免了与大学科门类‘‘艺术学”名称重复，并升为一级学科。名称的变化并没有改变它的性质。原来的二级学科“艺术学”，与今日的“艺术学理论”本质上完全一致，科学目的、任务没有任何改变。

但是自从艺术学理论成为‘‘大蛋糕”以后，全国各高校纷纷申报艺术学理论硕士点和博士点。就目前高校申报成功的博士点情况来看，艺术学理论的博士点申报成功数为18个点，居艺术学下的一级学博士点最多。为何一下增加了这么多的艺术学理论博士点，这是非常怪异的事情。我们简单分析一下就明白其中的“奥秘”了：其他一级学科都有艺术创作实践学科支撑，也有本学科的史论支撑。艺术实践需要很多的优秀艺术作品，如国家级别的奖、大展、演出等艺术作品，来支撑申报硕、博学科点。这些艺术作品一时半会是弄不出来的。譬如五年一度的全国美展，谁也没有本事马上得一个金奖，就是早期_年_度后又改为一年二度的“梅花奖”，也不是谁想评就评得上的。这需要‘‘台上一分钟台下十年功”的磨砺。这些有艺术实践要求的科学，艺术作品支撑学位点的申报很重要，没有艺术作品的支撑，学科点是拿不下来的。当然本学科的艺术史论也是很重要的理论部分。那么，唯独不需要艺术作品而全凭艺术理论支撑申报的“艺术学理论”硕、博点，就有很大的问题了。即申报的成果材料是否属于艺术学范围内的理论研究成果，非常值得质疑。因为一些申报硕、博点的成果，多是文艺学和美学的研究成果。有的高校甚至就是以文学院的名义申报“艺术学理论”的博士点，居然也成功了。这种乱象就给“艺术学理论”的学科方向和研究带来了前所未有的麻烦和混乱。

从学理上讲，文学属于艺术的范畴。但是从当前的学科上讲，文学与艺术学各属于两大门类科学。而且从学科内部范畴的确认中，艺术学下属的是美术、音乐、舞蹈、戏曲、戏剧、电影、电视、曲艺等等视听感觉系统的艺术种类，并不把文学包含在其中。艺术学理论也是对这些“艺术种类”进行综合、宏观、整体的理论研究，讨论艺术规律和原理性的问题。张道一先生把艺术的理论分为三个层次：第一层次是艺术的技法理论；第二层次是艺术的创作理论；第三层次是艺术的原理性理论。