學習樂曲的方法和技巧

A. 歌曲作曲的一般技巧有哪些

創作歌曲，都會有一些 方法 技巧，通過學習，才能作出更好的曲子。下面是我為大家講解一下歌曲作曲的方法技巧，僅供參考。

歌曲作曲的一般技巧
一、主題

一首歌的音樂，要有一個能夠集中地概括整個作品的思想、感情、性格的音樂主題。樂曲的長短要根據內容而定，象一條主線貫穿全曲。歌曲的音樂主題往往是根據第一句歌詞的特點所創作出來的，有些歌曲的主題，往往根據半句歌詞加上襯字拉開來創作的，也有一些歌曲的主題，加了許多虛詞和襯字把主題加長了。

一首歌樂曲主題的配製，首先是從研究歌詞開始的，要進行反復吟頌，藉此來了解歌詞的意境，進行研究分析，並對歌詞作修改和修整。要形成准確、鮮明、生動的音樂主題形象，才能正確深刻地表現詞意的思想內容;其次，對於體材也要選擇合適的，根據內容需要量體裁衣，以增加作品的表現力和藝術感染力。

二、發展

1、段落

音樂的發展安排在合理的作品結構之中，歌詞的結構是音樂段落結構的重要依據。段落分一段體，兩段體，三段體等。比較常見的是兩段體和三段。

段落可以分為對比和類似形式。對比，如：前面比較舒緩，後面比較高昂;前面比較緊湊，後面比較庸散。從文學上分析，如果你想用對比來創作的話，前面是敘事的話，後面一定要改成抒情。從音樂上說，前面如果旋律比較平，後面就大膽的多點起伏，前面節奏多用4分音符的話，後面就用8分或16分音符。從而起到對比的作用。在編曲上可以更明顯地看到，一般副歌部分總是比較高潮，而前面總比較緩慢。但這也不是絕對的。

一段體的大多都是小歌，如蘭花草，雪絨花等等。 學吉他 的人一定知道，是吉他入門的必彈曲。如果寫得好，那也是非常精緻的東西。但一段體對旋律要求非常高，旋律一定要好聽，否則不行。現在三段體的也很多，如陳亦訊的十年(也有人把第二段看作起承轉合中的轉)，那英的征服(在歌後面有一段把情緒推向高潮的人聲部分)等等。

數學裡面有黃金分割點，人們在美術、音樂等藝術領域都很注意這個點。按照美學觀念它是最完美的點。一首3分鍾的歌，在黃金分割點上，大概2分多鍾的時候，總是一個歌最最好聽的地方，他或是高潮部分，也許是一首歌最最精華的部分，在編曲上尤其是這樣。黃金分割點，是最容易打動聽眾的點，也是最容易渲染感情的點。

2、重復

重復永遠是音樂中的不二法門，從段重復到小節重復，幾乎每個作品中都可以看到他的影子。(重復也是同度模進)。重復的技巧也很多，移位重復還包括嚴格移位和混合連續移位。

3、倒影

它就像我們在水邊，看到自己的影子。如：33345 33321。

在 五線譜 中，以3橫線，就會發現，345往下翻180度的話，其旋律線條就會和321吻合。這樣寫出來的旋律，不會很散。

4、模進

模進分嚴格模進和自由模進。嚴格模進，要求各旋律音程之間完全一樣，旋律線條也要完全一致。如：3323 2212 。自由模進，則沒有這個限制。如：1123 3345(1和2之間是全音，3和4之間是半音，音程不同)

5、對格

各藝術門類都是相通的。在文學創作中的某些技巧，放到音樂里也完全適用。在一些人寫的詩聯，第一句的最後一個字，是第二聯的第一個字。放到音樂中的話，就是第一句最後一個音符，是第二句的第一個音符。然後依次類推。如：123 312 234 465，前面的最後一個音符，是後面的第一個音符。李宗盛有時通篇都使用對格的技巧。

6、變音

一般而言是指升降音符。用一些變音，會給人帶來新鮮的感覺，也容易使情感更加飽滿。

歌曲變音用得如何，很大程度上看作者對旋律的把握程度。一般來說，表現明亮色彩的歌曲用大調，相反，表達憂傷或溫柔的歌曲用小調。我們也可以把大調的3音降半度，來表達憂傷或溫柔。在小調中，多使用#4和#5，是不會有錯的，因為小調的上行音階中本身就包括#4和#5。如果想寫一段帶有JAZZ風味的旋律，除了節奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法門，其實，這也是JAZZ的特有音階。

例如，羅大佑在愛的諍言里，A段第三句，用了#1 2 3的級進，給人一種憂傷的感覺，而且非常新鮮。李泉的愛的顏色中，用了：5 6 7 #1的旋律級進，四個全音連續上行，把感情發揮到了極至，也給人一種耳目一新的感覺。橄欖樹是一首非常經典的老歌，作者用了#4作為承上啟下，收到非常好效果。如果改用4的話，旋律色彩就會大打折扣。

7、濃淡疏密

1：疏密有致。 國畫 講究疏可跑馬，密不透風，有疏有密。在音樂中，前面幾小節如果節奏部分非常密集，後面一定要多寫些長音。如果前面旋律起伏非常大，那麼後面一定要把旋律安排得平穩些，以起到一個平衡的作用。

2：深淺分明。國畫講究墨色深淺枯濕，分深、淺、灰等五色。在音樂作品中，如果前面兩小節都使用了上行的旋律，如：1123 3345，那後面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，這樣讓人感覺旋律有起伏有變化了，聽覺上比較舒服，也符合自然規律。

如，開頭第一到第二句，旋律從低音5直線上升，且不帶拐彎地到達高音1，音程跨度純四度+純八度。第三句開始慢慢下降，從高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。給人感覺旋律起伏很大，感情全部發揮出來了，然後第四句旋律開始走穩。

8、調式

在古典音樂里，用什麼調?抒發什麼情感?需要的音樂效果是明亮的?還是灰暗的?或是雄壯的等等，都有嚴格的要求。

但在當今的許多歌曲，特別是流行音樂里，幾乎沒有這種限制了。現在作曲家對歌曲的定調，一般是根據歌手的音域來確定的。男歌手一般最高音定在G上。(鋼琴上叫小字二組G，吉他上是第一弦的第三品)。如果太高，降一度也夠了。女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(鋼琴是小字一組B。吉他是第二弦空弦)。太高的話也降一度。當然，這也不是絕對的，只是一個大致的范圍，聽說帕瓦羅蒂可以唱到高音#C。大家可以在琴上感覺一下，鋼琴是小字三組的#C，吉他是第一弦第九品。

9、變調

我在江西、北京兩次聽到張千一講自己的歌曲創作體會，每次對轉調的問題都談得特別多。調性的對比，確是非常重要而有趣的，一首歌前面如果是小調，後面可改用大調來發展。前面如果是C調，甚至你可以在後面安排bE大調(就是C小調)，都是可以的。這樣能讓聽眾有耳朵一亮的感覺。但不要忘記，調是為歌服務的，轉調是為了更好的抒發情感。所以不管你轉成什麼調，一定不能單純為了轉而轉，音樂也要有再現。

齊秦的《大約在冬季》，他在第一段開頭用大調 1，結尾是小調 6，副歌部分也是小調，很好地抒發了離別的情緒。 張國榮的“共同度過”，本來旋律並非很出彩，副歌部分也是一般，但作者連續用了四個轉調，把感情全部唱出來了。 轉調技術在間奏里用得也比較多，還有離調，但這是編曲的范圍。如果間奏忽然轉調了，那麼在結尾的時候，一定要再轉回原調。

調式的學問很多，在印度的音樂里，把3和4這一對半音兄弟，再切一半，變成12音音階，更難唱。光音階上的變化就有幾十種，還分上行和下行，還不包括臨時變音等，很難懂。

在大多的編曲書中，都說結尾一定要5級和聲轉到一級和聲。是C調的話，結尾一定要從G到C才可以，不然不及格。但有不少歌曲裡面結尾並不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在聽覺上非常新鮮。還有G到G增和弦。就是(5 1 2)也非常新鮮。有一種意猶未盡的感覺。

10、起承轉合。

中國的詩詞歌賦是要講究起承轉合的， 四句式的歌曲或歌曲主題部分也有起承轉合音樂結構的。

開頭的第一句就是起，一般都是有音樂動機組成的，是寫歌的一個動機所在。

第二句就要相承了。

第三句就是轉，是主歌部分最精華所在，很多優秀的音樂人都在這里大做 文章 。如果前面兩句用上行旋律比較多的，第三句一定不要用，改成下行。前面如果旋律比較平和，到這里，一定要寫的凹凸些，就象美女的線條。用一些變音什麼的，節奏改一些，也是非常常見的手法。

第四句叫合。是前三句的 總結 ，有人把第一句照搬，那是最簡單的辦法。也有人把前面三句用到的動機，整合在一起作為第四句，也未嘗不可。實際上，創作手法是多樣化的，主要看情緒發展，你想表達什麼。

11、詞曲配合。

漢字有本身的發音，1、2、3、4聲，念的時候，大家都嚴格按照發聲的，上入聲，本來也包含了音樂成分在裡面。如果沒有按照發聲規律念，很容易就變成另外的意思了。而在音樂創作中，這是最最忌諱的。

如果歌詞的感覺是搖滾的，曲子卻寫成民謠的，聽上去感覺一定不行。曲子是古典風味的，而詞的感覺卻是很現代的，感覺就會很別扭。齊豫以前有盤專集，曲子都是從古典音樂里出的，新填上詞來唱，感覺不好。因為那是人家為器樂而寫的曲子，改成人聲了，當然不好。

12、最高境界。

魯迅先生說過，文學的最高境界就是，添一字嫌太肥，減一字嫌太瘦，就是說，好的文章，你一個字都不能增減。好的曲子也是一樣。加任何一個音符進去，你都覺得不好，刪除任何一個音符，你都覺得不對，到了那個時候，就是曲子最完美的時候。如果對巴赫的復調加音符進去，就會發現，加在任何一小節，其他地方都要作很大的改動，而改好之後，又會發現完蛋了，不能聽了。 但歌曲有所不同，因為要加歌詞。詞，是為曲服務的，是依附在曲子上的。所以寧可讓詞犧牲點，也盡量不要去改動曲子了。
作曲的小技巧
1.旋律猶如詞句。當你在寫作的時候，讓 句子 變得更長的方法，往往不是在後邊不斷的加上新的想法，而是為這個句子寫上一個從句構成主從結構。所以，如果我有一段4個小節的旋律，我通常會把最後一個小節刪去再續上一段變奏。這段旋律變得變得不完整，但因此可以被延長成為一段有多個樂句的長旋律。在大多數情況下，我會為這段旋律續上多段變奏，它們可以出現在歌曲的各個部位。

2.歌曲有其應有的長度，不應將之過度延長。一般，我會以一段八個小節的旋律開始，然後在其上增加或刪減節拍。我發現，對比原來的旋律與新的版本，原來的總是顯得缺乏生命與呼吸，甚至顯得有些機械化。重復往往有其修辭意義，我不會總是重復一段規律的旋律，但我會試著把這段8小節的旋律改變為7個或9個小節，這讓它聽起來起伏而帶有呼吸感。這就像人在自然說話的時候，從不會一直保持一個平穩的4/4拍節奏，而會間歇性時快時慢時輕時重。自然，每個人的品位不同，選擇也有不同，而且這個方法在groove driven風格的音樂里邊也許不夠適用，但是你也不妨試試。

3.將一切都唱出來，不管是旋律、低音線還暫時只停留在腦海的聲音。如果你無法將其哼唱出來，那它很有可能並不太好。當然，這也不總是如此。只有對自己的旋律創作有足夠信心的人才會逐漸剝離那些可以哼唱而出的音符，但在此之前，你還是試著把它們都唱出來吧。

4.所有的旋律表達都應清楚明晰。音調上升需呈上升之勢，三和弦組合也應明顯易辨，裝飾音則應清楚地表達出某些段落的特殊性。一般而言，表現出明顯趨勢的旋律段落需要有明確的概念表達，你得更好的思考這段旋律，刪去那些無益於趨勢律動表達的音符。一段表現明顯下降趨勢的曲調，就不應在其中夾雜太多的上升的旋律。這一點，會對你在創作合唱、多聲部或交響樂都有一定幫助。要知道，一段整體不佳的旋律常常是因為參雜了過多律動相異的音符而導致。

5.將樂曲分成樂句。好的音樂家的確能將“兩只老虎”也表演得令人陶醉難忘。但作曲家們，你們沒有那麼大的運氣總是遇上這些超凡的表演者。他們都忙得沒有排練時間了，零碎的那點時間用來練習勃拉姆斯也比練習你的曲子有意義。所以，請把你的樂曲明確的標注出停頓起伏，並將之化為一段段的樂句，這樣你的曲子在任何情況下都不會黯然失其本色。標注出漸強、暫停、升高、較輕、較重、連續等等，這些都是一個聰明的作曲家應該寫清楚甚至應該強調的。如果你覺得這段旋律之後需要的是暫時休息，就請把切分換成休止。與其直接寫“強後突弱”，不如標明一人起音後再有漸強跟上，這樣表達更為明確，也不需要花更多功夫。

6.好的旋律意味著音調和諧。即使是一段無伴奏的旋律也應遵循這一點。一段旋律應該搭配的和弦作曲家們應是再清楚不過的了，但若未落筆寫明，誰也不知道真正配合的基音為何，所以請務必將其標明。作曲的時候，我發現，相比哼出一段旋律，唱出具體的音名對於協調音調更有幫助。這是因為，哆來咪實際上各自有著不同的旋律內涵，而任何一個音樂家都應注意到這點。

7.好的旋律也一定是友好的。你可以在這之上疊加另一段強烈的旋律，感覺還不錯的話，你甚至還可以在這之上再次疊加。

8.我發現，保持旋律的某種律動感不變，但同時隨意為另一層旋律移調，會為之創造出一種空間感，結構會變得明晰，而整體也更具動感。但讓所有的元素都隨意移調也許就會顯得有些失序了，聽者也會因缺乏以主要旋律作為引導而失去耐心，但無論如何，若整首歌都沒有移調，那又會顯得過於無趣了。

9.你需要讓自己的整體旋律具有足夠的能量。這樣他們在進一步的發展與改編後依然可以保持最初的聽覺特質，即使是調整了音調，加入了新的元素，最初的旋律依然清晰可辨。這樣的旋律在重復、比較中也能穿過多變的表層旋律直入內心。在創作交響樂時，你甚至不必再協調背景與主音之間的聲音輕重，旋律的靈魂已經早已深入聽眾大腦揮之不去。關於作曲的指導往往會局限於那些大眾化的作曲動機及與之相關的技巧。雖然這些技巧幾乎適用於所有的音樂風格，而且常常被人廣泛利用。但我不準備再給你關於所謂技巧上的建議(它們早就被別人解釋過一萬遍了)，技巧的確很重要，但我更願意給你們 說說 技巧之外的同樣重要的問題。

最後，咱不用再說分析經典總譜有多重要了吧。畢竟，寫出好曲子不僅是寫出好的旋律段落，你還得知道如何將它們恰到好處地良好組織。
學習作曲的技巧
要熱愛生活，體驗生活，善於觀察生活

平時，在生活中要多看、多聽、多分析、擴大視野，增加生活積累。不但要對各種人、各種事善於體察、分析，還應對美好的大自然——山川、田野、大海、江河、風、花、雪、月 等等有更深的了解。只有這樣，當你想寫有關題材的歌曲時，才不至於腦子空空，毫無聯想 。試想，如果一個作曲者連山都沒有見過，怎能寫好一首登山的歌曲呢?最多隻能藉助於影 視或書本的間接介紹，但他決不能體會到登山時步履的節奏韻律，及攀登山頂後胸懷歡暢的 心情。

要有一定的 樂理知識

歌曲是通過音樂來表現的，而音樂則需用樂譜記錄下來的。因 此，歌曲作者必須具備相當的樂理知識，青少年朋友應在這方面先打下良好的基礎。試想， 一首好的歌詞打動了你，你很想把它譜成曲，然而，頭腦中浮現的歌聲，卻不知如何用音 樂符號來表達;或者雖然用音樂符號記述下來了，但不確切、不完整，甚至與自已的本意相距很遠，這樣是寫不好歌曲的。3要善於學習各種音樂語言 歌曲是通過音樂語言來表情達意的，所以要想寫好歌曲， 首先要學會積累豐富的音樂語言。日常生活中，一個人的口才好，人們誇獎他“出口成章”，這並不是天生的，而是語言的不斷積累和反復鍛煉的結果。同樣，你若想寫好歌曲，也應不斷積累起豐富的音樂語言，供自已在創作實踐中運用。或許有些朋友會問，從哪裡去找音樂語言?怎樣積累?途徑是很多的，如我國各民族、戲曲、曲藝和傳統樂曲，聶耳、冼星海、蕭友梅、黃自等老一輩作曲家的優秀作品，目前流傳很廣的一些優秀的藝術歌曲、群眾歌曲、通俗歌曲、新歌劇及影視音樂，以及外國古典及現代的優秀音樂作品，我們都應該熟悉和認真借鑒。就像海綿吸水那樣，吸收越多，儲備充足，到需要參考借鑒的時候，就能得心應手地為你所用。學習前人的創作 經驗 是文藝創作的必由之路，歌曲創作也不例外。如果掌握的曲調很少那麼你的音樂語言就不會很豐富，有時顯得蒼白、單調。當代著名作曲家如賀綠汀、李煥之、劉熾、瞿希賢、王洛濱、施光南等的作品，都與民間音樂有著“不解之緣”，並從古今中外的優秀音樂作品中，吸取了豐富的音樂養料，所以他們的作口才能受群眾的喜愛。對於前人的作品還應善於學習，要分析他們的得失成敗，而不是盲目照搬，因為生活本般是豐富多彩的，而且每時每刻都在變化發展著的。還要學會分析自已的歌曲，經常給自己當老師，不斷總結經驗都訓，本著精益求精的態度，才能迅速提高。此外，有條件的朋友，還應多掌握些音樂知識及作曲技巧，比如與歌曲創作直接有關的和聲、復調及作品分析等知識。它們能幫助我們學會透徹地分析歌曲，提高創作技巧，更快地掌握作曲本領。

要有相當的文學基礎 歌曲是音樂與歌詞的結合

因此，歌曲作者的文學水平將直接關繫到歌曲的創作質量。要熱愛文學，關心文學，並不斷提高自已文學水準。對於小說、 報告 文學，並不斷提高自已文學水準。對於小說、報告文學、 散文 ，尢其是詩詞應給予很大的關注。歌曲作者必須具備一定的文學修養，比如對各種詩詞的了解，包括流派、創作及聲韻特點等。希望朋友們不斷提高自已的文學修養，以適應歌曲創作向我們提出的日新月異的要求。有了生活體驗，又常握了一定的寫作技巧，就應“勤寫多練“了。學到的知識如果只停留大書本概念上，不去實踐，不經常磨練，是寫不出好的曲調來的，所謂“熟能生巧”就是這個道理。但是，我們說的勤寫，是要動腦筋有意圖地寫，而不是無目的地瞎寫。比如，可以根據合適的歌詞寫一首完整的歌曲，也可以根據自已的能力，按特定的情緒要求寫一段曲調，甚至只求寫好一個或幾個不同的樂句，從中得到鍛煉和提高。循序漸進的規律，對於學習作曲同樣是適用的!

作曲對於我們音樂 愛好 者來講，也不是可望而不可及的事。俗話說：熟讀唐詩三百首，不會作詩也會吟。我們聽多了別人創作的優秀作品，有時自己也能哼出幾句別致的旋律，而這就是樂曲創作的火花。只是多數人都未能將其點燃成一團火，成就出一首作品就是了。

有興趣作曲的網友，不妨學習一下 簡譜 ，先把自己哼唱的旋律記錄下來，這個不難。如不會簡譜就先錄下音。否則你以後往往就想不起來了，”火花“熄滅，悔之晚矣。

不過往往我們自己哼唱的新旋律和我們聽過的某首歌中的一段相似，這是難免的，初學嘛。也很可能記錄下的旋律，經一段時間再聽，感覺不咋樣了，那就廢掉，重找靈感。

B. 完全不懂音樂的人如何學音樂

完全不懂音樂的人學習音樂，最重要的是能夠自己下定決心要去學習。從而自己有這一份毅力，才能夠真正地去學會學好一份技能。

一、在自己完全不懂的情況下，建議還是找一個導師，來幫助自己今後的學習進步，起到監督引導學習的作用，讓自己更快地接觸，學習音樂。

二、在完全不懂音樂的情況下，是首先要把基礎打到扎實，所以，從基礎練習，學音樂就要先把樂理知識弄懂，樂理視唱練耳對今後的學音樂進步飛快。

三、起先把節奏感找到，多練聲對學習音樂起到非常大的作用。

四、最後需要自己的毅力，需要自己多勤奮一些，相信你可以的，一定行的，加油！

C. 初學者學唱歌技巧和發聲方法

初學者學唱歌技巧和發聲方法

聲樂主要是通過正確的發聲訓練和不斷的歌曲演唱來逐步完成的。每位歌唱者必須通過發聲練習的途徑，掌握科學的歌唱發聲的基本方法，使歌聲美妙動人。下面是我為大家整理的初學者學唱歌技巧和發聲方法，歡迎參考~

一、 歌唱發聲練習的目的和要求

歌唱發聲練習的目的，簡要地說，就是將歌曲演唱中對聲音所需求的各種技術環節，通過有規律、有步驟的發聲練習，逐步提高歌唱發聲的生理機能，調節各歌唱器官的協作運動，養成良好的歌唱狀態，使歌唱發聲的技術成為歌唱表現的有力手段，為達到聲情並茂的演唱服務。

我們練聲的目的是要調整鞏固科學的發聲狀態，把良好的歌唱狀態保持到歌唱中去，改變平時生活中自然的發聲習慣，使之成為符合歌唱發聲的習慣和狀態，所以必須明確我們練聲的目的，而不是簡單的「開開聲」而已。

歌唱發聲練習要求每個歌唱者首先要了解和熟記歌唱發聲器官的生理部位及其功能，掌握歌唱發聲的基本原理，全面理解其精神實質，通過反復的練聲及歌唱實踐來消化和驗證其歌唱規律。

因此在發聲訓練過程中應注意以下幾點要求：

1)每位歌唱者一定要充分理解和運用氣息發聲和氣息控制的方法(即橫隔膜的呼吸方法)，因為在整個聲樂功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一環，是整個歌唱建築的基礎，因此必須明確呼吸的重要性，重視練好歌唱呼吸的基本功。

2)打開喉嚨，穩定喉頭，是歌唱基本功訓練的核心，這是歌唱者聲樂技巧能否順利發展的關鍵之一，很多歌唱者聲音上的毛病，多是由於歌唱時喉頭不找開、不穩定造成的，而正確的喉頭位置是協調呼吸器官的運動，獲得穩定、流暢聲音效果的關鍵。

3)要恰當地運用好歌唱的共鳴，要使聲音傳得遠，充滿劇場，且圓潤，優美動聽，這是要經過專門訓練的，對於初學者來說，是比較難掌握的課題。由於共鳴訓練常常與其它發聲基礎要求分不開，因此要求歌唱者通過母音的轉換，穩定喉頭打開口腔，調節氣息等手段，把聲音振響在鼻咽腔以上的高位置頭腔共鳴點上，來增大音量，擴展音域，美化音色，統一聲區，使高、中、低三個聲區的聲音協調一致，天衣無縫，走動自如靈活。

4)正確的發聲要與正確的咬字、吐字相結合。通過字、聲結合的練習來提高唇、齒、舌的靈活運動能力，使之更完美而生動地表現歌曲和情感和內容。

5)在歌唱發聲時，還要注意對音準、節奏的訓練，通過發聲練習，逐步掌握連、頓、強、弱等全面的歌唱發聲技巧，豐富歌曲的表現手段，增強歌曲演唱能力。

6)在每次練習時，都要保持正確的歌唱姿勢，正確的歌唱姿勢是進入良好歌唱狀態的前提。

7)在練聲、唱歌前，一定要摒除一切雜念，穩定情緒，要有非常好的心理狀態，要有良好的歌唱慾望，要充滿信心、放鬆自如地進入歌唱狀態，否則是唱不好歌的。

8)從開始練聲起，就要同音樂結合起來，即練聲也要有良好的樂感。音程、音階一方面是肌肉、音準、氣息、共鳴等方面的技術練習，同時它們又都是樂曲的組成部分，要給它們以音樂的活力和生命。因此練聲一開始，要求每個歌唱者把音程、音階、練聲樂句也唱得悅耳、動聽。以上我們可以領悟到，在歌唱發聲的過程中，呼吸、共鳴、吐字、表現缺一不行，它們是相互聯系、相互促進、相輔相成的，這就是我們所要求的「整體歌唱」的涵義。

二、 歌唱發聲練習的步驟

歌唱發聲基本功的練習，一般按音域進展的規律，可分為三個階段進行。

第一階段

以中聲區訓練為基礎，掌握基本的發聲方法，調節和鍛煉肌肉以適應歌唱技術的需要。無論哪一個聲部，都應該從中聲區開始訓練。練中聲區的音相對鞏固後再逐步擴大音域，要知道聲樂學習要從基礎入手，中聲區是歌唱嗓音發展的基礎，基礎必須打得扎實，要記住「欲速則不達」的道理。

第二階段

是中聲區的基礎上，適當擴展音域，加強氣息與共鳴的配合訓練，練好過渡聲區(即換聲區的訓練)，為進入頭聲區的訓練打好基礎。第二階段的練習是關鍵的一環，需要花費的`時間相對也比較長，但千萬要有耐心和信心，不要急於唱高音，要沉得住氣，等這段音域鞏固後，再進入高聲區的練習。

第三階段

即高聲區的練習可以在比較鞏固上兩個階段的基礎上加強音量音高的訓練，進一步擴大音域，做較復雜的發聲練習，使各聲種達到理想的音高范圍。這了階級的練習要特別注意高、中、低三個聲區的統一，音的過渡不要發生裂痕和疙瘩，重點是加強頭聲區的訓練，獲取高位置的頭腔共鳴，從而達到統一聲區的目標。這樣我們歌唱發聲的樂器基本製造完畢，可以唱一般難度較大的歌曲了。

三、 歌唱發聲練習的起音

發聲練習開始的時候，必然會遇到如何起第一個音的問題，我們稱它為歌唱時的「起音」或「起聲」。歌唱的起聲可分為激起聲、軟起聲、舒起聲。

1、 激起聲

是當吸氣完畢後，胸腔保持不動，聲帶先自然閉合，然後，再以恰當的氣息沖擊聲帶使之振動發聲，這樣發出來的聲音結實有力，我們在發聲訓練如頓音、跳音的練習中常常使用，也用這種方法糾正聲帶漏氣的毛病。此時與之相應的呼吸方法往往採用急吸急呼。

2、 軟起聲

軟起聲是聲帶在開始閉合的動作時，氣息也同時往外送，開聲門與氣息振動聲帶同時進行。這種方法氣息的沖擊力比較「激起聲」要柔和，發出的聲音比較平穩、舒展。我們發聲訓練中也常常在練連音和長音中採用，同時也用「軟起聲」的發音方法來糾正喉音的毛病，與之相應的呼吸方法往往採用緩吸緩呼法。

3、 舒起聲

舒起聲是聲門先開，然後氣息再振動聲帶，它的特點是先出氣而後發聲，像嘆氣一樣。在勞動號子中，常常用到這種起聲法。在發聲訓練中，這種方法可用來糾正聲音過於僵硬的毛病，在通俗唱法中使用較多，較口語化。總之，歌唱的起音首先要精神飽滿，全身協調，根據不同類型的練聲曲例來確定起音的方法，注意起音的音量不要過分強，以舒適的mf或mp音量為合適。

四、 歌唱發聲練習曲

練習曲的練習，是發聲歌唱的重要的基礎訓練。練聲曲可以用各個母音或 混合母音或子母音混合音，也可以用音階的音名1234567等等來練唱，也可以在練聲曲上安排歌詞來練習叫帶詞練習。發聲練習過程中，是以聲音效果和發聲器官肌肉適度的標准去調整發聲器官的機能和狀態的，每個人的發聲器官的構造、嗓音條件、聲音類型、發聲習慣各不相同，因此，並不是每一種類型的練習都必須唱，而是有計劃、有針對性地進行選擇練習。

1、「哼鳴」的基本練習

一般在開始練聲時，先練練「M」是有益的，因為發這個音容易達到高位置和靠前、明亮、集中的效果。練習哼鳴時首先上下唇自然地閉上、口腔內部要打開，好象閉口打哈欠的感覺，感到聲音向高位、額竇、鼻竇處擴展，但切勿把聲音堵塞在鼻腔里，否則會發出鼻音。

2、母音的練習

除進行哼鳴練習外，更多地是進行母音的練習，如a，i，o，u，e等單母音練習，也可用混合母音練習如ma，me，mi，mo，mu等等。

3、連音練習

人們常說：「不會連貫就不會歌唱。」歌唱聲音的主要表現力就在於聲音的連貫優美，只有連貫的聲音才能唱出動人的旋律線來。為了使聲音有更多的連貫性，可以將練習的音域相對拉寬些，練習也可以隨之難度更大些。

4、頓音練習

頓音唱法又稱為斷音唱法。要求唱得清晰，短促，靈活，富有彈性，集中感強。練習時要注意一字一音的靈活性和一字一音的連貫性。

5、連音和頓音結合的練習

在基本掌握了連音和頓音唱法的基礎上，可以加連音、頓音結合在一起的練習，這樣有利於歌唱狀態的統一，頓音好象是一個「點」，連音像是一條「線」，這樣以點帶線，便聲音的位置統一，並保持氣息均勻流暢。

6、保持共鳴位置不變的練習

在「哼鳴」練習中我們已經講了找共鳴位置最好的辦法就是體會「哼鳴」感覺，如果這個共鳴焦點找准了，那麼其它所有的音都應該向這個哼鳴位置靠攏，這樣才能達到歌唱的高位置，使聲音上下統一。

7、聲音靈活性的練習

這種練習主要是為了適應歌曲演唱中快速、流動的要求，以達到更積極的身體、喉嚨、氣息的配合。

8、結合字聲練習(帶詞練習)

要求根據詞意富有想像，有意境，有畫面，語氣有表現，聲音有樂感，有感情地去唱。力求做到字准腔圓，以情帶聲，聲情並茂，慢慢地向歌唱歌曲作品過渡。

9、練聲注意事項

1)要注意保護好自己的嗓子，適當地練唱，發聲練習的時間，初學時20分鍾一次為宜，以後逐漸地加至半小時或一小時，堅持每天練習最重要，絕對避免用全音量來練習。大聲地亂唱，容易使歌唱器官受損。

2)在沒有能力唱高音之前，切勿作高音練習，經常唱一組你最滿意的音，選擇曲目更要謹慎，不要唱不適合自己的曲目。

練自己的肺活量，多游泳，多跑步!多看一些音樂錄影帶，看一下其他歌手唱歌時的口型，多模仿!多唱，多練。

D. 學音樂應該怎麼學才能學好

音樂它是一門獨立的專業學科，想要學好音樂需要 有好的學習方法。那麼學習音樂有哪些好的方法呢?以下是我分享給大家的學音樂的方法，希望可以幫到你!

學音樂的方法
1.歌唱的姿勢很重要。要站直，要平均站在兩腿的支持力量上。頭的位置比身體的位置更重要。有人唱高音時把頭抬起來，似乎唱上去省些勁，事實並非如此。頭抬起來高音緊了。喉嚨也會發緊，不松。正確的是：頭應稍低，但別太低。 頭部有很多共鳴，聲音在頭部產生共鳴，聲音就大。頭的動作要與旋律相反，越高頭略低，聲音好象下到胸腔里去。

2.歌唱時，盡量避免用那些與唱無關的肌肉。控制呼吸用橫隔膜時盡量不牽扯到其它肌肉，不要象搬東西那樣使勁，那樣會將所有的腔體關閉起來，把聲音也關緊了。唱的時候不要緊張，自然的唱，肩部要放鬆，不要有小動作，唱時只用橫隔膜。

3.打開喉龍。打開喉嚨很簡單，當你困時，一面講話一面打呵欠，這時候喉嚨就打開了。打開喉嚨比打開嘴巴更重要!這樣唱起來的聲音比只張嘴不打開喉嚨的聲音更亮些。所以，嘴要與喉嚨一起張開，最好後面張得更大些!如同用一個倒立的漏斗，大口一方在頸部喉嚨處，漏斗尖在面罩處。如果聲音位置已全部進入面罩，聲音就能從最輕逐漸唱到最強。

註解：只張嘴不開喉嚨： 前嘴 後嘴

嘴不大，但開喉嚨： 前嘴 後嘴(倒立的漏斗)

4.焦點。歌唱時聲音好象放電影一樣，聲音要有共鳴，焦點要集中，集中在面罩。太遠、太近都不行。每個人都有自己做好的發聲焦點，焦點集中了，聲音會越來越大;沒有焦點的聲音就散了。要求聲音大，不能一天就擺出一個架子，開始時共鳴點要小，然後擴展開來，越唱越大。 這種發聲方法，聲音小，好象燈後面有面鏡子，可以使光照得更遠。頭額、鼻竇等處都是空的共鳴腔，要盡量利用。

5.呼吸。歌唱時，要用躺著睡覺時的呼吸方法。在胸式呼吸和腹式呼吸(橫隔膜)中，我更傾向於腹式呼吸，這樣可以吸得深。且快。但無論哪種呼吸，不可二種同時用!這樣是矛盾的，如同一腳踩剎車，一腳踩油門。

6.訓練聲音。你先找到最好的音以後然後順著往上、往下去唱，嘴、喉嚨位置都不要移動，在唱鄰近的音時盡量體會，盡量模仿那個最好的音，這就叫“自我模仿”。每個人都要有“聲音的記憶”。要特別注意嗓音、喉部的感覺。歌唱是很抽象的，一定要注意咽喉肌腱等發聲器官的技能狀態。聲音的記憶，不光指音調，而是包括音質、音色、力度。要追求上中下聲區的統一。
學音樂為什麼要先學樂理呢
一.樂理知識對其他音樂課程的影響

樂理知識能不能學好將會直接作用於其他有關於音樂的課程學習。更重要的是樂理知識如果學不好將會直接影響其他相關的專業課程的學習進度以及學習質量、學習效率。學生在進行音樂學習的過程中只能夠注重專業技能的培養和練習，而不會進行理論知識或者基礎知識的學習，如果長時間都是這樣的學習習慣可能會導致學生在其他方面的學習或者以後的學習以及發展受到阻礙。

二.樂理知識的潛伏性

樂理是一門基礎性的學科。也許在在學習過程中，效果不會立刻顯示出來，但是它對於以後相關的音樂方面的學習有著非常重要的推動作用。好比一座質量好、工程量大的樓房，不可能沒有好的根基就能夠建好。這就說明樂理知識是踏入音樂旅程的通行證，有了它，你將更快的與音樂成為好朋友，了解它所有的興趣，讓你通往每一段旅程的路上都充滿驚喜與歡樂。

三.樂理知識與聲樂演唱

樂理知識對於聲樂演唱來說，也具有一定的輔助性。

1.從小的方面來說，可以認識樂譜，更好的把握歌曲的節奏與速度，力度與情感等因素。

2.從大的方面來說，可以加深對音樂的理解，以便能更好的詮釋出音樂的內涵和風格

3.總的來說，樂理的學習還能加深音樂素養，增強對樂曲的欣賞水平。

四.樂理知識與器樂演奏

對於學樂器的孩子來說，音樂理論知識具有特殊重要的意義。只要彈琴，就會彈出和聲。有了和聲學知識，那些同時鳴響的聲音就不再是零散的、陌生的、無序的，在懂得和聲知識的大腦中，這些音符排列得很清晰、整齊、有序，懂得了和聲語言的規律，就能把和聲彈奏得更有邏輯性，更有說服力，便於記憶，有利於提高音樂表達能力。

當你能夠掌握運用充分的樂理知識去彈奏樂曲時，會發現有很多原本很困難的問題很快就能迎刃而解。許多學習過樂理的小朋友都反映，學習樂理後就覺得老師所教的彈奏曲子會簡單得多了，因為孩子已經開始會分析和總結樂曲的規律性進行練習，不再是茫然的重復性練習。這也就是為什麼同樣是一個年齡階段的孩子，有些學三年可以達到六級的演奏水平，而有些則只停留在初級階段，為什麼有些孩子越練越有興趣，而有些卻經常出現畏難情緒，最終無法理解，堅持，不得不選擇放棄。

五.樂理知識與藝術考生

樂理知識對於藝術考生來說，是通關秘籍。無論是通往高等學府的路上還是准備通往，樂理都將是決定命運的一塊開門磚。

所以，學習音樂是必須要學習樂理的，這是最基礎也是最基本的，基礎知識牢固了學起音樂也會更得心應手，為自己鋪好音樂道路，在音樂的道路上能夠助你走向成功!
中國九大音樂學院
1.中央音樂學院

中央音樂學院(Central Conservatory of Music)，簡稱中央院。是中國藝術院校中唯一一所國家重點高校和“211工程”建設學校，其前身是20世紀20年代至40年代各具特色的幾所高等音樂院、系，1958年學院由天津遷至北京，坐落在北京西城區復興門原清醇王府舊址(光緒皇帝出生地)。原隸屬文化部，2000年歸屬教育部。

2、中國音樂學院

中國音樂學院，簡稱中國院。成立於1964年，是根據周恩來總理的提議而建立的。她是我國唯一一所以中國民族音樂教育和研究為主要特色，培養從事民族音樂理論研究、創作、表演和教育，推動民族音樂文化繼承和發展的高級專門人才的高等音樂學府。

3、西安音樂學院

西安音樂學院，簡稱西音。坐落於千年古都西安南郊。其前身是1948年賀龍元帥在晉綏邊區創建的“西北藝術學校音樂部”。1980年經國務院批准，恢復“西安音樂學院”的建制，是西北地區唯一的高等音樂學府。

4、上海音樂學院

上海音樂學院，簡稱上音。前身是偉大的民主革命家、傑出的教育家、思想家蔡元培先生和音樂教育家蕭友梅博士於1927年11月27日共同創辦的國立音樂院。首任院長為蔡元培先生。1929年9月更名為國立音樂專科學校。中華人民共和國成立後，於1956年定名為上海音樂學院。

5、四川音樂學院

四川音樂學院，簡稱川音。創建於1939年。是中國西南地區唯一的一所專業門類齊全、師資力量雄厚、教學設施完善、教學成果顯著的多學科、多層次的綜合高等音樂藝術院校。

6、武漢音樂學院

武漢音樂學院，簡稱武音。是中南地區一所學科門類齊全、辦學特色突出的高等音樂學府。座落在武昌最繁華地段的解放路，東臨辛亥首義紀念館紅樓，西瀕揚子江，北倚黃鶴樓和長江大橋。院內綠樹成蔭，湖面微風拂浪，四處樂韻繚繞。學院歷史悠久，1985年定名為武漢音樂學院。

7、星海音樂學院

星海音樂學院，簡稱星海。位於嶺南文化中心——廣州，是華南地區唯一的高等音樂專業學府。學院深深植根於嶺南這片人文沃土，浸染著嶺南音樂文化的精魂，鑄就了兼容並包、博採眾長、開放創新的辦學精神，形成了優良的教育教學傳統。前身可追溯到1932年由中國現代音樂教育先驅馬思聰、陳洪先生創辦的廣州音樂院。1985年12月，為紀念廣東籍人民音樂家冼星海，更名為星海音樂學院。

8、天津音樂學院

天津音樂學院，簡稱天音。於1958年10月4日建院。發展和繁榮音樂文化事業，為兩個文明建設做貢獻是學院的辦學宗旨。建院以來，為國家培養和輸送了眾多音樂人才。畢業生中許多人已成為著名作曲家、歌唱家、演奏家、優秀音樂教師和管理骨幹。

9、沈陽音樂學院

沈陽音樂學院，簡稱沈音。是中國東北地區唯一一所歷史悠久、具有光榮傳統的高等音樂、舞蹈藝術院校。緣起於1938年由毛澤東、周恩來、林伯渠、徐特立、成仿吾、艾思奇、周揚等老一輩無產階級革命家在延安發起、創立的魯迅藝術學院，1940年更名為魯迅藝術文學院。抗日戰爭勝利後，學院由延安遷至東北，1948年底定址沈陽，1958年正式更名為沈陽音樂學院，面向全國招生。

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E. 怎麼學音樂音調有哪些方法

學習音樂是很多人的興趣愛好，但是學習音樂並不簡單，既要學習音樂音符，也要學習音樂音調。以下是我分享給大家的學音樂音調的方法，希望可以幫到你!

學音樂音調的方法
一、歌唱的姿勢，良好的歌唱姿勢對於歌唱者來說是很重要的，它就象戰士射擊、運動員賽跑一樣，都需要正確的姿勢，因 此，教師必須對學生的歌唱姿勢給予正確的指導。 首先要結合歌唱教學實踐活動，給學生做示範，使學生能夠區分正確和不正確的歌唱姿勢。正確的歌唱姿 勢，要求是站立垂直，兩腳略微分開站穩，頭正、目平視、兩肩稍向後移、胸自然挺起張開，腹部順其自然收 縮，下頦收回，感覺到彷彿由小腹到兩肩之間形成一條直線。

另外精神要飽滿，有從容之感。坐式唱歌，要求 上身自然垂直，端正，兩腿彎曲分開，兩手平放在大腿上，看課本唱歌時，要求兩手拿課本視唱，劃拍時，左 手持書，右手用小動作輕輕劃拍。總之，指導原則是姿勢正確自然美觀，有利於歌唱和身心正常發育。同時還 應注意，學生在學習中會出現那些不正確的姿勢，其主要毛病是仰頭、挺胸過高、腹部過於凹進，肌肉和精神 過於緊張，既影響呼吸、發聲器官的正常活動和聲音的流暢，又不美觀，這樣就不利於歌唱和學生的正常發育 。

二、歌唱的呼吸方法，首先要使學生懂得呼吸在歌唱中是非常重要的，應掌握好，緩吸緩呼、緩吸快呼、快吸緩呼、快吸快呼的 基本歌唱呼吸練習法。

第三，正確的呼吸方法是當今廣為採用流行於世的胸腹聯合呼吸法，吸氣時空氣由口鼻、氣管吸入肺中， 胸腔隨之自然挺起，有向上伸展的感覺。這是由於膈肌下降，加壓於腹部器官，所以腰腹部也相應地擴張，但 不要過於突起腹部，而要自然適當，頸部肌肉要自然放鬆，不要緊張，也不要抬肩，吸氣要根據需要而決定氣 量大小，從而控制和運用氣息。

第四，結合實際例子進行歌唱呼吸功能的訓練，例如：教唱內蒙民歌《牧歌》時，教師就應當按歌曲樂句 要求，指導學生練習和掌握比較平穩深沉的緩吸緩呼的歌唱呼吸方法。又如教唱《游擊隊歌》就可以按歌曲的 要求，指導學生練習快吸緩呼的歌唱呼吸方法。

第五，注意小學生年齡特徵和生理特點，對正處於身體發育時期的少年，不應按成人或專業訓練要求進行 訓練，要注意教室內的衛生和身體保健教育，保護好少年呼吸系統諸器官。除上述之外還應注意學生經常發生的毛病，常見有些學生發音時總是唱不夠拍，唱高音時吃力，唱不準， 喉頭負擔也比較重等，都是因為氣息不足，缺少氣息的支持，不會控制和運用歌唱呼吸方法的緣故，故此，必 須掌握好科學的呼吸方法。
學習音樂專業注意事項
一：興趣是第一要素

孩子的學習動機主要來源於興趣。父母不能違背這一規律，把自己的意志強加給孩子，不管孩子是否願意，強迫他學習。這樣做只會適得其反，不僅學習效果大大降低，更會讓孩子對學習樂器產生抵觸心理。

二 ：掌握好學樂器的年齡

從幼兒智力發展和身體發育的情況來看，4～5歲可以開始學鋼琴、電子琴、手風琴等鍵盤樂器，而學習弦樂器，如小提琴、古箏等，應該在5歲半之後。一般來說，學習鍵盤樂器一年，基本掌握了音準和節奏感後，再轉學弦樂器會更好。

三：可督促，不應強迫

許多父母都碰到過學樂器“虎頭蛇尾”的孩子，孩子買了樂器有新鮮感，可練習幾次之後就失去了興趣。怎麼辦呢?解決這一問題的有效方法是鎖定時間、規定任務，讓孩子養成定時學習的習慣，完成了任務要及時表揚鼓勵孩子。

四：合理安排孩子的練習時間

對初學的孩子，每次20分鍾左右，每天多練幾次。孩子練習時，父母要坐在一旁看，耐心指導。當孩子記不起譜時父母可啟發他，但不要代他認譜。在家中練習的時間也應把握好時間，不要太早也不要太晚，以免影響周圍鄰居休息
學習音樂的好處
1.平衡大腦的運行

人的大腦分兩部分，左半球專管對語言的處理和語法表達，如詞語、句法、命名、閱讀、寫作、學習記憶等。而空間技巧與右半球相關，如對三維形狀的感知、空間定位、自身打扮能力、音樂欣賞及歌唱等。可以認為左半球是科學性的，而右半球是藝術性的。

這樣寫有些復雜，簡單一點說左腦管思維方面多一些，右腦管運動和藝術多一些.例如：平時我們如果在讀書，那就只要用眼睛和腦子就可以，耳朵可以不用的.聽音樂只用耳朵就行.眼睛也可以閉著的.而如果在運動的時候，我們考慮的是如何協調肢體動作的問題.就是說我們如果是學習，就用左腦為主，如果是運動則以右腦為主.但是學習樂器卻必須全面動用腦的兩個部位.比如，你練習樂器的時候，右手要動，左手也要動，眼睛要看樂譜，耳朵要聽音高，腦子里還要記樂譜背樂譜.可以說是真正的一心多用.在此時，大腦的左右兩個半球都被調動起來，左腦和右腦同時工作，既調動思維又調動動作.你說這是不是對於腦部動能的最好鍛煉和平衡?而且在這種一心多用的狀態下,孩子無法在分心於別的事情,這對於培養孩子注意力的集中也是大有好處的.

2.同時調動邏輯思維和形象思維

人們在學習的時候，大多數知識都是用邏輯思維范疇來表述的.惟有音樂屬於形象思維范疇的.長期在邏輯思維的領域學習，形象思維的能力得不到運用，人的形象思維能力就會下降.學習音樂，可以提高人的形象思維能力，避免兩種思維方式的偏廢.有效開發青少年的智力.

3.提升形象思維的程度

即使在藝術領域，同樣處於形象思維范疇，其中也有區別.比如，書法、建築、雕塑等屬於確定性形象思維.因為它們都有特定的外形，而且不可變更.在書法里，三橫一豎讀”王”.在繪畫里，”紅”就是”紅”，”綠”就是”綠”.在建築里，故宮就是故宮，頤和園就是頤和園.而音樂屬於非確定性形象思維，你不能說1,2,3是”王”，3,4,5是”紅”、你也不能說5,6,7是”故宮”或”頤和園”.音樂一響起，你就只能靠自己的感覺去感受，你就很難說明音樂是某種形態.所以說音樂是最高級的形象思維.

4.學音樂的孩子不會學壞

台灣教育界有句名言，就是”學音樂的孩子不會學壞”.根據調查，一般學習音樂的孩子學習成績好的比例很高.而犯罪的比例卻非常少.我想，一是學習樂器就必須有時間保證，學習音樂的孩子剩餘的時間和精力就有限了.而最重要的是音樂本身的潛移默化的教化功能.使得孩子在學習音樂的同時在學習美，感受美，還在實踐美.一個美的環境對於陶冶孩子的心靈和性情無疑是大有裨益的.

5.合作和團體意識

如果你學習樂器到了一定的水平，建議你最好參加到樂團的活動當中去.因為單純學習文化課的過程可以說是一個競爭的過程.你的分比我高，我的分要比他高，是以競爭為主要形式的.而在樂團演奏是需要和別人配合的，對於獨生子女和現代青少年來說，他們缺乏的可能就是合作和團體意識，現在，在許多學校有各種樂團，如果學校沒有也可以到少年宮去參加樂團的活動，對於提高孩子的演奏水平、結交朋友、提高合作和團體意識肯定是大有益處的.有些家長經常問:"我們的孩子將來不想讓他搞音樂,你說學樂器有用嗎?"

大家知道,世界著名的大科學家,相對論的發明者愛因斯坦的小提琴就拉的很好.無獨有偶,我國著名的地質學家,"陸相成油說"的提出者,原地質部長李四光也是一個優秀的小提琴家,據說中國最早的小提琴曲還是他創作的呢. 往近了看,美國前總統柯林頓的薩克斯吹的一流.而美國國務卿賴斯居然畢業於美國最有名的朱利亞音樂學院,是個很有名的鋼琴演奏家呢!

6.音樂無處不在，就像是長春藤那樣圍繞著我們的生活。從嬰兒期的搖籃曲到學校的進行曲，從生日快樂歌到畢業歌，從電視機里的音樂到領獎台的音樂……，孩子的生活似乎總是伴隨著音樂。

7.音樂的奧秘不僅在於抽象和流動，也在於參與，有待於人們親自“做”，這個“做”有著多方面的涵義，絕不只限於創作。進行親子音樂訓練的孩子們，起先他們咿咿呀呀連節拍都跟不上，甚至在活動初期只能看著媽媽。但才過了幾個月，孩子們就能根據音樂的變化，調整自己的運動頻率、身體位置，甚至調整聲音唱歌。即使是陌生的樂曲，孩子們也會在較短的時間內領會旋律、節奏節拍等音樂元素的變化。孩子在汲取外界的信息並將其成為自己生命中的一部分，他們的感官變得敏銳起來，擁有一套靈敏度極高的信號接受系統，這對其發展多元潛能有著非常重要意義的。

8.音樂能夠拉進孩子與數學之間的距離。很多美學家論證了美的形式與數學的微妙關系，假如數學是心志鍛煉的體操，那麼，從小就接受美育教育的孩子就多了一種從直覺上把握數學的能力。孩子們能夠毫不費力地把一個短瞬的單位時值均分，甚至於同時進行兩種不同的均分，潛移默化地發展了數學能力。

9.音樂活動往往離不開想像，而想像又是孩子從音樂活動中獲取快樂的重要途徑之一。我們可以在日常生活中經常觀察到：只要是在沒有心理壓力的情況下，許多孩子常常會在各種場合旁若無人地長時間陶醉於充滿樂趣的想像活動之中。

10.孩子們接受的音樂作品的結構是多種多樣的，有的是快慢快的三段體，有的卻是起、承、轉、合的結構，有的在達到高潮後結束，有的在末尾卻要飄然而去……種種不同的模式愈來愈多地積累在孩子們的記憶中，對於提高其智商來說是十分重要的。人們認識復雜事物的基本方法是簡化過程，即把陌生的新事物歸檔儲存在腦海中已有分類的各個欄目中去。腦海中儲存的模式越多，想像力、理解力也就越強，大腦儲存後又重新排列組合，構成新的圖示，可以幫助孩子發展創造性思維。

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F. 打擊樂的學習方法

打擊樂是幼兒園音樂教育活動中的一種，同時也是幼兒非常喜愛的活動之一。打擊樂活動不僅可以培養幼兒的節奏感，還可以培養幼兒的控制能力、集體意識及多方面的協調能力。但是，組織打擊樂活動並不是一件容易的事。
現在的幼兒教育提倡研究幼兒、研究學科、研究教育策略，具體到打擊樂應該研究些什麼呢?我認為，打擊樂的重點應該突出節奏的特點、樂器的特點以及樂器與音樂之間的聯系。
首先，要選擇合適的樂曲。
音樂是用有組織的樂音來塑造形象、反映現實生活、表達思想感情的一種藝術。其基本表現手段是旋律和節奏。而打擊樂是根據樂曲來打擊樂器，通過各種樂器給音樂配伴奏以使樂曲更動聽。同時也能使幼兒通過樂器敲擊來表達和表現對音樂的感受和理解。
剛開始練習打擊樂時最好選擇節奏鮮明的樂曲，因為節奏特點明顯的樂曲容易敲擊出效果，如進行曲，這樣便於幼兒掌握節奏特點。待幼兒有了一定的積累後再選擇一些節奏較復雜的樂曲。小班、中班可以2／4、3／4拍樂曲為主，大班幼兒在此基礎上可選擇4／4拍的樂曲。如《郊遊》這首樂曲很適合小班或中班幼兒作為打擊樂的樂曲。這是一首2／4的樂曲，節奏特點非常明顯，前八小節與後八小節旋律完全相同，中間八小節有所變化。在配器時可以根據樂曲中間八小節是高潮的特點，多選用一些樂器，同時節奏可與前後有所不同。前、後兩段可以節奏相同，這樣既便於幼兒掌握，同時也會使敲擊出的效果悅耳、動聽。另外，許多有民族風格的樂曲，如，維吾爾族、蒙古族、藏族樂曲，節奏型都比較明顯，易於幼兒理解把握，同時也可以讓幼兒感受到不同民族的音樂風情。
另外還可以結合孩子們所喜愛的樂曲。教師可注意觀察和發現孩子們平時愛唱的歌曲，從中選擇適合打擊配樂的樂曲。因為關注幼兒的興趣，更能引發幼兒主動學習、主動探索打擊樂的積極性。
其次，要認真分析音樂作品的特點。
教師在組織打擊樂活動之前要熟悉樂曲並分析音樂作品的特點。比如，選取的音樂作品有什麼風格特點，是進行曲、抒情曲還是圓舞曲；選取的音樂作品是幾拍子的，因為拍子不同節奏特點會有所不同，2／4拍的節奏特點是強、弱，3／4拍的節奏特點是強、弱、弱，4／4拍的節奏特點是強、弱、次強、弱；在此基礎之上確定音樂作品的重點和難點是什麼。
如有位老師在組織大班幼兒進行打擊樂《拔根蘆柴花》時，是這樣對音樂作品進行分析的：《拔根蘆柴花》是一首江蘇民歌，樂曲分為三個樂段，第一段與第三段多以八分音符為主，而第二段運用了十六分音符給人以跳躍的感覺。整首樂曲明朗，具有活潑歡快的情緒色彩。教學重點是熟練掌握2／4拍節奏特點，並能夠按強弱規律使用打擊樂器合拍地演奏。教學難點是學會看指揮，注意與同伴之間的相互配合，不突出自己，達到能協調地演奏。
由於教師的准備工作充分，重點、難點找得准確，所以在組織幼兒進行打擊樂的活動中就能夠使幼兒獲得有效的學習和發展。
第三，根據音樂作品的特點合理配器。
不同的樂器有不同的特點，因此適合不同的音樂作品，幼兒教師要了解其特點。
打擊樂器通常分為三種：金屬樂器、木製樂器、散響樂器。金屬樂器，如撞鍾、三角鐵等，屬於高音樂器，聲音高亢、明亮；木製樂器，如雙響筒、蛙鳴板、木魚、響板、打棍、單響筒等，屬於中音樂器，聲音清脆；散響樂器，如鈴鼓、串鈴、手鈴、響鈴等，特點是音量小，聲音散，可持續奏長音。
打擊樂器沒有固定的配器模式，由於它是聽覺藝術，其配器原則凳物以好聽為前提，由教師根據音樂本身的性質來確定如何配器。一般來說，節奏歡快的適合使用串鈴敲擊，抒情的樂曲則適合使用撞鍾和三角鐵。撞鍾適合敲擊強拍，三角鐵適合敲擊弱拍，因為撞鍾的延音比較長且聲做粗譽音高亢，三角鐵的延音較短且聲音較低，這樣可以相互呼應，聽覺效果會比較好。節奏明顯的如十六分音符等適合用雙響筒，四分音符或八分音符則適合用響板。另外要注意的是，所用樂器的多少要根據本班幼兒的實際水平及樂曲的需求來確定，而不是越多越好。同時，也不是所有樂器同時敲擊一種節奏，要能根據音樂的性質充分發揮出各種樂器的特色才會使打擊樂好聽。
第四，巧妙引導幼兒進行打擊樂演奏。
由於打擊樂的特殊性，持樂器的方法正確與否會直接影響打擊樂的效果，可是在實際工作中這個問題卻容易被教純段師所忽略。樂器不同，所持的方法也不同。如果持樂器的方法不對，敲擊出的聲音會很不好聽甚至有可能是噪音。因此，教師要特別提醒幼兒用正確的方法持樂器。而且，還有一點值得注意，即，不是敲擊的聲音越大越好聽。所以，要鼓勵幼兒用正確的持樂器方法、正確的敲擊方法來表現。
在這里特別強調以下幾種樂器的敲擊方法。
雙響筒應該是純五度的關系即1～5由低到高，所以在進行打擊樂之前教師最好事先敲擊一下，在低音處作上標記，這樣幼兒能夠統一先敲低音再敲高音，不然有高有低，敲擊出來會很混亂，沒有樂感。
沙錘是需要抖動手腕的，把雙手放在胸部靠下或是在身體兩側，這樣抖動出來的聲音集中。不能使勁甩，越使勁甩聲音反而會越小。
三角鐵左手提在繩上，不能用手抓握，這樣敲擊出的聲音才會有顫音。
鈴鼓要用左手拿鼓，右手的手指敲擊鼓面，而不是用整個巴掌敲打，這樣出來的聲音柔和、清脆而且好聽。
在組織打擊樂中，樂器位置的安排也很重要。一般來講金屬樂器在一起，木製樂器在一起，散響樂器在一起。由於同一種樂器在一起敲擊的節奏相同，這樣聲音也會集中，便於指揮。打擊樂的隊形是金屬樂器在左邊，木製樂器在右邊，散響樂器在中間，鑼、大鼓、鑔在後邊。
教師組織幼兒進行打擊樂要循序漸進，首先讓幼兒熟悉樂曲，了解樂曲的特點以及節奏型；然後先用手練習拍節奏，再練慣用樂器敲擊節奏；接著教師用鋼琴伴奏讓幼兒敲擊節奏(這樣便於發現問題並及時糾正)；最後聽音樂進行打擊樂伴奏。
還要強調一點就是，要讓幼兒學會看指揮。打擊樂是需要幼兒之間相互合作的，由於每個幼兒持有的樂器不同，不是所有的樂器同時敲擊一種節奏，也不一定都要同時敲擊，為了達到協調、好聽，幼兒要學會看指揮，這也是打擊樂獨有的特點。由於幼兒的年齡特點所限，他們往往注重自我表達而忽略集體的合作，特別是在打擊樂活動中孩子們會為了突出自己而使勁地敲，所以學會看指揮就顯得很重要。
由於打擊樂是一項綜合的科目，幼兒要根據音樂來敲打手中的樂器。要想讓這么多幼兒根據音樂敲擊出協調、悅耳、動聽的樂曲，還有很重要的一點，就是教師要引導幼兒注意根據樂曲的特點，了解什麼時候用哪種樂器敲擊才更合適。這不是一日之功，需要長期感受、嘗試、積累，慢慢達到最佳效果。
打擊樂活動是一個不斷學習的過程，是需要積累的過程，同時是要通過一系列的活動才能完成的過程。這就需要教師心中裝有大目標，不斷調整小目標，做到循序漸進。前一個活動如何為後一個活動做鋪墊，後一個活動如何在前一個活動的基礎上有所發展，都值得教師們認真思考，並能根據實際情況做出相應的調整。只有這樣才能使打擊樂活動真正成為孩子們喜愛的活動，也才能最大程度地發揮出打擊樂的特色，最終使孩子們得到有效的發展。在打擊樂的實際活動中，由於有些教師缺乏經驗，不斷讓幼兒敲擊樂器，每次沒有新的要求和方法，使得打擊樂活動很混亂。如果教師把重點放在圍繞樂曲特點使打擊樂器與樂曲之間建立相應的聯系，這樣敲擊出的效果會更加有樂感，才能最大程度地發揮出打擊樂器的特色，使打擊出的樂曲好聽。
最後，要牢牢把握節奏樂的關鍵經驗。
作為一名幼兒教師應該清楚地了解節奏樂的關鍵經驗、核心目標：
喜歡參加節奏樂活動，體驗集體演奏的快樂：
知道常見的打擊樂器(如串鈴、響板、撞鍾、三角鐵、鈴鼓、沙錘、木魚、雙響筒、鑼、鼓、自製打擊樂器等)的名稱、演奏方法，發現其音色的不同；
演奏的聲音和諧、好聽，有初步的協調配合的能力，能集中注意看指揮，反應敏捷，願意嘗試當指揮；
嘗試根據音樂的性質、節拍、節奏的特點進行配器，創編節奏型，參與制定演奏方案：
培養正確使用樂器、愛護樂器的良好習慣。
音樂領域的教育目標是需要通過這些關鍵經驗落實的。了解這些關鍵經驗並能通過具體的教育活動使幼兒掌握這些關鍵經驗，對促進幼兒的有效學習和發展是很重要的。

G. 學唱歌有什麼技巧

學唱歌有什麼技巧

歌唱時的呼吸作為一種藝術手段，有它自身特有的一套規律和方法，它是一項技術性問題，是後天訓練出來的。如下是我給大家整理的學唱歌有什麼技巧，希望對大家有所作用。

學唱歌的技巧

1、找准唱歌時發聲的部位：最簡單的測試方法就是平時走路的時候可以小聲哼鳴「嗯」，一邊走一邊訓練，這樣省時，而且也不費力，對，沒錯，就是那個音。

2、正確的呼吸方法：這一點非常重要，比較費力，不過也比較簡單，貴在堅持！吸氣—呼氣—再吸氣—張開—張開再張開！然後深呼一口氣，把腔體（是腹腔，不是胸腔）打開，再慢慢的把氣呼出，可以吐「噝」慢慢吐出氣來，要有一定的規律，節奏要一致，而且身體要保持住，不能放鬆，直到把你肺部里所有的氣吐完了為止，最後再放鬆！還要訓練快呼快出的方法，方法和以上相同，只是節奏加快而已。初學者如果每天都這樣訓練，肺活量也會跟著提升很多，這也是為今後的唱功打下的非常重要的`基礎。

3、保持正確的發聲方法：也就是將剛才提到的兩點技巧相結合起來！每天也要訓練張嘴的姿勢，如果不會，可以去啃蘋果，或者你打哈欠的時候，對，沒錯，記住那個動作，然後練習。這一點是嘴上工夫，沒錯，唱歌就是需要嘴上工夫厲害！

歌唱技巧之好習慣四步

第一步：打下扎實的基礎

1.選擇你的歌唱風格

歌唱風格與發聲方式具有很密切的聯系。首先要清楚這種特定風格所需要學習掌握的東西，其次要明白：掌握更多風格的歌唱技巧會令你成為一個更優秀全面的歌手。

2.找到你的音域

這是學聲樂最基本的原則，假若執意唱出不屬於自己音域的部分，很可能傷到自己的嗓子，甚至嚴重到說起話來含糊不清。

3.正式上課

聘請一位聲樂教練或專業聲樂導師，能夠幫助你成為一個優秀的歌手。可以去你當地的琴行尋找或直接找你學校的音樂老師。如果你真想成為一名專業歌手，越早接受聲樂訓練，受益越大：不準確的唱歌方法真會嚴重毀掉你的嗓子！

4.熟悉你的發聲器官

你對歌唱器官各部分組織如何相互配合及其感覺越為了解熟悉，你唱歌時的樂感及協調性也就越好。

第二步：養成良好的唱歌習慣

1.站立要端正！

正確的歌唱姿勢對你的發聲有很大的幫助，身體自然直立，兩腳距離與肩同寬，稍微一前一後。這有助於你呼吸順暢，提高肺活量，音調准確吐字清晰。

2.正確的呼吸方式

把嗓子形容為一個管樂器再合宜不過了，因為呼吸換氣過程占據歌唱的百分之八十，正確的歌唱離不開貫穿始終的正確呼吸。吸氣時下沉，腹部鼓張，呼氣時收緊發力。

3.熱身練習

在你開始唱歌或聲樂訓練時，開嗓是很有必要的。比如可以這樣熱身：先從中頻開始，接著到低頻再到高頻，然後繼續回到中頻。

4.母音發音練習

用不同的音高（高頻與低頻之間）練習你母語里所有母音的發音。

美聲唱法里，歌唱者會延長第一個母音，然後再發出第二個母音直至最後一個輔音。通俗唱法里，歌唱者一般會避過第一個母音，延長第二個母音。

5.音階練習

這個需要勤練，特別是如果你有音準問題。大部分聲樂教練會建議你開始學習時每天花20到30分鍾做這個訓練，因為練習音階能夠增強發聲肌肉群，並讓你控制起來得心應手。

第三步：態度很重要

1.要有信心

不要在乎別人的想法，繼續訓練下去。如果你給外在因素限制住自己，你的歌聲同樣也無法得到進一步的突破提升。

2.別妄想著一步登天

撇開你的起點如何，只要你每天都能夠拿出20分鍾甚至更長時間來苦練音階和樂曲，四周內你將看到自己明顯的進步。

第四步：培養台風與自信

1.充分的備戰

到了要真正上台表演或給別人秀一手時，你要有足夠的自信可以輕松展現出自己美妙的歌喉，因為在之前你已經練習得滾瓜爛熟了。

2.表演全程充滿自信

觀眾一般都會有先入之見。如果他們看起來不太買你的帳，不要因此而氣餒，繼續唱你的歌並保持微笑，你要相信最終可以打動到他們。

3.肢體語言

唱歌時只光盯著自己的腳看，這樣的台風可能不會討好觀眾。抬頭兩眼平視前方，讓歌聲傳到最遠處。優美的姿勢會令你看起來自信大方又自然，給你的表演加上不少印象分。