哪些属于设计素描的思维训练方法

① 怎样画素描一：素描及其基础训练

• 练线条

  线条的美感会直接影响整个画面，不止素描，只要和一切手绘有关的，线条都起着举重若轻的作用。

  如下图，练习各种线条。

  

• 结构

  它的作用： 一、可以帮助理解对象。 素描基础训练目的并不只是在技巧如何表现物象，更重要的是要学会正确的观察和理解物象的造型特征，把握物象的本质结构和普遍的造型规律。这实际上是一个积极的理性思维过程，只有在形体、结构准确的前提下才有进一步的研究光影、质感、明暗调子的可能性和必要性。二、解决“形”画不准在学生练习和考试中，有很多形把握不准，偏差很大的情况，一方面是其造型能力弱，练习不扎实造成的，究其更深原因也是对对象结构理解不够，缺少结构间相互联系相互依存的理解。为了画准对象的形体，我们必须掌握一套正确实用的观察方法，了解一些认识对象的基本原则，并在大量的训练中逐步熟练掌握，从而达到造型准确的目的。其中包括理解、概括、比较等方法。

② 初学阶段比较长期的素描训练方式有哪些

题主关于怎么自学素描，教画画的周sir一万多字的回答已经非常全面了。再写下来下面的答案，是想提供一个不同的角度，什么是素描的角度。以下是回答：中国传统文化自古以来有“道”和“术”的分别。术，是指你可以驱动和支配什么；道，是探究什么东西驱动和支配着你，也就是探究什么东西驱动和支配着人类。这句话我在王东岳先生《人类文明的前途在哪里？》的开篇听到，感觉玄之又玄，不明觉厉。但，生活其实比哲学朴素得多，你抬头看见秋风扫落叶，心头泛起一阵伤感，赶忙掏出挎兜里的手机按下拍摄键。然后配上一句“满地尽黄昏，叶子的离去是风的追逐还是树的不挽留？”发到微信。驱动和支配你的“道”，就是希望低调的转告好朋友们，亲，冬天真冷，敏感而脆弱的我好像没穿秋裤，求点赞求安慰。而你可以驱动和支配的“术”，就是你兜里一万多的iphone xs max和你的拍照技术，加上会背两句古诗。和画油画，搞雕塑这种只有一少部分人精通的专业技术相比，拍照片作为现代人的基本技能，没谁说自己不会。但有人告诉你，其实你还会画素描，你会信么？素描 门采尔今天我们要说的素描，就和拍照片一样本来人人都会画。只不过这些年活生生被一群拥有话语权的专业人士，以敛财为目的，以毁人不倦为手段，忽悠成了垄断行业，让我们感觉玄之又玄，不明觉厉而已。如今素描不仅是进入美术学院的必经之路，还恬不知耻的归纳在“绘画考级系统”中，把学画画分成三六九等，只是为了收孩子那几十块钱一节的“专业素描学费”。为什么说素描本来人人都会？我们都知道孩子先会画一个“苹果”，然后才会发出“pingguo”的读音，识字后才会写下“苹果”两个字，再大一点更知道苹果不仅好吃，还代表了肾。从自然而然的成长规律看，孩子画的苹果是简单的线条，是自发的、最方便的一种表达方式。只要孩子能拿起蜡笔，就会本能的画出痕迹，这就是最原始的“素描”——素描是一种艺术观念的原始表现方法。这种原始特质决定了素描的两个突出特点：一是普通，二是很少成为独立作品。普通是因为画素描的笔是我们熟悉不过的铅笔、钢笔、粉笔、蜡笔，不存在任何的高难技巧。《神奇幻象》是一位叫黑鹰的人画的画，记录了他脑中的一个幻觉片段：自己化作雷神，骑着马使者在空中显灵，马鞍上的图案是冰雹，锯齿波浪线是闪电形成的能量波，二目圆睁就是在射出闪电。黑鹰《神奇幻想》铅笔 彩色铅笔黑鹰是拉科塔印第安人，从未学过绘画，更没参加过素描培训班。但黑鹰的确不是普通人，他是有超能力“往返于两个世界之间”的萨满，东北话叫神灵附体，跳大神的。拉科塔印第安人是美洲大陆原住民，他们原本居住在美国西部的草原上。在他们的世界观中，横扫大平原的暴风骤雨是雷神和他们的马使者显灵，所以黑鹰作为神在人间的代理人，会有如此的幻觉，并且画了下来。素描是不是足够普通？连跳大神的萨满都可以借助它，表达自己的想法。素描的第二个特点是很少成为独立作品。从古至今素描一直作为艺术家的私人记录而存在，它更像是用画笔写下的日记。安妮，收到的13岁生日礼物是一个日记本，从此开始写日记，她把之后两年多的躲避纳粹生活，沮丧的心情，对性的朦胧，对父母婚姻的担忧，都朴素的记录在了日记里。这是一本纯粹为自己写，自己看的私人记录。后来安妮在电台中听到有人在收集大家的日记和信件，作为荷兰人在占领之下苦难生活记录，她为之动心，才决定把自己的日记出版。之后，安妮对这本私人日记进行了改写、编辑、润色，并删去自己觉得不够生动或有趣的地方，还增加了一些内容。1945年安妮因为斑疹伤寒在德国集中营死去，出版日记成了她的遗愿。还好，幸存下来的爸爸最终完成了女儿的夙愿将日记出版，也就是今天我们看到的《安妮日记》。虽然日记出版了，但安妮并不是为了出版而写。同理，画家笔下的一幅幅素描和安妮日记一样，是画家只为自己画，给自己看的记录。素描 达·芬奇一幅绘画作品，很少是提笔即画，而是从一个想法开始，逐步确定主题，构图，初稿，人物形象等等，有了完善的构思后，才会开始动笔绘画。从想法到动笔，需要频繁的更改，会接连不断碰到妨碍画下去的问题，怎么办？还有，平时闪念而过的点子，看到了好的素材，想要钻研某个点，怎么办？这些或研究、或记录、或随手涂鸦的草图，就是素描。素描 达·芬奇被称为最伟大画家的达·芬奇只留下了大约12幅绘画作品，其中几幅还没有画完。但他留下了几百幅素描和上千页的笔记，里面画满了各种新奇的想法和图像，透过这些素描，可以还原他的丰富的思辨能力和敏锐的观察力，更能证明他非凡的创造力和天赋。在《论绘画》中，达·芬奇建议同行的画家们：要时刻带着能轻松装进口袋的笔记本和一支笔，看到人们哈哈大笑、打架和聊天的时候，寥寥几笔画下来。因为人的记忆里有限，但世间万物是动态的，变化无穷。《对子宫中胎儿的研究》羽毛笔 墨水 红粉笔 黑粉笔 达·芬奇和安妮日记一样，当时的达芬奇是单纯的为了记录和研究而画下了这些素描草图。今天看，他的很多手稿的确非凡，比如详尽的人体内部解剖图，这样的画法在14世纪很少见，因为教会禁止一切对尸体的亵渎，包括解剖。达芬奇是少数被允许的人之一，据说教会打算通过他的素描来获得人的躯体里存在灵魂的证据。达芬奇的素描也并不是以作品为目的，而是用素描为自己提供超越当时技术的观察方式，超越文字的记录方法，是以记录、观察、思考为目的。所有画家画素描的原因都和达芬奇一样，作为观察世界后思考的结果，并为自己的创作提供素材。这就是为什么很少看到大尺寸的素描，因为需要迅速完成，并且大量积累。我们都知道，德加擅长画芭蕾舞女，与其说擅长不如说德加除了舞女，对其他的题材都不感兴趣。作为印象派画家中的王思聪出身，雄厚的财力让德加可以随意在VIP观众席，在排练室，在后台休息室中贴身近距离观察舞女们最富有变化的躯体姿势。他一边欣赏，一边快速在本子上画下一幅舞女素描，笔下透出的是一种身临其境的感觉。同时，眼神不停飘移到旁人身上，边画边寻找下一个目标。《整理舞鞋的舞女》粉色纸 石墨 炭笔 白色粉笔 德加德加的一些素描更接近我们今天说的“速写”——像写字一样快速的画下一种姿势。日积月累的速写为画家提供了源源不断的创作灵感。看到舞女后面的网格么，德加在他后来的两幅作品中都使用了这个正在排练的姿势，网格可以快速的把这个动作临摹过去。普通和快速积累的特质，决定了素描对于艺术家的价值：用来观察世界，理解研究，记录表达。素描很像美剧越狱中Michael的纹身，或安妮日记，是关键的资料，是时间的索引。也正因如此，画家笔下的素描不需要顾忌结果好不好，不需要在意是否完整，只需要在“所见所想”中截取最感兴趣的任何一个局部，然后想方设法画出来所有的细节，去观察，去练习。《雅典学院》草图 木炭 粉笔 2.8X8米 拉斐尔拉斐尔在正式动笔自己的巨作《雅典学院》之前，用了很长时间画了一幅长8米的素描稿。这幅素描稿在之后的正稿上起到了非常关键的作用——让画面非常准确，因为正稿是非常复杂的湿壁画。湿壁画是什么东西？你一定有洗衣服混色的经验，如果把一套地摊儿买的大红秋衣秋裤和其他衣服混在一起滚洗衣机，恭喜你，这一锅衣服都会呈现暖暖的粉红色，并且上色牢固，再怎么洗也洗不掉了。湿壁画就是这个原理，在画画之前先在墙壁上涂一层熟石灰，然后把线稿的草图誊上去。之后，需要详细画那里，就在哪里涂上一层更细密的熟石灰，趁潮湿的时候调和颜料进行绘画。墙壁中石灰的空隙和水溶性，颜色就会被墙体表面吸收，永久的融合在一起。也因此湿壁画过程繁琐，耗时耗力，不仅要掌握好湿润度，而且当时的颜料昂贵，一旦画错修改起来很麻烦。多亏了素描草图，提供了在最后定稿前进行反复修改的途径。《雅典学院》 拉斐尔《雅典学院》7.6米长，拉斐尔为它画的素描草图是1:1比例的8米长，难度系数相当高。倒也不是一次性就画完，过程中还需要画大量的小幅、单幅的研究性素描来帮助构思那几十个姿态表情各异的人物形象，这些单幅素描就被称作过程稿。今天的职业画家，依旧保存着过程稿和素描草图定稿的绘画习惯。谷钢老师的油画作品《大庆人》有2.5米高3.95米宽，其中的绝大部分人物和场景，都有他实地采风的原型。作品的背后有着几百幅的素描速写，几十幅的1:1过程稿，可以说一幅画就可以做一个画展。《大庆人》油画 2.5X3.95米 谷钢 中国美术馆藏《大庆人》草图《大庆人》人物准备稿《大庆人》小稿看来，画家从来不为了画素描而画素描，背后的驱动力是进行观察和思考，是素材和积累。解决了为什么画素描，再回头来看这素描应该怎么画，就简单多了。那到底用什么画素描，怎么画？吃火锅要用筷子，吃披萨拿手抓，吃0.5分熟的牛扒要用飞飞快的刀和叉子，如果用筷子捅准渍你一身老血，画素描也是一样一样的。很多人印象中素描就是铅笔画，还真未必。你可能会问，画素描难道不是用铅笔？素描素描，“素”是关键。日本爱情动作片中有一类专门的素人系列，就是非职业的平常人、普通人的本色出演。本就不是职业演员拼不得演技，凭的是朴素单纯的劲儿。素描的素其实是这个意思：普通、单纯、本色。画素描的本质不在铅笔，很多笔都可以。木炭，粉笔，蜡笔，都行。以上的笔有一个共同特点——都在利用固体粉末在纸上反复摩擦而留下痕迹，被统称为干材料。反过来，调和粉末后让色料微粒悬浮在液体中流到画面上，像钢笔，针管笔，毛笔，就是湿材料。这些工具做画笔，都可以画出来素描。小时候学画，会在画材店一捆一捆的买中华牌铅笔，批发0.25元一根，便宜，好用。因为可以轻易擦除修改，铅笔成了素描最有效的工具，很得画家们的芳心。不过和平时写字的铅笔不一样，画家用的铅笔凭借软硬度不同分成了从H-B的系列类型，9H最硬留下的痕迹最浅，9B最软痕迹也最深。深浅软硬的变化是因为铅笔中含石墨的比例不同，越硬越少，越软越多。IlkaGedő是匈牙利人，犹太人大屠杀的幸存者，1944年她被关进布达佩斯犹太人区，面对镜子中憔悴、无助的这张脸，IlkaGedő画下了一幅铅笔自画像，她用铅笔对皮肤、头发、衣服、背景和眼睛进行了柔和的处理。浅色的硬铅笔在纸上的摩擦力度被用来控制细节，创造丰富的质感，卷发和眼睛用了更重颜色的软铅笔。《自画像》铅笔纸本 IlkaGedőIlkaGedő在集中营的大部分时间，都在用简单的铅笔进行绘画，画自己的同伴，画老人和孩子，画下了自己无助的样子。这些素描，今天已经成为记录人类耻辱行为的珍贵资料。在铅笔被发明之前，金属做的银笔也是常用的素描工具。锡、铜、银和铅丝都可以刻下痕迹。我在小时候最喜欢干的就是在电闸箱里找废弃的铅丝，拿来在木头上在纸上画来画去。意大利文艺复兴的画家们最喜欢的不是铅丝，而是银丝，他们把银丝夹在木棍子里，然后在木板涂上一层骨粉，用银笔画画。涂抹骨粉相当于涂了一层白底子，而银丝画下的痕迹因为氧化会慢慢失去光泽变暗变黑，时间越久图画就越明显，这种逐渐随时间变深的过程相当值得等待。拉斐尔的素描《母与子》里面，就用银笔塑造出了细腻的明暗感。《母与子》 粉色底色纸 银笔 拉斐尔明暗，正是素描的关键，可以帮你在平面的纸上画出来立体三维效果。画家嘴里经常说的明暗关系，也没那么深奥：假设有一道光射到人脸上，脸的正面因为受光而变亮，侧面因为转折过去没有被光照到就显的更暗，这就是立体。脸正面窄的人受光面小，亮的部分也小，就是天生小脸，反之就是大脸。化妆时在脸侧画阴影，是明暗立体的最典型应用。在一张平面的大脸上，强行模拟出转折明暗，把一部分正脸假装变成侧脸混淆视听，就会显得脸小。按这个套路，在人脸上的化妆就是素描。真实物体的转折越剧烈，明暗对比就更强烈，借此可以塑造出很强的立体感。在素描工具里公认木炭最适合画强烈的明暗对比，因为它和铅笔和银笔都不一样，更粗，更黑，更强大。掐着木炭条在粗糙的纸上轻轻一涂，就特别黑，如果想修改也容易，用面包屑蹭一蹭就变浅了。木炭也有优良之分，柳条炭是公认的良品，质地温润，摩擦压感层次丰富，大概相当于时尚界的爱马仕。利用炭笔的自然炭头可以画出相当柔和的线条，侧过来用一指长的木炭边可以快速铺满画面，拿砂纸把炭头磨尖了又可以描摹细节，还有，用纸团或手指对画好的笔痕进行揉擦，就会有意想不到的柔和混合效果。《老妇人》木炭 莱昂·奥古斯丁·莱尔米特一样的木炭，在不同的画家手里也不一样，甚至大相径庭。珂勒惠支的自画像和奥古斯丁画的老妇人，同样的木炭，同样的写实，同样的精彩，不一样的是各自充满了画家的个性。你看珂勒惠支对手臂大刀阔斧的处理，再看奥古斯丁老妇人脸上丝毫毕现的皱纹和斑点，淋漓的展现出了木炭笔触的丰富力量。《左侧面自画像》木炭 珂勒惠支看了这么多的铅笔，银笔，木炭，会误以为黑白是素描最常见的样子，据此很多人对彩色铅笔、色粉笔和蜡笔画出的画产生了曲解，觉得不是素描。但素描可不意味着单色。我们想想看，彩色铅笔的画法和铅笔没有任何不同，只不过笔芯里掺入了蜡和颜料。今天被收藏在大都会艺术博物馆中的《利比亚女巫》，是米开朗基罗在1511年完成的素描，用的就是红色粉笔。《利比亚女巫》红色粉笔 米开朗基如果仔细看，他用了平行线和交叉线两种方法来画出明暗关系，这种排线在素描里被称作“上调子”。调子，就是对物体表面光照效果的一种黑白灰处理。前面咱们还提到了画舞女的德加，再回头看他的色粉笔画，同样是用素描调子，用不同颜色的色粉笔，如梦如幻的再现了因光照而产生的富有变化的皮肤质感。好看！《梳头发的女人》 色粉笔 德加对素描的定义重要的不在于是否有颜色，而是是否以观察、研究为目的。修拉用细致的炭精笔排调子，画下了《塞纳河边的树》。他的研究目的却是明暗和深度，这幅画的焦点，并不是前景中粗壮的大树，而是特意弯曲的树干诱惑着我们关注到静静地河面。嗯，深远感由此可见。《塞纳河边的树》 炭精笔 修拉你看，尽管用了各色工具，还是没有画家为了画素描而素描，都抱有一定的研究目的，或观察，或记录，或思考，或想象。梵高甚至用棕色的钢笔墨水为他的播种者画下的草图，是看起来最不像素描的素描。最早的钢笔是把空心的芦苇切割成可以装填墨水的笔管，墨水则需要从木炭中提炼出来，所以是黄棕色。梵高通过改变钢笔笔触的粗细和方向，创造了这种起伏、不安的素描。《日出播种者》 钢笔和棕色墨水 梵高《日出播种者》油画 梵高中国传统书画中用狼毫、猪鬃做出的毛笔，也是画素描的好工具。90年代上小学的孩子们，都对两种练习记忆犹新，一个是珠算，另一个就是毛笔字了。这让中国人对毛笔和水墨的掌握驾轻就熟，用水调和墨汁的深浅就可以实现素描的黑白灰明暗。这种画法也影响了国外的画家，画家刘晓东就说，看过不少老外用毛笔画速写，画的如此之好，令人咋舌。《从蒙特马里奥向南看台伯河》 克劳德·洛兰法国画家克劳德·洛兰在1640年画了一幅很像中国水墨的风景素描，缜密的笔触中透出的是广阔的乡村风景，前景中的对比强烈，远山背景柔和，是典型用素描明暗制造出的景深感。《大丽花、石榴和棕榈树》 马蒂斯受到水墨的影响，马蒂斯也用遒劲有力的毛笔画下了《大丽花、石榴和棕榈树》，用单纯的线条和水墨，写生了一幅绘画。你可以说这是一幅素描，也可以说这是一幅绘画作品。一个男人是个负责任的父亲，同时也可以是一个孝顺的儿子。我们完全没必要像高考试卷的标准填空题一样强求明确的分类和答案。相反，认识到绘画中分类的自由度，是对艺术深层的理解。对画种或风格分类的自由，也越来越多的被今天的艺术家所利用，让绘画和素描的内涵变的愈加丰富。《Nobson》系列 保罗·诺布尔保罗·诺布尔的作品就是铅笔画，还是巨大的像一面墙一样的单张素描，很多幅都超过2.5米高。并且，这一大堆的素描组成的是他幻想的一个城市“诺布森新城”，有诊所，有购物中心，有学校和体育场。画画嘛，总有灵感的来源。2013年证券时报网报道《辽宁铁岭陷鬼城危机：楼盘均价3千入住率不足四成》，铁岭新城我在4年前去过，的确如鬼城一般，高楼林立，马路宽阔，人烟稀少，在车里看着闪烁的红绿灯，恍如隔世。这样的鬼城在中国今天恐怕不在少数。英国也曾经干过这种不靠谱的事儿，20世纪英国建筑商开发了数个郊区新城，但也是人少房多跟2013年的铁岭新城一样鬼都不来一个，逐渐被人遗忘，抛弃。《Nobson》系列 保罗·诺布尔诺布尔的灵感正是来源于此，他画笔下的诺布森新城市政府条幅写的是“没有风格，只有技术，没有意外，只有错误”。素描，应该是小尺寸，应该用铅笔，应该是黑白的，最起码是单色，这些呆板印象都被有创造力的画家们一一打破。其实打破的根本不是素描，打破的是我们的惯有思维。素描从未变过，它就是画家用来观察、思考、记录、研究的手段。任何人都可以去画建筑，画等火车的人，画摇曳生姿的树木，画阿猫阿狗。也可以一板一眼的画石膏像，画大卫和拉奥孔，更可以画你见到的任何东西，画你脑子里浮现但世间不一定存在的任何东西。前人走过的艺术道路，总归要被总结，以教育的方式传递下去。为了书写历史的方便，素描在大部分的艺术史中大致按时间线分成了几个阶段。（这里引用的是唯伟老师的一篇回答内容）第一阶段是文艺复兴时期以创作草图和分工绘画为目的的师徒制、网格法素描。第二阶段是17-18世纪以门采尔为代表的法国学院派素描，以古典主义审美为金线，以现场写生为主、从整体到局部的素描训练。第三阶段是19世纪的苏联契斯恰科夫素描教学体系，以唯物主义美学为基础，强调观察和形体在素描中的核心地位，也正是这时候黑、白、灰、高光、反光这五大调子被总结出来。分阶段并不是分好坏。穿着全套装备在绿洲中厮杀的头号玩家们，和对着15寸电视在手柄上按下↑↑↓↓←→←→BA的玩家相比，幸福感很可能不分伯仲。时间线只是总结素描的一条线索，并不意味着它们之间存在者根本的差别。我们今天熟悉的中国特色素描培训体系，是从苏联阶段而来。它以徐悲鸿的倡导为主，以第一位来到中国的苏联苏里科夫美术学院教授马克西莫夫同志在中央美术学院开设“马训班”为起点，给中国素描产生了巨大的影响。不过，这些素描的进化历史尘归尘、土归土，素描终结者“美术高考“横空出世。几十年的美术加试催生了大批应试培训班，无一例外让素描成为“画石膏体石膏像”，“黑乎乎的一坨”的样子。这也是为什么陈丹青会说“每次看到这种中国式的素描，我就想死，我觉得我宁可一辈子不画。”如果想深入了解为什么中国素描成了今天畸形，变态、僵硬的体系，为什么变得和艺术毫无关系，我推荐一篇唯伟老师在知乎专栏的文章《中国绘画界的素描基础教学到底是怎么一回事？》，写的明白，清楚。最后，我想说，素描，不仅仅是石膏体、石膏像，不仅仅是拉奥孔、大卫和海盗，更不是培训班老师嘴里的三大面五大调子，如果这样理解素描，就会陷入一种曲解的困境，进而曲解了艺术。在艺术教育里，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标;艺术教育的目标是使人在创造的过程中，变得更富有创造力，而不管这种创造力将施于何处。假如孩子长大了，而由他的美感经验获得较高的创造力，并将之应用于生活和职业，那么艺术教育的一项重要目标就已达成。——罗恩菲德美国教育家罗恩菲德提出了一个很重要的教育观念，艺术教育是人成长经历中的一种工具，艺术教育的根本目的是顺应儿童自然发展的本性，重视创作过程，忽视创作结果。素描就像写字一样，是我们每个人都可以做的事。我们为了表达的本能而说话，画家和我们一样为了表达的本能而画画。只不过，画家选择艺术作为驱动自己的“道”；选择不停的练习和完善画法，作为自己能够驱动和支配的“术”。素描，是这术其中重要的一部分，一扇门而已。推开它，看到的可能就是艺术。这篇7000多字的回答，参考了两本书《艺术的真相》和《认识艺术》，也推荐给你。

③ 设计素描的基本原则是什么

笔者认为：在不同的教学侧重中，对各种主张应有适度的把握，将各自的优势进行有机的整合，在实践中逐渐摸索出一条相对适应于艺术设计教育所需的素描教学体系来。 关键词：设计素描教学模式 就目前艺术设计专业的素描教学来看，其基础地位与价值取向各有侧重，教学模式不一：有的偏重于传统意义上的绘画性素描的造型基础训练，强调其动手能力的培养和写实与具象性的表现；有的偏重于线性框架结构的训练，强调其内外形体结构的构造组合关系与物象某一局部的超写实表现；而有的又关注于抽象性的创意训练，强调其解构性的重组与意向性的表现……从学生这一层面上讲，在一些认识和表现问题上，还存在着不同程度理解上的差距，有的人误以为掌握和运用设计素描主要是靠单纯的设计理念，或者认为只要学好了绘画性写实素描，即可完全替代艺术设计所需的素描造型。 事实上，所谓设计素描的理念是靠一定的素描造型理论知识和大量的实践来支撑的，是经验的积累和艺术修养的升华。写实素描是设计素描的基础，设计素描是写实素描的发展和变化。 应该说，设计素描是探讨和利用造型元素的构造表现原理来发掘人的理性思维和创造性思维的方法，是针对艺术设计专业和相关设计专业的一门必修的造型基础课程之一。 艺术设计专业的素描教学，其教学目的实现形式本来就应该多样化，不必简单地归结为某种模式。况且，西方提出设计素描这一概念的历史也只有几十年，引入我国作为艺术设计专业基础课程的教学也只是在20世纪80年代，应该说还处于形成与发展的阶段，许多理论问题还有待在实践中不断探索和检验。给予宽松的学术氛围、多样的教学手段、宽泛的选择空间去发展其优势，是学术民主的一种体现，因此不必过早地加以定论。但在所有教学主张中，有一点应该明确，即：其最终目的应是统一的，根据艺术设计的特点和要求，既要有利于启发和拓展学生的设计思维，又要有利于培养学生的审美能力和动手能力。 一、明确教学目的，树立设计素描意识 不言而喻，艺术设计专业是艺术、技术与科学相结合的一门应用性专业，设计素描是具有一定针对性的、创造性思维的和有目标的造型活动，是在传统绘画性素描的基础上，通过具象认识大自然的造物法则，并从具象中探寻抽象的规律和发现抽象的形态；关注物象造型的内结构与外结构的有机结合，启发我们的想象空间，找出物象结构与功能的相互关系和变化规律，经过提炼与归纳，形成理念的形态，利用其可重新构建的因素，在符合设计应用功能的前提下，重树新的形象，并要求在训练的过程中加强对设计意识的培养。 由此可以看出，设计素描与绘画性素描是既有联系又有差别的不同体系，绘画专业对素描基础的要求是：精神内涵第一，物质性第二，强调人的审美信息传达，如国画对素描的要求是以短期的线性形态表现为主；油画是以长期的块面结构与明暗调子素描的训练为主，其目的都是为了培养坚实的具象造型的基本功和增强相应的审美能力，具有明显的人文色彩。而艺术设计专业的素描训练则强调物质性、适用性第一，精神内涵第二，更多的是关注适用性、功能性。 按照先物质后精神的设计基本原则，任何设计都势必要受其使用功能的制约与限定。推而论之，艺术设计专业的素描教学也必然要受到一定的制约与限定，正因为有了这种制约和限定，人们才将设计专业的素描基础训练称之为设计素描。其目的的实现也理所当然地受制于设计的特点与要求，即实施设计素描的教学与训练是为了学生在今后的设计活动中，能根据各类设计的需要，有效地运用素描这种形式，传达、记录、转化视觉信息的结果，并具有扎实的造型能力来应对各类设计之所需。简言之，设计素描的教学目的是针对艺术设计专业的需要，培养学生的理性思维、创新意识与审美意识，提高学生的观察、分析、认识及表现能力。因此，设计素描的教学各环节的设计都应与设计相关联，反映设计的基本属性，成为设计的有效手段。 设计素描与传统的绘画性素描既有内在的联系又有着明显差别，其根本区别在于其价值取向不一，具体表现在： 1. 功能特点 所谓功能，即作用与效能的意思。绘画的概念是“通过再现对象的具象描绘来反映意识形态的创作”，那么绘画性素描的功能就体现在它的认识作用、教育作用和审美作用等方面。其价值取向在于精神与情感的熏陶或其本质特性来体现它的价值作用。相比较而言，设计素描的功能性特点，却以强调其物质性与适用性为第一要素，而其精神内涵与审美内涵则处于从属的地位。也就是说，在教学中，素描训练必须受适用功能的制约，而正是由于这个因素，艺术设计专业所必需的素描训练才显示出它的真正价值和特色。 2. 造型特点 所谓造型特点，即造型活动或作画过程中独有的特征。由于不同专业的素描在教学中其功能价值的取向不同，相应地带来了其造型特点方面的差异。绘画性素描的特点表现在：一是讲究画面构图的完整性和独立性，二是具象再现的可能性，强调体现作者的思想感情与审美主张。而设计素描的造型特点是：构图更加关注其画面构成要素的合理性安排，能充分反映物象的本质属性与特征，在这个前提下，才考虑其画面的相对完整性，强调创造性地构造与表现物象，具有造型的多样化、视感的多属性、空间的多维度、效果的中介性等特点。 3. 思维特点 思维作为人类特有的一种精神活动方式，反映在设计素描中是有着其个性特点的。 绘画性的素描一般运用的是形象思维，强调的是艺术的审美性。所谓形象思维，概言之就是对生活进行直观感受和形象的再现。在绘画中体现的是一种直观性与形象性有机结合的思维活动方式。其特性具体表现在形象思维对感性认识的全面依赖，并从审美的角度来关注客观物象，它是以感性为引导、理性为内容的形象思维。 而设计素描则运用的是设计思维与形象思维相结合的方式。所谓设计思维，概言之就是指在设计过程中对客观素材与感受进行间接、概括、综合的反映，强调的是科学合理性。由设计思维与形象思维组合成的设计素描思维其特点主要体现在：直接性与间接性的结合、个别性与概括性的结合、典型性与综合性的结合三个方面。这三个方面在具体思维活动过程中并不是孤立的，而是相互关联、相互作用的辩证统一关系。 4. 方法无论是观察方法还是表现方法，都是从感性到理性的循序渐进的过程。从无法到有法，再从有法到无法的最高境界，是认识论的方法论。 绘画性素描与设计素描的观察方法和表现方法是既有联系又有区别的矛盾统一体。绘画性素描注重感性认识，强调外在形象的形体构造关系和精神面貌的体现，以及观察与表现的关系、整体与局部的关系、主体与客体的关系、感觉与理解的关系等。在表现方面，一般是以具象的明暗调子素描表现方法为主。 而设计素描则强调的是用理性的、逻辑的思维方法来观察、认识、分析物象。具体来讲，就是从不同角度来“看待”和剖析物象，即从不同视点和用“透明”的方法来观察物象的内外构造关系，特别是物象内部结构之间各部分的相互联系与组合关系。 5. 内容设计素描的教学内容除包括一些绘画性素描的基本内容如：透视、形体结构、明暗、造型原理与规律等之外，更重要的是侧重于理性的认识与思考、逻辑的推理、抽象思维的训练与抽象的发现和表现以及设计思维和创造思维的培养。

④ 怎么样才能画好设计素描

1.抓住主要颜色和主要构图
2.根据自己对这张画的感觉进行再设计.
注意画面要应用到 点 线 面
基础素描与设计素描同是艺术基础教学的重要组成部分。基础素描（也称之为常规素描），作为一门绘画艺术基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。设计素描（也称之为结构素描），则以比例尺度、透视规律、三维空间观念以及形体的内部结构剖析等方面为重点，训练绘制设计预想图的能力，是表达设计意图的一门专业基础课，它基本上适用于一切立体设计专业（如产品设计、造型、雕塑等）画面以透视和结构剖析的准确性为主要目的。
基础素描作为一种素描形式，它的雏形和胚胎早在文艺复兴时期就已大体形成，于上个世纪初被引入我国，发展至今基本遵循的规律，可说已相对确立。设计素描则相对年青，虽说于1919年德国包豪斯学校开创了设计素描教学。但是引入我国也是到了上个世纪80年代，90年代才真正开始深入设计教学体系之中。为正确理解素描在绘画艺术与设计艺术中的差异性，下面从四个方面展开论述。
一、观察方法与构图安排方面的差异性
观察通常理解为“看”， “看”是要求画者整体地、比较地、有联系地观察对象的全貌和本质。整体观察的原则是基础素描与设计素描都必须遵循，除了整体观察之外，设计素描还得更加注重立体的观察方法。基础素描的所谓“立体观察”，是指观察时注意对象是占有一定空间的立体物，其视点是固定的，对象的位置也是固定的。设计素描的立体观察 是多视点、多角度、多方位的观察方法。写生对象的位置不需固定，可以经常移动，是全方位的立体观察，有利于更正确地理解和分析其内部构造特点。测量也是观察手段之一。设计素描的观察常和测量与推理结合起来，透视原理的运用自始至终贯穿地观察的过程中，不同于基础素描注重肉眼感觉的直观方式。
由于设计素描是为了锻炼表达设计意图能力这一目的，它的构图要求没有基础素描那样讲究。在单个物体的构图，只要注意上下左右的范围，四周留出适度的空间就行，表现的对象可以安排在画面正中。设计素描的虚实变化也不太强调。不象基础素描那样把后面的物体画得过虚，因为这对全面、透彻地分析理解物体结构是不利的。构图安排属于审美范畴，设计素描首先要考虑的是分析理解对象的结构关系，所以其构图设想只要不与总要求抵触就行，对统一均衡多考虑一些，而对虚实、疏密也不强调过分，否则就会损害设计意图的表达。
二、方法步骤方面的差异性
基础素描掌握了作画步骤，通过几个阶段的逐步深入，通晓了作画的全部过程，也就基本上领会了素描方法的要领。但基础素描的学习，到掌握了一定的技巧，具备了相当的水平之后，允许而且有必要突破某些步骤的束缚，打破某些清规戒律，充分发挥个人的想象力和创造性，为能获得更为理想的效果。可以允许不择手段、不拘常法的特殊艺术处理，这是基础素描作为美术基础的绘画性特点所决定的。正如古人所谓：“从无法到有法，再从有法到无法，无法是为至法”。可见对于基础素描来说，掌握作的方法步骤，还不过是手段而已，方法步骤的最终目的仍然是为了画面效果。
对设计素描来说，作画的过程比画面的效果更重要。设计素描是以表达设计意图为目的，重点就是要放在理解领会对象的结构方面，它强调领悟结构比效果更重要。领悟结构必定要通过有条不紊的作画步骤才能达到。正确的、规范的方法步骤，同时是分析、理解、思维、领悟、推理的过程。作画的步骤不乱，思路清晰而有头绪，在结束阶段就顺利地达到理解形体结构的目的。
基础素描在定点切块、抓基本形阶段，一般不硬性规定首先抓准哪一条线条，而是注意整体感受，抓住线条之间的比例、斜度关系。设计素描则不然，它要求在开始阶段必须先抓基准线。基准线确定后，根据透视的有关原理画出另外两条透视缩减更为强烈的边线，从而得出准确的基准面。DOLCN.com
基础素描的定点、切块、抓基本形不能完全等同于设计素描的基本体块。基础素描强调的是整体感受，它是以直觉为前提的，主张抓住“第一印象”，感性认识占主导地位。而设计素描从抓第一条基准线开始，就得积极开展理性思维，一刻也不能离开透视原理的运用。每个点位的高低左右，每条线条的长短斜度，每个形状的大小宽窄都得有一定的透视依据，都得接受透视原理检验，不能仅停留在感觉上“合适”与看上去“舒服”就行的表面效果。
三、表现形式和手段方面的差异性
基础素描通常的表现形式是明暗调子，基础素描的重要课题之一就是分析明暗规律与理解结构。它要求画者以明暗层次为手段，充分地、生动地表达客观对象的体积感、质感、量感、空间氛围感以及某种程度的色感（指色度区别）
设计素描的表现形式主张紧扣专业要求，主要用简练、明了、准确的线条表达形体结构，尽量避免明暗手段。线条的价值在于准确，在于符合透视规律，因此设计素描对比例尺度的要求尤其严格。
为了适宜以线条为主要表现形式来进行造形，设计素描写生对象的照明不用打灯光，多用自然光、漫射光，或者采用多光源的光照，“光”不是设计素描的主角，表达和理解物体自身的结构本质才是目的。
基础素描的绘画性，决定了它以画面视觉效果为最终目的，因此，明暗调子是通常采用的主要表现手段。设计素描的专业性决定了它以理解、剖析结构为最终目的，简洁、明了的线条是它通常采用的主要表现手段。
四、空间观念和细节表现方面的差异性
由于基础素描与设计素描的表现形式不同，基础素描的画面效果注重视觉形象的表现，形象的艺术感染力是衡量画面效果的标准。设计素描的画面效果注重对形体结构的理解，对形体结构表达得是否正确、科学，是衡量设计素描画面效果的标准。
首先在空间与立体的表现方面，一些画得比较充分深入的明暗基础素描，立体和空间的表现十分真实生动，给人以亲临其境的感觉。然而，这是一种诉诸于感觉的空间感和立体感，它和设计素描的空间表达要求不能完全等同起来。设计素描画面上的空间实际上是对三维空间意识的理解。设计素描要求画者具备很强的三度空间（或称三维空间）的想象能力。关于三度空间的想象和把握，在很大程度上并不取决于画者表面的感受，而是决于思维的推理。设计素描要求把客观对象想象成透明体，要把物体自身的前与后、外与里的结构表达出来。这实际上就是在训练我们对三维空间的想象和把握能力。设计师用设计素描以及其他手段表达对产品的最初设计意图，其目的是为了创造实实在在的产品的样式和造型。也就是说，能力的培养是平面的表现终究要向立体的表现过渡，而这种能力与基础素描的空间感表达完全是两个概念。
其次在形象的典型细节表现方面，设计素描所要表现的是对象的结构关系，它要说明形体是什么构成形态，它的局部或部件是通过什么方式组合成一个整体的，为了在画面上说明这个基本问题，就要排除某些细节表现。设计素描关心的是对象最本质的特征，这些本质特征要从具体的现实的形体中提炼、概括出来。基础素描与设计素描虽然在观察方法，构图安排、表现形式以及画面效果等方面都有一定的要求，但其内涵是不尽相同的，很多地方还有相当大的差异性。
总之，随着艺术形式的多元化，素描的形式不断发展与变化，基础素描的形式也在发展，同时设计素描也作为一门独立的艺术设计专业基础课程深入到素描的艺术教育中。它在很多方面具有不同于基础素描的特殊要求和规律。探讨和通晓这些要求和规律的专业特性，也是基础素描与设计素描必须研究的课题。

⑤ 初学阶段素描训练的三种方法是什么

一、以写生练习为主

通过对物象的正确观察与描绘，使我们得以更为深刻地认识和理解形体的结构、明暗、透视等方面的组成与变化规律。

二、课题由浅入深，循序渐进

素描学习一般从石膏几何体写生入手，逐步推进至静物、石膏头像、真人头像及半身像，课题由较为简单的基本形体写生到对具有生命的、生动的人物形象写生。通过系统、严格的训练来提高我们的观察与造型能力。

三、注意提高审美能力和艺术表现能力

一件较为成功的素描作业应具有一定的艺术表现力，捕捉了所表现对象的生动气韵，融入了绘者独特的灵感和激情，从而在主体与客体之间达成和谐的美感。

在写生练习中，通过训练掌握正确的观察与表现方法是我们应当首先关注的问题。

正确的观察方法应从以下两方面展开：

一、整体观察，整体作画

整体是相对于局部的概念，局部是整体的一部分，受着整体制约。一个未经训练的眼睛总是容易在局部之间停驻或跳跃，完全迷失在碎片般的细节之中。琐碎的观察必然导致琐碎的刻画，而整体的态度是要求“收编”这些支离破碎的细节，让局部统一和归纳于一个恰当的分寸中，服从并丰富于一个整体的处理效果。

在绘画方法上，要保持画面整体地进行、全面地推进，始终控制住画面的整体关系，并随时从物象的比例、明暗、结构关系上进行相互比较，调整局部与局部、局部与全局的关系。

二、由表及里，注重理解对象

表，即物体的外部现象和形态;里，即物体的内部结构与构造。当我们观察到一种表象时，应进一步追究和分析其内在成因。 “感觉到了的东西，我们不能立刻理解它，而只有理解了的东西，我们才能正确地感受它。”我们首先学习一些形体的结构、透视等知识，了解其基本规律，带着这种认识去观察对象，就能对对象的形体特征有较为深入与正确的理解。“由表及里”实际上是个分析的态度，这对我们掌握造型规律和技巧是至关重要的。作为初学的写生练习，最好按照常规步骤有序进行，这样有助于训练顺利进行。参照本教材的例图，常规的步骤分为四个阶段：

1、构图并划定基本轮廓;

2、初步确定大体的形体框架;

3、在不断调整中把握对象的体积、明暗关系;

4、深入刻画。

⑥ 设计素描有哪些表现方法

设计素描的表现方法
设计素描一定要有创意思想在其中，否则内心总感觉有愧于“设计”二字。其表现方法有以下几点：
1、形体结构：物体的各个部分，以特定的方式互相结合，构成整体的内在构造关系，成为结构。它是决定外观形态的基本因素。
2、光影：光作用于物体的方向和距离，是物体表面视觉特征的重要因素，物体离光源渝近渝清晰，反之，则渝模糊。于此同时，不同的材质和肌理的物体对光的反射程度不同，从而形成这种材质的视觉特征。
3、质感：任何物体的外部形态，，除了自身的外部机构以外，都有构成其外部形态所特有的材料质感。
4、明暗调子：表现物体时，只能用线描的形式把物体的高、宽、深三度空间的机构、体面、透视关系画出来，不涂明暗也能呈现出物体的体积感，使人们能够在视觉上认识它的形象。但是，这个物体的立体效果还很不充分，如果同时描绘出它的体面变化的明暗色调，就能更充分地表现出它的立体空间。
5、体积感：体积感是物体的基本属性，任何物体在空间中均有一定的高度、宽度和深度等可测量的因素。
6、具体表现:单纯的机构素描表现在考试中应用是比较少的，绝大多数是采用明暗形态造型法。按照客观物体明暗形成规律，运用明暗调子的造型方法，对所描绘的对象的形体、结构、质感及空间关系等方面予以准确、生动的表达。
7、视角：视角的选择也是试卷画面构成很重要的一项，考生不用拘泥于传统的静物写生45度视角。在联系中可以尝试各种程度的仰视、俯视效果。甚至是以昆虫的视角去感受物体强烈的视觉效果。

⑦ 素描设计是什么 怎么画

素描设计指的是用素描的形式来表达个人的设计构想，设计素描不仅仅指的是绘画，更要求把素描形态的基本要素用设计语言表达出来。在画设计素描之前，需要具备基础的素描知识和水平。设计素描注重构图、透视、光感以及角度的基础知识的把握。多做一些对于事物从不同的角度的进行观察物体的透视、结构、光感来进行绘画，而且要尝试不同的构图来尝试，锻炼自己的基本功。

设计素描的绘画大多是培养绘画者对于绘画对象的结构、透视以及对其设计感的表现。现如今大多画室或培训机构，都选择这种方式来培育学生的设计思维，打破素描的僵硬和局限，不同的角度或拟人化等来表现事物。设计素描的画法主要有对物体的造型、透视、结构和光感等基础进行练习绘画。针对性的进行从简到繁的设计练习，累积设计素材和对于不同情况下的绘画设计；除了以上两种，还需要将所学习的知识的掌握住，进行默写的练习。

现如今大多艺术类院校对于设计素描的考试题目不会给你图片只会给一段文字，如江南大学设计素描考题螺丝刀和螺丝。这种情况比比皆是，所以需要掌握不同的大小场景、各种视角、各种光源的投放等物体所产生的的效果进行默写的训练，默是对于技艺的一种掌握，而不是盲目的去背画。传统素描旨在练习观察力，造型能力等，侧重于虚实、规律、空间、造型，设计素描更偏向主观。设计素描有主题思想，是根据人的意识需要去画的素描，侧重于创意、创造、变形。

(7)哪些属于设计素描的思维训练方法扩展阅读：

注意事项

这是不少初学者和考生共同的毛病，由于他们缺乏长期性的作业训练，在考试中不能在整体观念的指导下全面推进，往往是急于求成，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，造成局部相互之间关系无法很好地衔接。让整体的美感不能更好的体现出来，局部的构造已经很突出了，而其他地方做的不足，这样的一幅画，怎么能得到好评呢？一幅画的整体是由若干个局部组成的，没有局部的一幅画是不真实的；然而，一幅画只有局部，没有整体，就算再精彩、再深入也是毫无意义的。

素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“意境”和如何观察事物的“想法”。离开了这两点，素描练习也就失去了它的本质意义。既然整体是关系到一幅素描画的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得十分重要。如何解决这种关系，就要靠比较的方法，比较色调的深浅，比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较，画出来的作品，才是客观对象真实存在的一面。

世上所有的人，没有绝对相同的面孔，即使是双胞胎也不例外，他（她）们也都有别人不易察觉的差异。素描训练的根本任务是，捕捉对象的特征和独具个性的差异，但是在素描写生的过程中，常常看到有的学生不管画谁，不管对象的长相如何，气质怎样，都画得像一个人，模特儿似乎成了摆设，成了他们胡编乱造的参照物。这里有初学时期老师指导上的失误，还有考生自己认识上的误区。

有的考生错误地认为：模特儿像不像没有关系，只要画面效果好就行，反正评分的老师也不知模特儿什么样。像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的标准之一，但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。如果一个学生长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。具体到素描写生中的表现就是千人一面。这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。

无疑，这样的试卷是无法得到高分的。而这些毛病一旦形成就很难纠正。所以学生们要特别注意老师讲到的每一个细节。在最后画面调整时，最容易出现画面灰、效果对比不强烈和画面锁碎的问题。为什么会出现这些问题呢？这是因为画面的黑、白、灰层次缺乏完整统一的对比和变化规律,，画面的层次就不清晰，画面的效果就不响亮，至于哪一种成分多点，哪一种成分少点，都要给你的感受而定。自身的关系是非常重大的，但不管怎样的比例关系，三大基本色调都不应缺少其中的一个。

造成画面灰的原因很多。比如模特儿的面部大部分都处在亮部里，于是，画面上基本都是亮和灰的色调；如果处理不当，很容易造成画面灰。这时，就体现深灰的作用，尽量拉开深灰和浅灰的距离，使之保持画面的层次感。还有一种情况：模特儿的皮肤比较深，黑和深灰色调占其面部的大部分面积，而浅灰和亮面所占的面积很少。处理不好也容易造成画面灰暗、沉闷，影响作业成绩。对此，考生应主动减少中间色调的深度，提高画面（脸部）的亮度，保持画面的层次感。

写生的过程当中，在整体尊重客观对象的前提下，允许对局部的色调进行调整、或减弱、或加强的艺术处理。素描写生的对象，或明或暗，或强或弱，或虚或实，都有着它的规律和秩序。写生时如果打乱了这种客观秩序，就会出现零乱琐碎，因而影响画面的整体感。还有一种情况，每个局部都画得很好很完整，但局部和局部之间没有联系，互不统属，互不相让，像一盘散沙。一个物体在一个固定光源的照射下，必然会出现强弱、远近和虚实的物象。

因而就产生了物象主次关系———秩序感。把握不好，这样的一幅作品也不能说是一幅好的作品的！在素描的练习过程中，素描必须着重光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。所以，素描需培养自己的观察力。另外，素描也可以解释为“存在”与“绘画”之间一切的努力，亦即所谓“绘画之描写力”。

例如，描绘桌上的静物，除了可以发现静物上不同的色彩外，亦可发现放在桌上的安全感，和背景间的协调性，这些存在的形、色、线条、明暗，质感，量感、存在感、空间、动态……等等复杂的因素，互相交织，构成一个美的秩序。绘画就是要将那些自然的秩序，导换成美的、入画的秩序，这也是素描的意义和目的。素描是绘画的基础,是最能体现人的绘画水平的画种。因此，在学习中要踏踏实实，持之以衡，不可浮躁。

⑧ 设计素描的概述

它基本上适用于一切立体设计专业（如产品设计、造型、雕塑等）画面以透视和结构剖析的准确性从客观事物的具象形态中再现形式美感。 基础素描也称之为常规素描，作为一门绘画艺术基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。
基础素描与设计素描同是艺术基础教学的重要组成部分。
基础素描作为一种素描形式，它的雏形和胚胎早在文艺复兴时期就已大体形成，于上个世纪初被引入我国，发展至今基本遵循的规律，可说已相对确立。设计素描则相对年轻，虽说于1919年德国包豪斯学校开创了设计素描教学。但是引入我国也是到了上个世纪80年代，90年代才真正开始深入设计教学体系之中。
设计素描注重结构的理解。培养学生对转折点的把握记忆与用线的表现。在学生个有一定认知水平和表现能力的基础上深入培养对物理事物的认识理解。通过各种观察研究。加上大量的变化练习。从而创造出新的事物。并给事物一美感。设计素描的表现力很强。提高表现力的方法就是多观察自然,多理解事物，多做速写练习。提到表现力就不得不说构图重要。经常构图练习的习惯也需要培养。创意想象力也是非常重要的。在生活中多补充各方面的知识。懂得用各种工具。局限住的设计师是创造不出好的作品来的。

⑨ 请告诉我画素描的思维方式，具体指教，谢谢。

写生素描的思维方式：从透视·解剖·结构·空间·明暗等方面进行观察模式思考、测量模式思考、艺术语言表达的理性思考与视觉科学逻辑思考等等。比如素描入门诸如此类的教学思维。
情绪素描的思考方式：纯粹以主观的认知、情绪的宣泄、动态动作甚至触觉等直观视觉逻辑的艺术情绪型思考方式。比如盲画素描系统。
创意和创作素描的思考方式：创意方法论、创作方法论、视觉语言系统论、视觉哲学等视觉艺术创造性思维的方式，这时的素描是作为一种构思、一种视觉思维印刷、一种视觉艺术博弈、一种艺术精神的视觉媒介而产生的，素描作为创作的初始平台来演绎创作思路。许多艺术家和大师的素描就属于此类。

⑩ 设计素描的主要作用是什么在训练中如何体现设计思维对你专业设计有何帮助

1、设计素描是设计教学中的一门必修课,作为艺术造型基础的素描,它能传达出设计者对自然、生活的独特感受和设计理念,是从事艺术设计活动的起点。培养学生的造型能力和创造思维能力。
2、设计素描不同于传统素描，它是以培养设计师为目的，主要研究客观对象的内在构成关系与外观形式的整体感，从而超越摹仿，达到主动性的认识与创造，因此在教学过程中应着重讲授设计的性质，强调构思与想象能力的训练。
3、设计素描对我们专业的帮助是打好造型基础和创造思维能力，以及以上两点内容。