⑴ 轉怎樣彈好巴赫
復調音樂是多聲部音樂的一種，它是以若干個旋律同時進行而組成相互關聯的一個整體，而各種聲部又彼此形成良好、協調的和聲關系。 復調音樂的彈奏對學生的聽覺、手指及對音樂的理解等各方面要求都很高，所以在學習的過程中學生會感到難以控制和准確表達，導致了很多學生不願去接觸復調音樂的彈奏。但在眾多的鋼琴文獻中，復調音樂佔有重要的地位，它是一個歷史的展現，是每一位接觸鋼琴演奏的人所必須了解和掌握的重要內容。從最基礎的每年一次的鋼琴考級到國際上的重大比賽，復調作品都是每位選手必彈曲目之一，也是每位學習鋼琴演奏者的必修課，可見復調音樂在音樂學習中的重要性。那麼如何讓學生彈好復調音樂、愛彈復調音樂就成為我們在教學過程中研究和探索的重點之一。說到復調音樂就不能不提到被稱為「古典大師」、「歐洲近代音樂之父」的巴赫。在鋼琴學習中，接觸到的復調音樂大多是巴赫的作品。巴赫一生的作品浩如煙海，主要作品有兩百多部「康塔塔」，小提琴、大提琴奏鳴曲，管風琴曲等，在他一生當中還創作了極多的鋼琴復調作品，我們學習中經常用到的有：《巴赫二部、三部創意曲》、《平均律鋼琴曲集》、《英國組曲》、《法國組曲》等，這些作品將復調音樂推向了一個空前的高度。要讓學生學好這些復調作品，喜歡它、理解它，很好的演奏它，教師在教學中的引導至關重要。首先在開始進行彈奏巴赫的復調作品之前，教師應通過講解讓學生初步了解巴赫的簡單生平，通過示範演奏讓學生體會巴赫創作作品時所用的羽管鍵琴在構造上、音色上、奏法上與現代鋼琴的不同，初步了解演奏巴赫作品時的特殊的觸鍵方法，（用非連奏法或是手指斷奏法來模仿擊弦古鋼琴的清脆效果等）。其次要培養學生良好的聽覺。良好的聽覺是演奏好復調的基礎。1、從學生接觸鋼琴，彈奏第一個音開始，老師就要充分動用學生的聽覺，培養學生聆聽自己所彈奏的每一個聲音。2、通過教師的示範，訓練學生盡快的能夠分辨、鑒別聲音的好壞，音質的優劣，從而慢慢將自己的演奏聲音朝著良好的方向發展。我認為以上兩點教師必須在學生一開始學琴時就要建立起來。3、從接觸第一首復調作品開始，就要讓學生明確旋律線條的走向，注意聲部之間的對稱，聲部與聲部的模仿、交錯，答題與對題的銜接，通過教師的示範與講解，學生的反復練習，建立良好的復調聽覺。運用敏銳的聽覺來調整各聲部的音色和力度。再者，合理安排復調學習的進度，良好的教材選擇尤為重要。1、復調的學習是一個循序漸進的過程，對於剛開始接觸復調的學生來說，《巴赫初級鋼琴曲》是一個不錯的選擇。《初級曲》中收錄了大量的二聲部小步舞曲，這些小步舞曲聲部清晰，節奏流暢，旋律活潑，學生很容易通過旋律喜歡上樂曲，並較好的掌握旋律線條的彈奏方法，了解旋律的走向及兩個聲部在音樂發展中的交錯變化。通過《巴赫初級鋼琴曲》的學習，學生可以獲得彈奏復調作品的初級技巧，可以初步體會到巴赫復調作品的內涵，對鋼琴的學習會有一個全新的感受。2、在《巴赫初級鋼琴曲》的學習結束後，我選用了巴赫的《小前奏曲與賦格》這本教材來對《創意曲》的彈奏進行過度。這本書里的前奏曲是位於賦格曲之前的樂曲，體現了主調風格，情感表達比較明確。快速的流動有一些練習曲的感覺, 對於剛剛接觸復調的學生來說，它清晰的旋律和色彩豐富的和聲，更容易被理解和掌握，也可以讓演奏者的演奏技巧得到充分發揮。賦格曲是復調音樂的最高表現形式，多條旋律的交織要求演奏者要有多個聲部的思維，要會聆聽穿行於各個聲部間的主題，這對剛彈奏復調音樂不久的學生來說無疑是有些困難的。《小前奏曲與賦格》中出現了兩聲部和三聲部兩種賦格曲，我在使用時對三聲部的賦格曲進行了有選擇的練習，只選擇了較易掌握的兩到三首作品讓學生彈奏。這本教材的使用便於學生能更好地理解與把握巴赫的音樂風格，為下面《創意曲》的學習打下良好的基礎。3、在完成了以上學習後，我選用了巴赫二部創意曲的練習來提高學生理解和演奏復調作品的水平。創意曲是一種短小而且自由的復調器樂作品形式，多採用二重對位和模仿的寫作方法進行創作，是復調音樂的一種重要形式。巴赫的一生共創作了15首二部創意曲和15首三部創意曲，這些創意曲為以後更好的詮釋巴赫大型作品打下了基礎。這15首二部創意曲在形式上比以往練習的復調曲豐富了許多，主要運用了模仿、卡農、二重對位以及一些近似賦格的寫作技術。它們每一首都有著不同的風格不同的情緒，在技術上也有著不同的要求，這就要求教師在教授時特別注意因人選曲，面對學生出現的不同的問題選擇不同的曲目來練習解決。如：左右手協調不是很好的學生可以重點練習第4首和第14首創意曲，這兩首創意曲都要求兩只手彈奏的樂句連貫的交替，不論是左手還是右手演奏的聲部都同樣重要。4、二部創意曲的學習結束後，我認為不宜馬上接學三部創意曲。因為三部創意曲不論在技巧上還是在樂曲的藝術目的上都要比二部創意曲難很多，學生馬上學習三部創意曲會有很大的困難，這時可選用一些三聲部的賦格曲的練習來進行過度，為三部創意曲的學習作好充分的准備。5、巴赫三部創意曲的學習。 巴赫的三部創意曲主要難在用雙手彈奏三個聲部。這就對學生左右手的協調性，手指的控制能力以及觸鍵的方法都提出了更高的要求。 大部分的三部創意曲在結構上可以分為三部分：第一部分是對主題的一種呈示。教師要在教授這部分時提醒學生盡快熟悉主題、了解主題，要將第一部分准確的彈奏出來。第二部分是將主題放在不同的調式上展開和發展。這部分要求學生在充分掌握主題演奏的前提下進行，在學習過程中要了解主題的走向，在不同調式上的變化，運用聽覺掌握旋律。第三部分將主題移回到開始的調式上做縮小、變化的再現。在三部創意曲的學習過程中，我為學生加入了一些《法國組曲》內容的練習。《法國組曲》共六組，每組是由四首速度和節奏不同的舞曲，按照一個固定的順序組成的，這四首舞曲分別是阿勒曼德、庫郎特、薩拉班德和基格，其中前三首的順序是不變的，有時會在薩拉班德和基格的中間加入小步舞曲等其他的舞曲。6、在結束了創意曲的學習之後，學生的復調演奏能力及對復調作品的理解與把握應有了一個質的飛躍，這時可以進入一個新的、更高的學習階段——《平均律鋼琴曲集》的彈奏。《平均律鋼琴曲集》共有兩集，每集24首，是根據十二個半音的規律，由C大調開始，依次以半音進行，每個音用大、小調各寫一首前奏曲與賦格曲。巴赫的《平均律鋼琴曲集》歷來被視為巴赫所有作品裡的巔峰之作,被世人稱作是復調音樂中的網路全書。舒曼曾說「將《平均律鋼琴曲集》作為每日必備作業，你必能成為一位出色的音樂家。」在《平均律鋼琴曲集》中前奏曲的篇幅雖然都不大，但巴赫賦予了它們獨特的音樂魅力，對演奏者手指的要求使得它不光是好的前奏曲還是24首完美的練習曲，對於左右手的協調性，手指的控制能力起到了很好的訓練效果。24首賦格曲從二聲部到五聲部應有盡有，是學生掌握、提高賦格曲的學習所不可替代的教材。《平均律鋼琴曲集》所帶給大家的精美的旋律主題，精湛的復調音樂技法，對學生真正走近巴赫，逐步掌握復調音樂的各種演奏方法、演奏技巧，理解巴赫時代的音樂風格都起到了不可磨滅的作用。當然，巴赫的《平均律鋼琴曲集》以及他的其他鋼琴復調作品都是如此的博大精深，要真正掌握它們的主要風格特徵，弄懂並可以准確的演奏出來還需要教師和學生花大量的時間與心血去研究、去練習，通過師生共同的努力把最完美的復調音樂展示給大家。
⑵ 巴赫六首無伴奏大提琴組曲點評
如果說巴赫被歷代的音樂家奉為大師中的大師，那麼他為大提琴獨奏寫的六組無伴奏大提琴組曲(作品編號BWV.1007-1012)稱得上是經典中的經典。它是無伴奏樂曲中最早聞名於世的典範，在音樂結構、藝術魅力和思想深度上堪稱舉世無雙，自1901年被西班牙大提琴演奏大師帕布羅•卡薩爾斯慧眼發掘並介紹給世界以來，它們便成為無限意義的延伸，更被譽為演奏家技巧與修養的試金石，幾乎每一位大提琴家，在其藝術造詣達到一定境界時，都會努力將巴赫的無伴奏大提琴組曲作為自己的保留曲目，在音樂會上演出並灌錄唱片。
大提琴組曲——「來自這個音樂天才的無限喜悅」
這六個組曲的聲調色彩：G大調是明亮的色彩；D小調是悲傷而強烈的；C大調是燦爛的；降E大調是庄嚴、帶著不透明濃度的；C小調是一種暗而強烈的顏色；D大調是輝煌的調性，如一束陽光般眩目耀眼。這些交互作用——貫穿全套組曲發展的方式，給了我對這音樂工作時的獨特洞察力。這些組曲提供了很棒的技術挑戰，尤其是原來為五弦大提琴而作的第六組曲。有人或許會稱第一組曲是青春的。它的長度最短，而且是大調，其後每一組曲在結構的復雜程度上是遞增的，連前奏曲也不例外，直到第六組曲——我認為它是獨奏大提琴的「交響曲」 ——到達了終極的顛峰。依我所見，那些前奏曲便是每個組曲最本質的樂章，它們非常多樣且包含了巴赫音樂最深奧的理念。
六部組曲的每一部均由六個樂章組成，這些樂章多為古風盎然的舞曲。
第一組曲為G大調，作品編號BWV.1007,包括：1.前奏曲，2.阿勒曼德舞曲，3.庫朗舞曲，4.薩拉班德舞曲,5.小步舞曲,6.吉格舞曲。
第一號組曲——「明亮」
如同人天生而單純的呼吸的結構，樂句產生出的能量（吸氣）直到它企及某一點時而開始放鬆（呼氣）——一種產生與消退的過程。巴赫概念中的美麗與輝煌就在於實際上這些前奏曲都不利用旋律的這個事實，在那裡只有組織，結構與韻律——形式與色彩的鮮明。巴赫不需要旋律，他的作品是以美的概念寫成的：干凈的組織與音調的色彩。我不喜歡他們很悲劇地企圖去強調一個不存在的旋律，這是個很傻的想法。如果他需要旋律，巴赫自己就可以寫出更加無比美麗的旋律。
當然一個人可以無休無止地去分析巴赫的音樂，你可以分析每個音符、每個樂句、和弦、旋律與對位法——所有音樂提供出的、還有存在於真實聲音中的事物。無論如何，我只是希望專注於一些小細節，藉此解釋巴赫理念的深度，同時指出這些音樂渾然天成的單純。
第二組曲為D小調，作品編號BWV.1008，包括：1.前奏曲，2.阿勒曼德舞曲,3.庫朗舞曲,4.薩拉班德舞曲,5.小步舞曲,6.吉格舞曲。
第二號組曲——「悲傷而強烈」
這個組曲直接在價值上以其深奧與小調性的悲傷而強烈的感觸與第一號組曲形成對比。巴赫在這個前奏曲中開場三個音符的使用，總是讓我充滿敬畏與贊嘆。只是三個音符便構成D小調的完整色調，同時完成了一個五度音程。
當我演奏第二號組曲時，我感覺像個歌唱者，旋律界域擴張或收縮 直到最後整個旋律歇息在單一音符的方式，這種在不同音域的空間性方位空置旋律線的能力，便是巴赫音樂最璀璨而創造性的特徵。
這個組曲有一個很棒的薩拉班德舞曲，可能是所有組曲中最最哀傷的，它有著一種特殊的直線與率直，一個音樂的隱痛、像一個入神禱告的人，你不是在為聽眾演奏這音樂，你是為你自己演奏，聽眾僅僅只是竊聽者，聽到的是來自孤寂、來自一個藝術家全然沉浸於音樂時的白熱化張力的一瞥。我經常對所有感覺悲傷的人演奏這首薩拉班德。
第三組曲為C大調，作品編號為BWV.1009，包括：1.前奏曲,2.阿勒曼德舞曲,3.庫朗舞曲,4.薩拉班德舞曲,5.柏雷舞曲,6.吉格舞曲。
第三號組曲——「輝煌」
C大調，一個輝煌的調子，它作為基礎的音調，所有樂章都從C大調開始與結束。
像一個鱗翅類學者將一活蝴蝶釘在他的板上，蝴蝶繞著針在痛苦中旋轉著，無法讓自己獲得自由。這就是巴赫運用持續音對我的影響，我也似乎在折磨中旋轉於針上，只有當回到主音我才體驗到解脫。這就是一直令我贊嘆的巴赫天才最精細的截面之一。它以強大的內在力量與一種到達音樂核心還有盡我所能去演奏的渴求來填滿我。
第四組曲為降E大調，作品編號為BWV.1010，包括：1.前奏曲,2.阿勒曼德舞曲,3.庫朗舞曲,4.薩拉班德舞曲,5.柏雷舞曲,6.吉格舞曲。
第四號組曲——「庄嚴而不透明」
巴赫大提琴組曲的前三個前奏曲都是以十六分音符的單一節拍寫成，但是在以降E大調，一個庄嚴而不透明的調性寫成的第四號組曲中，卻是以八分音符進行的，比其它前奏曲慢上一倍的節拍進行。然而無論和聲自始至終再怎樣美麗，再怎麼發展怎麼轉調，巴赫明白它有變得多少單調起來的危險。
薩拉班德舞曲是我的最愛之一，它有著自己的伴奏旋律。還有吉格舞曲，猛烈、高難度，帶著它烈火般的暴躁氣質與堅定、不屈不撓的節奏。
第五組曲為降C小調，作品編號為BWV.1011，包括：1.前奏曲,2.阿勒曼德舞曲,3.庫朗舞曲,4.薩拉班德舞曲,5.嘉禾舞曲,6.吉格舞曲。
第五號組曲——「黑暗」
我已經拉了第五號組曲中的薩拉班德舞曲一輩子，它始終讓我贊嘆與感到愉悅。這個單音的譜曲僅僅只有幾行，但對我而言它卻代表了巴赫天才的精髓。它的暗黑的旋律設計如此不尋常地與現代音樂相似。單單第一個樂句體現的想法便如此不可思議，僅僅這里就抵得過許多作曲家成冊的作品。這個薩拉班德舞曲的旋律在與你的呼吸同樣的速度、同樣的節奏、同樣的氣息與同樣的脈動以一路蜿蜒前進。無論我演奏得多慢，我總是感受這個樂章永恆的流動，永恆……對我而言，不管這節奏，這流動步調綿延得多長，一年、兩年、十年或一百年，這個速度絕對不可以緩慢下來或增快進行，它應該擁有自己內在的脈動與力量，因此不允許速度的增加與流失，如同平行線永不交叉。這個規律鼓動節奏、生命與永恆的觸動也是這樣在相同的脈動中永遠持續。當你結束這首薩拉班德，時間似乎以同樣的步調繼續著，你的呼吸在同樣的節奏中繼續著。這些旋繞翻轉的旋律線多美呀。
第六組曲為降D大調，作品編號為BWV.1012，包括：1.前奏曲,2.阿勒曼德舞曲,3.庫朗舞曲,4.薩拉班德舞曲,5.嘉禾舞曲,6.吉格舞曲。
第六號組曲——「陽光」
第六號組曲以D大調寫成，是陽光與凱旋的調性。對我而言這是所有調性中最喜悅的，就像觸及環宇每個角落的貝多芬《合唱交響曲》的終樂章。巴赫的第六號組曲以勝利、喜悅、人類的統一、友誼與愛的調性寫成，這個最後的組曲揚威於全系列之上。它代表大規模的歡樂的統合。第六組曲對我而言就像是大提琴獨奏的交響曲，在調性與色彩上，它迥異於其它組曲，但在許多其它的方面，它同時也迥異於所有他所寫過的作品。
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⑶ 轉貼：如何彈好巴赫作品
一、 速度：它是決定風格最重要的因素之一。在彈奏巴赫作品（平均律）中速度應當和當時的樂器（如：擊弦古鋼琴等等）相吻合，與當時的時代相吻合。十八世紀屬於節奏較緩慢的時代， 如果在鋼琴上把這套曲目彈的很快，顯然是不和適的。所以平均律的彈奏應當是相對較緩慢的。 二、節奏：巴赫作品以節奏嚴謹平穩而著稱。由於作品屬於巴洛克時期音樂范疇，所以不能允許有類似浪漫派演奏手法常用的自由地、時慢時快地節奏。 巴赫作品從開始到結束，都應處在一個基本節奏之中。 三、觸鍵：鋼琴的觸鍵方法有許多不同，但在彈奏平均律時，觸鍵應和巴赫作品的風格相一致。 一般來說，在快速樂曲中，用非連奏法或手指斷奏來模仿擊弦古鋼琴上清脆效果比較合適。 而在緩慢的抒情歌唱性樂曲中，則要把力量由肩部傳送到指尖，手腕平穩，音與音的連接要均勻，貼鍵出聲，保持音色的圓潤飽滿， 這樣才能獲得古樸典雅的音響效果。 四、線條：這是巴赫作品中又一極為重要的特點。在彈奏巴赫的復調作品前，應該對線條有一個初步的設計，使其自然而流動。當然巴洛克時期的音樂線條起伏不能象浪漫主義音樂中的線條起伏那麼大，但是一定是存在的。正確的使用漸快與漸慢往往會給人一種舒服的感覺，但濫用則會令人厭煩。試想，如果每一首前奏曲和賦格結束時都去做漸慢，那也太呆板了。 我認為一首歌唱性的、寬廣流暢的賦格曲比一首歡樂性的輕巧賦格曲更適合於在結尾處做漸慢。 五、力度變化：總的來說， 巴赫作品的力度變化幅度較小，基本趨與平穩。 六、聲部：平均律屬於復調作品，即多聲部音樂作品。我們要通過這些曲目的訓練使手指控制聲部和耳朵辨別聲部的能力得到大的提高。 在練習中，要強調保持聲部層次的清晰，主題聲部要尤為突出， 而其他各聲部要讓位於主題聲部，手指要做適當的控制。 但是，在控制中，每一個聲部又應當是清楚、完整的。要做到這一點，就必須將每一層旋律部抽出來單獨練習，使頭腦對各聲部都保持條理清楚，再用清醒的頭腦去指揮手指的彈奏動作。 七、踏板：它在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事實上卻是極為重要和極難把握的，由於踏板沒用好而導致彈奏失敗的例子隨時可見。巴赫的作品中，踏板用多了會使聲音含糊不清，用少了又會使聲音干澀無味，這兩個極端都有損與巴赫的風格。我認為踏板的運用應當根據樂曲來決定，比如在彈奏中遇到手難以連接或慢樂曲中需要延長的地方等，是可以使用踏板的，但是要用耳朵仔細的傾聽，然後小心的進行。 八、裝飾音：這是修飾音樂的裝飾品。巴赫的裝飾音種類繁多，有迴音、逆迴音、顫音、下波音、上波音等等，他們各有自己特殊的彈法。另一方面，因為適合於擊弦古鋼琴輕巧、柔和音色的裝飾音，並不一定適合現代鋼琴上較厚實的聲音，所以， 巴赫的裝飾音不要彈的太急、太強、太斷和太華麗。 以上是彈奏巴赫作品時所要注意的幾個基本要素。 當然，巴赫的《十二平均律曲集》以及他的其它鋼琴復調作品都是如此的博大精深，要真正的弄懂並准確把握這些巨作，是要花大量心血與時間去做認真研究的。但是掌握其主要的風格特徵，了解當時的時代背景是學習巴赫作品的最根本要求，也是彈奏好巴赫作品的前提與第一步
⑷ 巴赫二部創意曲第6首怎麼講
巴赫二部創意曲第六首是：E大調。英文是：No. 6 in E major, BWV777。
⑸ 我想了解演奏巴赫作品時所要知道的相關知識
巴赫作品是每一個學鋼琴的人必須要學習的，也是對於我們東方人最難的一位作曲家。
想了解巴赫的作品應該如何詮釋，那麼就必須先了解巴赫作品的特點，其實詮釋巴赫作品最大的障礙在樂譜上，原版的巴赫譜子上面什麼都沒有，沒有速度和力度記號，更不用說指法了，而且編訂巴赫作品的人數眾多，所以巴赫的作品版本很成問題，在德國大家多數用的都是原版本，但是一般都會找一本編訂本的作參考，大家通常選擇的是布佐尼版的，因為他對作品的分析是十分透徹的，而且距離我們現在比較近，而且在分句指法上都有很卓越的見解，但是也不能全信這個版本的，有些時候這個版本的分句也有點讓人抓不住頭腦，所以大家還是需要經驗來詮釋作品。
巴赫作品用於教學的大多隻有3類，一類是組曲，一類是平均律，再就是二，三部創意曲，但是二，三部創意曲都是賦格，我把它並入平均律來說。
這三類里，組曲最復雜，因為它都是由歐洲的古舞曲組成的，對於中國人來說都是不可想像的，因為我們沒見過。首先說Allemand（阿拉曼德，註：拉丁文的意思是日爾曼），通常在組曲的第一或第二樂章，這是一個德國舞曲，是比較慢的，通常是走著跳的，沒有什麼跳躍，大多是4/4拍的，弱起，有著一種傾訴的特性，也就是說音樂的性格是娓娓道來，演奏要保證流暢。接下來是Courante（庫朗特），是法國舞曲，也有義大利的，這是一個比較快的舞曲，也就是說，在舞蹈過程中跳躍比較多，所以它是整個組曲中差不多第二快的，是三拍子的。再下去是Sarabande（薩拉班德），是西班牙，是整個組曲中最慢的一樂章，強調的是第二拍和第三拍連在一起，在Sarabande之後有的是Gavotte（加沃特）也有的是小步舞曲，也有的是其他的形式，Gavotte通常是2/2拍的，不是很快，節奏弱起，很有動感，卻又不是十分歡快；而小步舞曲則很有意思，第一拍是最強拍，第二拍是最弱拍，而第三拍通常是到下一小節第一拍的弱起，又一個漸強的傾向性，當然這只是大多數情況，不是絕對的。而在幾種舞曲之後通常就是Gigue，這是最快的一首舞曲，節奏也比較怪，通常都是3拍子的感覺，也又2拍子感覺的，但是這種情況也是6/8拍的，所以不是嚴格意義上的2拍子。有時候在小步舞曲和Gigue（吉格）之間還有Bourree（布列）等舞曲，我只彈過Bourree，也是很快的舞曲，如果我沒記錯是英國的舞曲（忘了，真是豬頭），是2拍子的感覺。在英國組曲的開頭有個前奏曲，這個前奏曲就不是很好處理了，因為它沒有那種舞曲的特性。
其次是平均律，48首前奏曲和賦格，也是巴赫最讓人頭痛的作品，舞曲大多是單旋律作品，只是用復調技法寫出來的，所以右手大多數情況下是旋律，也有卡農的片斷，而賦格就比較麻煩了，有的作品不僅有主題，還有很多的對題，甚至有的賦格有3個主題。平均律中的賦格從2聲部到5聲部的都有，但是兩首5聲部的都在第一冊。聲部越多越難，但也不是絕對的，有的三聲部的比有些四聲部的還難，所以不要完全依靠聲部數量來判斷。從兩冊平均律中比較特殊的是第一冊的第四首升c小調的那首，因為這首賦格是五聲部的，而且有三個對題，可以說是整個平均律中最難的一首賦格，因為對題的性格要做到與主題有區別，3個對題對於演奏者的要求是極高的 ，要做到把三種表情融為一體，確實是十分困難的；另外一首是第二冊第14首升f小調那首，那首賦格有三個主題，每個性格都不一樣，最後還要同時演奏3個主題，所以真是很讓人頭痛，我以自己的經驗勸告大家不要彈這兩首。而前奏曲沒有什麼好說的，每首都不一樣。
但是演奏上還是有規律可循的，巴赫的作品大多是旋律比較連貫的，所以必須要抓住旋律的動力，這個動力就來源與節奏，在演奏過程中要抓住每一句最後的幾個音作為弱起，做漸強來增加旋律的動力和節奏的動力，要找到旋律的骨幹音。第二就是要抓住斷連的處理，這個在巴赫作品中是極端重要的，因為這是必須要注意的，要保持整個作品的一致，這點是沒有商量的。比如說旋律部分大多都是要用連奏的，但是有些十六分音符是連奏的，而八分音符是斷奏的，這些東西一開始都是由演奏者決定的，比如說有些左手伴奏音型是八分音符，如果你把這些八分音符彈為斷奏，那麼可以說所有左手的八分音符都必須彈斷奏，這是不能商量的，只要開始彈成了斷奏，那就不能改變了，右手是一樣，特別是主題，只要定了，就不能改了。至於如何處理賦格的主題，我覺得還是靠經驗，找幾本編訂本的巴赫來彈一下，慢慢也就有那個感覺了。而斷連處理也是一樣，必須得有那個感覺。至於聽什麼錄音，我推薦Edwin Fischer和里赫特的，他們彈得還是可以學的，也是很傳統的，我個人不推薦古爾德的，他的詮釋太富有個性了，只能聽不能學。
裝飾音是很讓人頭痛的問題，學了這么多年了，就對裝飾音覺得撓頭。巴赫作品的裝飾音大多是他自己加的，也有他的學生憑記憶，回憶起當年巴赫怎麼彈得而補充進去的，有些時候裝飾音能給一部作品改頭換面，在英國組曲里有兩首薩拉班德有兩份譜，一份是沒有裝飾音的，另一份是加了裝飾音的，聽起來像兩首作品，像這樣的情況下，通常反復的時候彈有裝飾音的，第一遍彈沒有裝飾音的。至於波音和顫音其實大家都懂，但是有一點必須要強調，不管是顫音還是上波音，都必須從上面那個音開始。這是很重要的。
⑹ 怎樣演奏巴赫
一：速度。它是決定風格最重要的因素之一。在彈奏平 均律中速度應當和當時樂器（古鋼琴等）相吻合，與當時的時期（巴洛克時期）想吻合。十八世紀屬於節奏較緩慢的時代，如果我們在鋼琴上把這套曲目彈的很快，顯然是不合適的。所以平均律的彈奏應當是相對較緩慢的。 二：節奏。巴赫作品以節奏嚴謹平穩而著稱。由於作品屬於 巴洛克時期音樂范疇，所以不能允許有類似浪漫派演奏手法常用的自由地、時慢時快的節奏。巴赫作品從開始到結束，都應處於一個基本節奏之中。但嚴格的說，在巴赫的作品中有嚴格節拍與自由節拍的兩種不同形態。嚴格的節拍需要自始自終的統一律動。不能忽快忽慢。另一種則是自由而即興性的部分，這部分音樂因突出其炫技的性質，因此需要適當的自由速度。 三、線條。這是巴赫作品中又一極為重要的特點。在彈奏 巴赫的復調作品前，我們應該對線條在腦中有一個初步的設計，使其自然而流動。當然巴洛克時期的音樂線條起伏不能像浪漫主義音樂中的線條起伏那麼大，但它一定是存在的。正確的使用漸快與漸慢往往會給人一種舒服的感覺，但濫用則會另人厭煩。試想，如果每一首前奏曲和賦格在結束時我們都去做漸慢，也太呆板了，我認為，一首歌唱性的。寬廣流暢的賦格曲比一首歡快的輕巧的賦格曲更適於在結尾處做漸慢。 四、聲部。平均律屬於復調作品，也就是多聲部的音樂作品。 我們要通過這些曲目的訓練使手指控制聲部和耳朵辨別聲部的能力得到大的提高。在學習中，要強調保持聲部層次的清晰，主題聲部要尤為突出，而其他各聲部要讓位於主題聲部，手指要做適當的控制。但是，在控制中，每一個聲部又應當是清晰、完整的。要做到這一點，就必須將每一層旋律部分抽出來單獨練習，使頭腦對各聲部都保持條理清楚，再用清醒的頭腦去指揮手指的彈奏動作。 五、觸鍵。鋼琴的觸鍵方法有許多不同，但在彈奏平均律時， 觸鍵應和巴赫作品的風格相一致。一般來說，在快速樂曲中，用非連奏法或手指斷奏來模仿古鋼琴上的清脆效果比較合適。而在緩慢的抒情歌唱性樂曲中，則要把力量由肩部傳送到指尖，手腕平穩，音與音的連貫要均勻，貼鍵出聲，保持音色的圓潤飽滿，這樣才能獲得古樸典雅的音響效果。 六、力度變化。總的來說，巴赫作品的力度變化幅度較小， 基本趨於平穩。但是這並不排除某些段落里的強弱力度的變化。另外，巴赫作品的力度應在按照樂曲的內容、結構來改變的同時，也要把力度總體放輕。著名德國鋼琴家吉澤金說：「所有的巴赫作品的力度記號都要按比例降低一級，絕不要超過中強，因為當時的樂器與現在是大不相同的……巴赫的音樂要非常精緻，要注意細致的差別……力度要有層次。」無論如何，強弱分明的格式決不能用到所有的前奏曲與賦格曲上去。 七、裝飾音。巴赫的裝飾音種類繁多，有迴音、逆迴音、顫 音、下波音、上波音等等，他們各有自己特殊的彈法，也可以根據自己的個人判斷，有一定程度的自由。每種裝飾音往往可以用好幾種方法來彈，而且都是正確的，可以被接受的。巴洛克時期演奏家們在彈奏所標出的裝飾音時必須有一定的自由來發揮想像。今天我們演奏巴洛克時期的音樂時，也可以根據前人總結出的規則在一定范圍有所變化，這取決於我們對特定時期的演奏風格和裝飾音運用方面的知識，以及好的音樂審美能力。另一方面，因為適合於古鋼琴輕巧、柔和音色的裝飾音，並不一定適合現代鋼琴上較厚實的聲音，所以，巴赫的裝飾音切不可彈的太急、太強、太斷和太華麗。 八、踏板。一般來說，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不 少人都認為踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事實上極為重要而且極難把握的，由於踏板沒用好而導致演奏失敗的例子隨處可見。在巴赫的作品中，踏板用的多了，會使聲音含糊不清，用少了又會使聲音干澀無味，這兩個極端都有損於巴赫的風格。我認識踏板的運用應當根據樂曲的不同來決定。著名前蘇聯鋼琴家捏高茲就認為：「彈奏巴赫音樂時應該運用踏板，但要用得恰當、小心、極其節約，當然有很多地方是不適宜用踏板的。彼?裕??薟煌?那榭觶?頤竊詰?嘀杏齙絞幟岩粵?踴蚵?智?行枰?映さ牡胤降齲?強梢允褂錳ぐ宓模??頤且?枚?渥邢傅那閭??緩笮⌒牡慕?.
⑺ 如何演奏好巴赫
一：速度。它是決定風格最重要的因素之一。在彈奏平
均律中速度應當和當時樂器（古鋼琴等）相吻合，與當時的時期（巴洛克時期）想吻合。十八世紀屬於節奏較緩慢的時代，如果我們在鋼琴上把這套曲目彈的很快，顯然是不合適的。所以平均律的彈奏應當是相對較緩慢的。
二：節奏。巴赫作品以節奏嚴謹平穩而著稱。由於作品屬於
巴洛克時期音樂范疇，所以不能允許有類似浪漫派演奏手法常用的自由地、時慢時快的節奏。巴赫作品從開始到結束，都應處於一個基本節奏之中。但嚴格的說，在巴赫的作品中有嚴格節拍與自由節拍的兩種不同形態。嚴格的節拍需要自始自終的統一律動。不能忽快忽慢。另一種則是自由而即興性的部分，這部分音樂因突出其炫技的性質，因此需要適當的自由速度。
三、線條。這是巴赫作品中又一極為重要的特點。在彈奏
巴赫的復調作品前，我們應該對線條在腦中有一個初步的設計，使其自然而流動。當然巴洛克時期的音樂線條起伏不能像浪漫主義音樂中的線條起伏那麼大，但它一定是存在的。正確的使用漸快與漸慢往往會給人一種舒服的感覺，但濫用則會另人厭煩。試想，如果每一首前奏曲和賦格在結束時我們都去做漸慢，也太呆板了，我認為，一首歌唱性的。寬廣流暢的賦格曲比一首歡快的輕巧的賦格曲更適於在結尾處做漸慢。
四、聲部。平均律屬於復調作品，也就是多聲部的音樂作品。
我們要通過這些曲目的訓練使手指控制聲部和耳朵辨別聲部的能力得到大的提高。在學習中，要強調保持聲部層次的清晰，主題聲部要尤為突出，而其他各聲部要讓位於主題聲部，手指要做適當的控制。但是，在控制中，每一個聲部又應當是清晰、完整的。要做到這一點，就必須將每一層旋律部分抽出來單獨練習，使頭腦對各聲部都保持條理清楚，再用清醒的頭腦去指揮手指的彈奏動作。
五、觸鍵。鋼琴的觸鍵方法有許多不同，但在彈奏平均律時，
觸鍵應和巴赫作品的風格相一致。一般來說，在快速樂曲中，用非連奏法或手指斷奏來模仿古鋼琴上的清脆效果比較合適。而在緩慢的抒情歌唱性樂曲中，則要把力量由肩部傳送到指尖，手腕平穩，音與音的連貫要均勻，貼鍵出聲，保持音色的圓潤飽滿，這樣才能獲得古樸典雅的音響效果。
六、力度變化。總的來說，巴赫作品的力度變化幅度較小，
基本趨於平穩。但是這並不排除某些段落里的強弱力度的變化。另外，巴赫作品的力度應在按照樂曲的內容、結構來改變的同時，也要把力度總體放輕。著名德國鋼琴家吉澤金說：「所有的巴赫作品的力度記號都要按比例降低一級，絕不要超過中強，因為當時的樂器與現在是大不相同的……巴赫的音樂要非常精緻，要注意細致的差別……力度要有層次。」無論如何，強弱分明的格式決不能用到所有的前奏曲與賦格曲上去。
七、裝飾音。巴赫的裝飾音種類繁多，有迴音、逆迴音、顫
音、下波音、上波音等等，他們各有自己特殊的彈法，也可以根據自己的個人判斷，有一定程度的自由。每種裝飾音往往可以用好幾種方法來彈，而且都是正確的，可以被接受的。巴洛克時期演奏家們在彈奏所標出的裝飾音時必須有一定的自由來發揮想像。今天我們演奏巴洛克時期的音樂時，也可以根據前人總結出的規則在一定范圍有所變化，這取決於我們對特定時期的演奏風格和裝飾音運用方面的知識，以及好的音樂審美能力。另一方面，因為適合於古鋼琴輕巧、柔和音色的裝飾音，並不一定適合現代鋼琴上較厚實的聲音，所以，巴赫的裝飾音切不可彈的太急、太強、太斷和太華麗。
八、踏板。一般來說，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不
少人都認為踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事實上極為重要而且極難把握的，由於踏板沒用好而導致演奏失敗的例子隨處可見。在巴赫的作品中，踏板用的多了，會使聲音含糊不清，用少了又會使聲音干澀無味，這兩個極端都有損於巴赫的風格。我認識踏板的運用應當根據樂曲的不同來決定。著名前蘇聯鋼琴家捏高茲就認為：「彈奏巴赫音樂時應該運用踏板，但要用得恰當、小心、極其節約，當然有很多地方是不適宜用踏板的。
⑻ 巴赫的演奏技巧
很高興為你解答，~
巴赫作品另很多人望而生畏，其實只要掌握了他的特點，你會
越彈越過癮的，
八大特點一:速度。它是決定風格最重要的因素之一。在彈奏平
均律中速度應當和當時樂器（古鋼琴等）相吻合，與當時的時期（
巴洛克時期）想吻合。十八世紀屬於節奏較緩慢的時代，如果我們
在鋼琴上把這套曲目彈的很快，顯然是不合適的。所以平均律的彈
奏應當是相對較緩慢的。
二:節奏。巴赫作品以節奏嚴謹平穩而著稱。由於作品屬於
巴洛克時期音樂范疇，所以不能允許有類似浪漫派演奏手法常用的
自由地、時慢時快的節奏。巴赫作品從開始到結束，都應處於一個
基本節奏之中。但嚴格的說，在巴赫的作品中有嚴格節拍與自由節
拍的兩種不同形態。嚴格的節拍需要自始自終的統一律動。不能忽
快忽慢。另一種則是自由而即興性的部分，這部分音樂因突出其炫
技的性質，因此需要適當的自由速度。
三、線條。這是巴赫作品中又一極為重要的特點。在彈奏
巴赫的復調作品前，我們應該對線條在腦中有一個初步的設計，使
其自然而流動。當然巴洛克時期的音樂線條起伏不能像浪漫主義音
樂中的線條起伏那麼大，但它一定是存在的。正確的使用漸快與漸
慢往往會給人一種舒服的感覺，但濫用則會另人厭煩。試想，如果
每一首前奏曲和賦格在結束時我們都去做漸慢，也太呆板了，我認
為，一首歌唱性的。寬廣流暢的賦格曲比一首歡快的輕巧的賦格曲
更適於在結尾處做漸慢。
四、聲部。平均律屬於復調作品，也就是多聲部的音樂作品。
我們要通過這些曲目的訓練使手指控制聲部和耳朵辨別聲部的能力
得到大的提高。在學習中，要強調保持聲部層次的清晰，主題聲部
要尤為突出，而其他各聲部要讓位於主題聲部，手指要做適當的控
制。但是，在控制中，每一個聲部又應當是清晰、完整的。要做到
這一點，就必須將每一層旋律部分抽出來單獨練習，使頭腦對各聲
部都保持條理清楚，再用清醒的頭腦去指揮手指的彈奏動作。
五、觸鍵。鋼琴的觸鍵方法有許多不同，但在彈奏平均律時，
觸鍵應和巴赫作品的風格相一致。一般來說，在快速樂曲中，用非
連奏法或手指斷奏來模仿古鋼琴上的清脆效果比較合適。而在緩慢
的抒情歌唱性樂曲中，則要把力量由肩部傳送到指尖，手腕平穩，
音與音的連貫要均勻，貼鍵出聲，保持音色的圓潤飽滿，這樣才能
獲得古樸典雅的音響效果。PoPiano鋼琴博客-tt*s#]N
六、力度變化。總的來說，巴赫作品的力度變化幅度較小，
基本趨於平穩。但是這並不排除某些段落里的強弱力度的變化。另
外，巴赫作品的力度應在按照樂曲的內容、結構來改變的同時，也
要把力度總體放輕。著名德國鋼琴家吉澤金說:「所有的巴赫作品
的力度記號都要按比例降低一級，絕不要超過中強，因為當時的樂
器與現在是大不相同的 巴赫的音樂要非常精緻，要注意細致的
差別 力度要有層次。」無論如何，強弱分明的格式決不能用到
所有的前奏曲與賦格曲上去。
七、裝飾音。巴赫的裝飾音種類繁多，有迴音、逆迴音、顫
音、下波音、上波音等等，他們各有自己特殊的彈法，也可以根據
自己的個人判斷，有一定程度的自由。每種裝飾音往往可以用好幾
種方法來彈，而且都是正確的，可以被接受的。巴洛克時期演奏家
們在彈奏所標出的裝飾音時必須有一定的自由來發揮想像。今天我
們演奏巴洛克時期的音樂時，也可以根據前人總結出的規則在一定
范圍有所變化，這取決於我們對特定時期的演奏風格和裝飾音運用
方面的知識，以及好的音樂審美能力。另一方面，因為適合於古鋼
琴輕巧、柔和音色的裝飾音，並不一定適合現代鋼琴上較厚實的聲
音，所以，巴赫的裝飾音切不可彈的太急、太強、太斷和太華麗。
八、踏板。一般來說，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不
少人都認為踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事實上極為重
要而且極難把握的，由於踏板沒用好而導致演奏失敗的例子隨處可
見。在巴赫的作品中，踏板用的多了，會使聲音含糊不清，用少了
又會使聲音干澀無味，這兩個極端都有損於巴赫的風格。我認識踏
板的運用應當根據樂曲的不同來決定。著名前蘇聯鋼琴家捏高茲就
認為:「彈奏巴赫音樂時應該運用踏板，但要用得恰當、小心、極
其節約，當然有很多地方是不適宜用踏板的。但是，如果再我們現
在鋼琴上彈奏巴赫的作品而完全不用踏板，那麼比起羽管鍵琴來，
鋼琴在聲音方面多麼貧乏啊，」所以，根據不同的情況，我們在彈
奏中遇到手難以連接或慢樂曲中需要延長的地方等，是可以使用踏
板的，但我們要用耳朵仔細的傾聽，然後小心的進行。
⑼ 巴赫平均律鋼琴曲集各首曲目的難度及彈奏技巧
約翰`塞巴斯蒂安`巴赫（1685—1750）是人類音樂史上最偉大的音樂家之一。提到他，人們自然會把他同人類文明相聯系起來。因為他的音樂藝術是世界文化最重要的組成部分之一。蘇聯的音樂學家阿薩菲耶夫說：「巴赫是這樣的偉大，他使人感到他不是一個人，而是一個強大的創作實驗室，其中鍛煉著當時所有音樂上的創作技能、風格、傾向和嘗試。」由於他卓有成效地繼承和概括了十七世紀以前歐洲各國的，包括音樂體裁形式，具體寫作技巧和各國音樂風格等音樂現象，因而創造了永恆的音樂藝術。正因為如此他才被後人稱為「古典大師」、「歐洲音樂之父」，這是當之無愧的。
巴赫有極多的鋼琴復調作品，對於他的復調作品，有評論家是這樣評論的：「沒有研究過巴赫，就不能理解歐洲音樂；沒有深入的研究過巴赫的復調作品，一個嚴謹的作曲家、鋼琴家就不可能精通他的專業。」「誰要是不研究巴赫，那麼對他的音樂中蘊藏著的那種是以表達我們最深思想和情感的巨大可能性，是不可能理解透徹的。」而對於巴赫鋼琴復調作品的頂峰之作——《十二平均率鋼琴曲集》則被認為是一部充分體現巴赫的音樂風格、音樂形象的大網路全書，是鋼琴演奏者的必修課本。在這部作品中，他的復調技巧和藝術技巧都達到了最高峰，直到今天，他也有理由成為最高典範，這部作品從藝術創造上證實了平均率理論的優越性。他的賦格曲標志著調性功能思維的高度發展，整體曲集標志著大小調體系的完全成熟。從這個意義上來說，他所起的進步作用是不僅僅局限於鋼琴音樂發展的范疇之內的。
鋼琴演奏技術的提高有賴於手指的靈活性與獨立性。而彈奏復調作品，則對這一點的要求更為必要。如手指對各聲部層次對比的控制力，旋律線條走向的把握，樂句起和收的處理，兩手間的相互協調配合等。但是最重要的一點是在除了手指能力之外，演奏者要能清楚地聽見自己彈奏的是什麼，也就是作品進行中的各個聲部在自己手下能否清晰的展示出來。
對初次接觸巴赫復調作品的人來說，巴赫的初級鋼琴曲集是一個很好的選擇，如其中的第三首樂曲是一首小步舞曲，二個聲部的進行，首先由右手進入，當進行到第二小節強拍上時，右手小指彈完G音抬手的同時，左手很自然地落到G音上彈奏另一個聲部，形成聲部的交替和模仿，並在第二小節上有一個強拍的節奏特點，這正是小步舞曲節奏流暢、平穩、活潑的風格體現。一般人通過對初級巴赫作品的學習，可以初步領略到巴赫復調作品的內涵和一種全新的音樂感受，從而獲得彈奏巴赫復調作品的初級技巧。
二部創意曲的第一首是學習掌握各種連句、連音，要求手指觸鍵平穩連貫。第一句的主題在強拍位置上十六分休止符後進入，樂句如同呼吸一樣，大拇指自然落下，彈奏出很連貫流暢的短句。而每次在強拍上的收尾，要求自然並且弱一些，跳音不要彈的太短促。左右手的句子如同兩個人的對話，交替對應，極富表情。通過對這樣的旋律連句的學習，對掌握手臂的自然呼吸、樂句的自然答對，手指的獨立彈奏來說都是有很好幫助的。
二部創意曲的第四首是以模仿為主的復調曲，兩個聲部同樣重要，但在不同的樂句中所起的作用又有所區別。曲中連奏要指尖觸鍵平穩連貫，在彈奏左右手顫音時，要保證另一隻手的主題旋律連貫平穩。為使學生能夠克服這一難點，除了加些顫音的練習外，還可以把顫音放慢節奏和旋律句子對位去練，這對獲得好的節奏感和培養雙手獨立不倚的訓練都大有好處。
二部創意曲的第十四首是學習交替的連句，聲部進行的規則統一，主題和副題的呼應以及分句法。二部創意曲的第十五首是則是學習半音加顫音的小短句及雙手交替彈奏連句、短句，要求手臂配合自如、觸鍵清晰靈巧。
巴赫的三部創意曲主要是雙手彈奏三條旋律，聲部的增多對彈奏帶來了不小的難度。但是同時也為訓練手指的獨立性和控制力提供了很好的訓練材料。巴赫三部創意曲的第二首是六八拍子的曲子，有極強的歌唱性。主題句的重復音無論在那一個聲部出現都要把前一個音彈的長一些，這樣句子才能夠連貫。第二拍到第三拍，第五拍到第六拍是五度音程呈上升趨勢，使音樂有一種舒展的感覺，三聲部的出現在一些地方是以高音保留、低聲部插入為形態的，如第五、第六小節的三聲部就起到變化和填充的效果。由於各樂曲的織體、結構成份的不同，在作曲家筆下對各個聲部的處理以及力度和色彩方面的要求也就有所不同。
巴赫三部創意曲的第十五首就是以三種不同的素材組合而成的。左手是很連貫的歌唱性旋律，右手的小短句如同伴奏音型一樣，三個音一組彈奏時，要把前兩個音連起來後一個音斷開，聽起來生動、典雅。第三小節是分解和弦琶音的華彩句，要彈的干凈、明亮，萬萬不可彈成連音。整首曲子都是以這三種音型交替、穿插變化發展而成的。只要把握住這一點，就可以使曲子彈的生動活潑。
巴赫三部創意曲的第十一首，在彈奏時要注意中聲部的旋律是以雙手交替來完成的。為了使音樂的線條清晰，練習時可以先單手進行，而後再將這個句子自然從容的彈出，在這種地方要認真傾聽兩手銜接處力量是否均勻自如。
在巴赫復調作品中，不論是模仿、對位或者襯托，各個聲部的重要性也時有變化。在注意主聲部的同時，也不能忽視其它聲部，再彈奏中要注意它是怎樣進來，繼而是怎樣發展變化的。這種發展和變化使得各個聲部的力度色彩各有特色、各不相同，但又相互聯系。為了很好地控制自己的手指去彈奏出合乎邏輯的樂句，使自己有良好的復調聽覺，分聲部練習是非常重要的。
在完成巴赫創意曲作品的學習後，就將進入體現巴赫音樂風格、音樂形象的大網路全書，即對巴赫的《十二平均律鋼琴曲集》的學習。《平均律》共分兩卷，是按同樣的形式組成的，每一首前奏曲和一首賦格曲都是由一個共同的調性統一起來的獨立作品。前奏曲和賦格曲連在一起，既形成對比，又起著補充作用。前奏曲在形式上比較自由、流動，音樂思維富於幻想，賦格曲的形式則非常嚴謹，音樂思維是嚴格集中的。
巴赫的前奏曲在《平均律》中往往起著引子的作用，但它也有其獨立的意義。一般來說，前奏曲分為兩種類型：一種是屬於樂曲性質，它的速度通常較快，這是極好的手指技術練習，同時它的旋律性也很強。例如，第一卷中的第五首D大調前奏曲，第十一首F大調前奏曲等。另一種是採用復調手法，由多聲部構成，它很象賦格。例如，第一卷中的第十二首F小調前奏曲，第十四首升F小調前奏曲等。
賦格曲在復調音樂中是最高和最復雜的表現形式，它的形成是經過了很長的發展過程，只有在巴赫的創作中賦格才獲得了完美的體現。巴赫的賦格曲，並不完全是抽象的音樂曲，它不僅有嚴密緊湊的哲理性，在形式上的變化層出不窮，而且還充滿了詩意的感情。賦格曲常是由幾個獨立聲部組織而成的，先由一聲部奏出主題，其他各聲部做先後模仿。主題一開始用主調，第二次出現用屬調，第三次出現回到主調，這樣變化發展直至曲終。在同一聲部前後兩個主題之間還有可能出現副題。主題先後出現於各個聲部，成為呈示段，不包含主題的段落叫插句。賦格的結構是呈示段與插句的交替交換，它通常都是一個音樂主題，表現一個音樂形象。有時也會遇到有二、三個主題的賦格曲，但其中材料往往都屬於基本的第一主題。第一主題體現了主要的、主導的思想，從而也決定了作品的性質。賦格曲中少於兩個聲部是不可能的，最普遍的是三或四個聲部的，五、六聲部的作品就很少很少了。
巴赫《平均律》是非標題性音樂，從表面上看不出作曲家所想表現的是什麼，但是從巴赫的思想特點和完整統一的形象思維來看，我們可以了解巴赫作品中所蘊藏的豐富內容。由於巴赫所處的復雜時代，受宗教影響極大，所以他常借宗教題材反映人民的痛苦，表現人們對英雄的同情、感傷和歌頌。同時巴赫作品也反映了人們對光明的嚮往與追求，而非標題音樂則包括了當時社會所不能論的語言，從側面反映了人民的生活，反映了社會。如：在《平均律》中，第一卷降E大調前奏曲是表現宗教聖詠的。第二卷升F大調前奏曲表現出沉思的哲理。第一卷F小調賦格則表現出幻想以及悲劇性。第一卷的D大調賦格卻表現出強烈的英雄性等等。而表現民間風俗，生活氣息的作品在《平均律》中也有不少。如：第一卷E大調前奏曲就具有強烈的牧歌風味。第二卷F小調前奏曲表現出淡雅的田園風情。第一卷升C 小調賦格，則表現出強烈的歡樂性等等。由此可見巴赫的創作本質是：世俗音樂同復調音樂的結合，宗教思想與啟蒙思想的結合，結構性與旋律性的結合。
巴赫作品風格的掌握是彈好《平均律》的關鍵，具體來說，就是要從以下幾個方面來注意：速度：它是決定風格最重要的因素之一。在彈奏平均律中速度應當和當時的樂器（如：擊弦古鋼琴等等）相吻合，與當時的時代相吻合。十八世紀屬於節奏較緩慢的時代，如果在鋼琴上把這套曲目彈的很快，顯然是不和適的。所以平均律的彈奏應當是相對較緩慢的。節奏：巴赫作品以節奏嚴謹平穩而著稱。由於作品屬於巴洛克時期音樂范疇，所以不能允許有類似浪漫派演奏手法常用的自由地、時慢時快地節奏。巴赫作品從開始到結束，都應處在一個基本節奏之中。三，觸鍵：鋼琴的觸鍵方法有許多不同，但在彈奏平均律時，觸鍵應和巴赫作品的風格相一致。一般來說，在快速樂曲中，用非連奏法或手指斷奏來模仿擊弦古鋼琴上清脆效果比較合適。而在緩慢的抒情歌唱性樂曲中，則要把力量由肩部傳送到指尖，手腕平穩，音與音的連接要均勻，貼鍵出聲，保持音色的圓潤飽滿，這樣才能獲得古樸典雅的音響效果。線條：這是巴赫作品中又一極為重要的特點。在彈奏巴赫的復調作品前，應該對線條有一個初步的設計，使其自然而流動。當然巴洛克時期的音樂線條起伏不能象浪漫主義音樂中的線條起伏那麼大，但是一定是存在的。正確的使用漸快與漸慢往往會給人一種舒服的感覺，但濫用則會令人厭煩。試想，如果每一首前奏曲和賦格結束時都去做漸慢，那也太呆板了。我認為一首歌唱性的、寬廣流暢的賦格曲比一首歡樂性的輕巧賦格曲更適合於在結尾處做漸慢。五，力度變化：總的來說，巴赫作品的力度變化幅度較小，基本趨與平穩。但是這並不排除某些段落里的強弱力度的變化。巴赫作品的力度應按照樂曲的內容、結構來改變。無論如何，輕響截然分明的格式決不能套用到所有的前奏曲與賦格上去。六，聲部：平均律屬於復調作品，即多聲部音樂作品。我們要通過這些曲目的訓練使手指控制聲部和耳朵辨別聲部的能力得到大的提高。在教學中，要強調保持聲部層次的清晰，主題聲部要尤為突出，而其他各聲部要讓位於主題聲部，手指要做適當的控制。但是，在控制中，每一個聲部又應當是清楚、完整的。要做到這一點，就必須將每一層旋律部抽出來單獨練習，使頭腦對各聲部都保持條理清楚，再用清醒的頭腦去指揮手指的彈奏動作。七，踏板：它在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事實上卻是極為重要和極難把握的，由於踏板沒用好而導致彈奏失敗的例子隨時可見。巴赫的作品中，踏板用多了會使聲音含糊不清，用少了又會使聲音干澀無味，這兩個極端都有損與巴赫的風格。我認為踏板的運用應當根據樂曲來決定，比如在彈奏中遇到手難以連接或慢樂曲中需要延長的地方等，是可以使用踏板的，但是要用耳朵仔細的傾聽，然後小心的進行。八，裝飾音：這是修飾音樂的裝飾品。巴赫的裝飾音種類繁多，有迴音、逆迴音、顫音、下波音、上波音等等，他們各有自己特殊的彈法。另一方面，因為適合於擊弦古鋼琴輕巧、柔和音色的裝飾音，並不一定適合現代鋼琴上較厚實的聲音，所以，巴赫的裝飾音不要彈的太急、太強、太斷和太華麗。以上是彈奏巴赫作品時所要注意的幾個基本要素。當然，巴赫的《十二平均律曲集》以及他的其它鋼琴復調作品都是如此的博大精深，要真正的弄懂並准確把握這些巨作，是要花大量心血與時間去做認真研究的。但是掌握其主要的風格特徵，了解當時的時代背景是學習巴赫作品的最根本要求，也是彈奏好巴赫作品的前提與第一步。
⑽ 初學巴赫的復調作品,有什麼利於彈奏的小技巧沒
你好，復調音樂是音樂思維形式。有：對比式復調、模仿式復調、襯腔式復調、以及二、三、四、五更多聲部的復調。
在彈奏復調音樂時，最簡單的方法就是由淺入深，先學習《小巴赫》--《巴赫小前奏曲與賦格》--《創意曲集》--《巴赫各系列組曲》--《巴赫平均律》等。這樣才能夠隨著程度的不斷提高，輕松演奏。
復調音樂不同於其它作品的只要特徵就是，「她」在演奏過程中，雙手都有曲調旋律，經常不分先後、主次。演奏者首先得清楚一首作品的主旋律，然後根據這個主旋律，分析作品中哪些地方有主旋律的出現。
在演奏中，必須先將各個聲部進行單獨彈奏，分清聲部；然後將各個聲部的主旋律進行對比，分清層次。最後雙手合練自然便輕松多了。
復調彈奏，聲音的層次至關重要。如果光將各個聲部的主旋律彈奏出，而忽略了音色的對比，那該作品演奏就很不成功了。
復調作品聲部多不容易彈，但建議學琴者從小就必須多彈奏！